Monuments, communauté, patrimoine public: entretien avec l'artiste Cosimo Veneziano

Cosimo Veneziano (Moncalieri, 1983) est un artiste contemporain dont les œuvres, comme l’a écrit la critique Elena Forin, “explorent le vaste univers des images du patrimoine social, architectural et urbain”. La réflexion sur la nature, sur la destination et la survie des monuments, mais aussi sur le thème de la communauté et de l’identité est au cœur de son art. Des œuvres qui font appel à différentes techniques et qui s’inspirent souvent de la littérature. Le29 janvier, Cosimo Veneziano inaugure sa première exposition personnelle à Rome, intitulée Rompi la finestra e ruba i frammenti: nous avons interviewé l’artiste, que nous remercions pour sa disponibilité, afin qu’il nous parle de son art. Bonne lecture !

FSA. Commençons par l’une de vos dernières œuvres, la série Petrolio: l’une des œuvres de la série a également été incluse récemment dans le “Deposito dell’Arte Italiana Presente” lors de la dernière édition d’Artissima à Turin. Il s’agit d’une recherche très intéressante: des dessins sur toile de sculptures anciennes recouvertes de feutre pour étudier l’“effacement” des monuments de l’antiquité, le feutre suggérant l’idée de censure et de destruction de l’art. Pourquoi l’élément huile est-il le point de départ de la réflexion?
CV. La réflexion sur l’iconographie monumentale part du livre Petrolio de Pasolini, où la forte valeur symbolique du paysage du Moyen-Orient est décrite à certains moments du roman. Par ailleurs, le travail part également de l’hypothèse que l’installation d’un monument dans l’espace public implique la sélection d’un fait historique ou d’un personnage considéré comme crucial pour la communauté, je me demande quel poids peut avoir la destruction d’un patrimoine reconnu comme collectif.

Toujours à propos d’œuvres recouvertes et censurées, mais pour d’autres raisons, nous parlons des moulages en céramique de la série Membrana. D’où vient l’idée de ces sculptures et qu’est-ce qui les relie à la série Petrolio?
Pour prolonger la discussion, j’ai également ajouté à ces œuvres un nouveau noyau de sculptures en céramique, des reproductions de ces statues féminines conservées dans les musées du Capitole à Rome et dissimulées lors de la visite du président iranien Hassan Rouhani à Rome. Effacer, dissimuler, couvrir ou décontextualiser les images est donc pour moi le mécanisme mis en place pour expérimenter ces questions et les partager avec le spectateur.

L’un des axes les plus cohérents de votre recherche est l’étude de la relation entre la société et les monuments, un axe qui remonte à vos débuts, lorsqu’avec The Possibility of an Island vous avez demandé aux citoyens d’un quartier compliqué de photographier ce qu’ils considéraient comme important à propos de leur zone...
Oui, c’est un travail très ancien, qui n’est même pas présent dans le livre que j’ai édité avec Silvio Zamorani Editore, qui est d’abord né comme une recherche à l’Académie et qui s’est ensuite transformé en ma première exposition personnelle, où j’ai tenté de reconstruire les symboles présents dans un quartier de Turin. Le travail était très immature, mais ambitieux, tant par l’échelle de l’espace que par le matériel de recherche exposé, comme les photos, les “cartes de relations”, le grand dessin et la bande sonore créée par le musicien Roger Rama.

Cosimo Veneziano, Sans titre (de la série Petrolio; 2015 ; dessin à l’encre sur toile, feutre industriel, 80 x 100 cm ; Courtesy Alberto Peola Artecontemporanea)

Cosimo Veneziano, Sans titre (de la série Petrolio; 2015 ; dessin à l’encre sur toile, feutre industriel, 80 x 100 cm ; Courtesy Alberto Peola Artecontemporanea)

Cosimo Veneziano, Membrane (2017 ; sculpture en céramique, 10 x 15 cm ; Courtesy Alberto Peola Artecontemporanea)

Lors de ses dernières expositions personnelles à Turin, nous avons vu des œuvres de la série Giorni di un futuro passato. Une réflexion sur l’art, le pouvoir et la propagande, étroitement liée aux autres œuvres que vous avez produites au cours de l’année écoulée...
Oui, je suis toujours fasciné par l’utilisation des images et de l’iconographie dans les différents mouvements politiques, parce qu’ils utilisent ou inventent des styles. Avec l’expansion d’Internet, ces iconographies sont submergées et utilisées même par l’individu, car maintenant, en quelques secondes, nous pouvons rechercher une image, la capturer et la modifier à notre guise. Ce mécanisme crée donc une schizophrénie où certains symboles liés à des mouvements politiques spécifiques sont “volés” par des mouvements ou des partis opposés.

