Michele Chiossi: "Enfin, l'art a recommencé. Mais nous devons travailler plus dur et mieux

Avec la semaine de l’art à Milan, nous pouvons officiellement dire que le monde de l’art contemporain est de retour, en direct. Parmi lesartistes en pole position figure Michele Chiossi (Lucques, 1970), l’un des noms les plus connus et les plus intéressants de la sculpture contemporaine en marbre en Italie. Chiossi a présenté ses dernières œuvres dans le cadre de l’exposition Orbital , qui se tient actuellement dans la boutique Vivienne Westwood de Milan. Nous avons rencontré l’artiste pour qu’il nous parle de ses dernières œuvres et de son point de vue sur le renouveau de la scène italienne. L’interview est réalisée par Federico Giannini.

Votreexposition à la boutique Vivienne Westwood de Milan, votre dernier projet, touche à sa fin.Pouvez-vous nous parler de cette exposition? Comment s’est-elle déroulée ?

Orbital est le deuxième projet que je réalise chez Vivienne Westwood (la première exposition, intitulée Artyvisme, a eu lieu en 2018): je suis le seul artiste à y avoir exposé en Italie et, pour ce deuxième projet, j’ai été invité dans le cadre d’un événement au Fuori Salone de cette année. L’exposition a heureusement été un succès: le titre fait référence à une installation composée d’une sculpture en marbre et acier en zigzag, qui est ma marque de fabrique, suspendue comme un meuble de Calder, et dans laquelle j’ai réinterprété le logo de Vivienne Westwood, avec un texte critique de Marco Tagliafierro. J’ai souvent travaillé sur l’appropriation d’images, de logos d’entreprises, d’emoji que je réélabore dans un processus de post-production, et je l’ai fait dans ce cas avec le logo de Vivienne Westwood, en l’insérant dans une toile de fond et en créant cette installation spatiale composée de panneaux recouverts d’un papier peint réalisé pour Creative Space, une entreprise italienne qui fabrique des papiers peints et des décorations murales. Il s’agit d’un marbre de Carrare très veiné, dans lequel j’ai voulu voir une sorte d’espace, une galaxie, où j’ai inséré, toujours en les peignant en zigzags, des emoji des étoiles, du soleil, de la lune, de Saturne, et pour l’événement de Vivienne, j’ai également inséré son logo, l’Orbe, dans lequel j’ai essayé de voir une forme saturnienne, spatiale, de la représenter en la plaçant dans cette sphère cosmique, et de créer une nouvelle cosmogonie avec la sculpture qui tourne autour d’elle. Ensuite, dans cette très grande boutique sur deux étages du Corso Venezia à Milan, j’ai exposé d’autres pièces, toutes produites entre 2020 et 2021, qui, bien que n’ayant pas été créées pour l’événement, font partie d’une sélection d’œuvres qui ont une contingence linguistique avec l’univers de Vivienne Westwood (dont je suis également l’ambassadrice de la marque). C’est ainsi qu’est née une exposition plus vaste, qui ne s’arrête pas à la seule vitrine: c’est un univers qui gravite autour du monde de Vivienne Westwood. J’ai donc présenté d’autres œuvres: des sculptures en bronze, des sculptures en aluminium, des peintures, une sculpture de 2000 (la plus “historique” de celles qui sont exposées: il s’agit de mon hommage à la Vénus de Botticelli pour un projet que j’ai réalisé à Florence, intitulé précisément La naissance de Vénus), une série de peintures issues de l’exposition personnelle Inter Caelum et Terram qui s’est tenue à la Galerie21 de Livourne l’année dernière, puis de nouvelles sculptures telles que Save the Fate Tattoo: Save the fate" est une devise que j’ai inventée l’année dernière entre le premier et le deuxième lockdown, paraphrasant le “save the date” typique des événements à une époque où les événements étaient interdits et où, par conséquent, il n’y avait plus de “dates” à respecter.Il n’y avait plus de “dates” à retenir, ni privées ni surtout publiques, alors je l’ai transformé en “destin” (“fate”, “fate”). Je crois beaucoup à cette infusion ou canalisation de l’énergie: c’est quelque chose de salvateur, de positif, que j’ai ensuite transformé en sculpture-miroir. Une idée qui est également liée à un tatouage que je me suis fait faire à la suite d’un projet que j’ai réalisé l’année dernière, au moment où la devise est née, en réinterprétant des tatouages old school: la devise est alors devenue une sculpture en marbre noir éclairée par des diodes électroluminescentes, visible dans la boutique.

Ce n’est pas la première fois que votre art rencontre la mode: c’est un monde auquel vous êtes très attaché...

C’est vrai, c’est un monde que j’aime beaucoup: d’un point de vue personnel, j’apprécie la possibilité qu’offre la mode de s’exprimer et de se projeter dans la société par le biais de vêtements et d’accessoires. Par le passé, j’ai également travaillé avec certaines entreprises, par exemple avec Les Copains et avec Vivienne Westwood elle-même pour l’exposition Artyvisme. Je considère mon travail, ou beaucoup de mes travaux, comme des natures mortes: j’ai fait des études classiques et académiques et j’ai toujours été frappée par ce sujet, depuis la première représentation du thème de la nature morte, même en sculpture, dans les reliefs grecs, à Pompéi, à Herculanum, jusqu’au 17e siècle, à l’école flamande et italienne. J’ai toujours admiré la séduction visuelle d’un genre qui peut paraître simple à première vue, mais qui cache, puis révèle, des messages d’une autre nature, un peu comme la Canestra du Caravage avec la pomme vermoulue. Je trouve que le caractère éphémère de la mode se rapproche en quelque sorte de l’idée de nature morte: il suffit de penser aux représentations de papes, de rois, de souverains au cours des siècles et à la façon dont le costume a également connoté, par exemple, les positions sociales au cours de l’histoire. J’aime beaucoup cet aspect de la mode, j’aime la façon dont elle codifie.