Sa dernière exposition, qui s’ouvre le 29 janvier à Rome, et qui s’intitule Rompi la finestra e ruba i frammenti (Casse la fenêtre et vole les fragments), veut raisonner sur le thème de la survie des monuments aux changements de l’histoire. Un thème tout à fait d’actualité. La commissaire de l’exposition, Benedetta Carpi De Resmini, a écrit que son art “décompose et brise l’idée de l’œuvre publique et la ramène parmi nous, avec ce qui reste et en lui donnant une autre vie, parce que sa vie est inhérente à l’interprétation”. C’est donc dans la sphère personnelle des individus (et donc dans ces “fragments”) que les monuments survivent?
Oui, ils peuvent survivre dans “notre” sphère personnelle.

La même réflexion peut être menée non seulement pour les monuments mais aussi pour des œuvres apparemment plus anodines mais pourtant chargées d’histoire .
Oui, cette simple inscription est dense de sens parce qu’elle parle d’un patrimoine naturel, d’un élément économique moteur comme le marbre de toute une région d’Italie, et aussi d’un symbole architectural d’une période de bien-être économique et social qu’a été le siège de la “Banque d’Italie” à Massa.

Cosimo Veneziano, Days of a Future Past (2017 ; fusain sur toile, 100 x 200 cm ; Courtesy Alberto Peola Artecontemporanea).

Installation de l’exposition Days of a Future Past à Alberto Peola Artecontemporanea.

Cosimo Veneziano, Banque d’Italie (2014 ; marbre de Carrare, 23 x 90 x 3 cm ; Courtesy Alberto Peola Artecontemporanea)

Son art semble avoir un lien étroit avec la littérature. Les titres de plusieurs de vos expositions font référence à des œuvres littéraires (La possibilité d’une île de Houllebecq, Vers l’ouest l’empire suit son cours de David Foster Wallace): quel est votre rapport à l’écrit?
Je suis très fasciné par les contes et les histoires, mon rapport à l’écrit est donc souvent une première source de construction imaginaire.

Votre art utilise des moyens d’expression très différents: dessins, sculptures, sérigraphies, toujours sous le signe d’une figuration dépouillée et essentielle. Quelles sont les raisons de vos choix technico-stylistiques?
Le projet. L’utilisation du matériel et la technique sont des éléments fondamentaux pour moi, car ils font partie intégrante de l’œuvre ; le dessin et le matériel sont des éléments qui vivent en symbiose pour moi. Le matériau utilisé est suggéré par le projet, c’est une forme de respect. La matière ne s’adapte pas, elle a sa propre organicité. Pour mieux clarifier les concepts de matériau et d’organique, je décrirai l’œuvre Imago Mundi, réalisée en collaboration avec l’architecte et artiste Maurizio Cilli. Imago Mundi est né d’un vide, de la partie perdue d’un monument funéraire, une Stüpa du MAO (Musée d’art oriental de Turin). La partie perdue était la tour. Nous avons reconstruit la partie manquante à l’aide d’une imprimante 3D: cette étape a été fondamentale car c’est actuellement le seul moyen qui permet de construire l’artefact directement à partir du dessin, sans recourir à des compétences manuelles et surtout sans utiliser des matériaux “historiques”, tels que le marbre ou le polystyrène, qui sont largement utilisés pour la découpe au pantographe. L’utilisation de l’imprimante 3D permet d’utiliser des matériaux synthétiques sans culture définie, car en reconstruisant une partie d’un monument indien, on entre inévitablement en collision avec une autre culture. La présence du Stüpa original est marquée par un disque de marbre noir de Madurai de la même taille que le monument.

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