Nous disions que de nombreuses pièces exposées à Orbital sont nées entre 2020 et 2021. Comment avez-vous traversé la période de blocus forcé à laquelle nous avons été contraints par la pandémie?

C’est une question intéressante car nous avons tous vécu, et je pense que nous vivons encore en partie, une période très particulière. J’ai la particularité d’être toujours positif, et malgré les difficultés qui étaient vraiment contingentes, j’ai essayé d’utiliser cette période à mon avantage. D’une part, j’ai eu de la chance parce que, par hasard, avant le lockdown de mars 2020, j’ai quitté Milan après vingt ans pour une période indéterminée et je suis retourné vivre en Versilia, et j’ai donc eu la chance d’avoir un jardin où j’ai pu me consacrer à l’entretien des plantes, des fleurs, une activité que j’aime beaucoup et qui m’a donné la possibilité d’avoir un espace extérieur privé. Lors du premier lockdown , nous avons eu le plus beau printemps de notre vie, avec une chaleur que nous n’avions jamais vue en mars et avril, et nous n’avons pas pu en profiter parce que nous étions tous enfermés à l’intérieur: j’ai eu la chance de pouvoir sortir un peu. J’ai ensuite eu une autre chance, car au début de l’année 2019, j’ai recommencé à peindre, avec une nouvelle technique de peinture sur polyester que j’applique ensuite sur du marbre. Et comme par hasard, je me suis acheté suffisamment de polyester pour travailler chez moi: la plupart de mes travaux de sculpture, 95 %, sont réalisés en atelier, et à ce moment-là, il n’était évidemment pas possible de se rendre à l’atelier. J’ai donc eu de la chance, car pendant le premier lockdown, j’ai beaucoup peint et j’ai réfléchi à des œuvres possibles à réaliser une fois que nous pourrions à nouveau quitter la maison. Pendant le second lockdown, c’est-à-dire l’hiver dernier, j’ai peint des papiers peints fleuris pour Creative Space, ce qui a été une période de grande réflexion et, en ce qui me concerne, de productivité.

Réflexion mais aussi retour aux sources, puisque vous êtes originaire de Versilia et que vous y avez passé la première partie de votre vie.

Oui, même si je ne suis pas vraiment de la Versilia mais de la Toscane: ma mère était de Lucques et mon père d’Émilie, mais j’ai fait toutes mes études en Toscane et j’ai passé une partie de ma vie en Versilia. Puis, adulte, j’ai découvert Carrare et Pietrasanta et leurs ateliers: c’est mon lieu de prédilection et aussi de cœur, où je peux réaliser tous mes projets et mes rêves, c’est un lieu auquel je suis très attachée, je l’aime d’un point de vue naturel, j’aime la vue de la roche, de la pierre, des Alpes Apuanes, j’aime sa nature sauvage et belle, sa mer, la sociabilité de la Versilia et de Forte dei Marmi. Bref, il y a un bel équilibre, et même si Milan est aussi dans mon cœur, j’essaie souvent de revenir en Versilia.

Comment s’est passé votre retour à Milan et les grands événements? Orbital faisaitpartie de l’Art Week, et bien que cette année nous ayons eu une Art Week un peu plus discrète que les années précédentes, pour des raisons évidentes, c’était néanmoins la première occasion pour le monde de l’art contemporain de se réunir

C’était une grande joie de revenir pendant Miart et la Semaine de l’art pour retrouver des amis, des collectionneurs, des galeristes, des artistes après deux ans de vie sociale: nous nous étions évidemment vus en direct, mais pas avec tout le monde, c’était donc très excitant. Je dois dire que j’ai trouvé le monde un peu décalé, j’ai trouvé qu’il y avait un peu d’essoufflement, que le sprint habituel qui était là avant manquait, mais je pense que c’est normal et ça l’a été pour tout le monde. Aller aux foires est toujours un moment important, mais avant, nous considérions presque cela comme une évidence, car le calendrier était très chargé. Voir Milan revivre avec Miart, la semaine de l’art et la semaine de la mode a été très agréable. J’ai moi-même eu de très bons échos de mon travail. Bien sûr, je constate que tout le monde, moi y compris, se méfie un peu de l’inconnu de l’hiver à venir, mais je peux certainement dire que tant dans le monde de l’art que dans le monde de la mode, que j’ai testé en passant presque tous les jours dans les boutiques, il y a beaucoup de désir de faire, de recommencer, d’être social. Je pense qu’il est dans l’esprit de l’homme de vivre en communauté et non en ascète ou en retrait, et j’ai donc trouvé cela très positif.

Comment voyez-vous la scène artistique contemporaine italienne après cette année et demie d’arrêt? Sommes-nous prêts à repartir ?

Je pense que nous devons nous retrousser les manches et travailler dur (comme nous le faisons toujours): la scène italienne a beaucoup à donner, elle a atteint un niveau de production artistique qui, je pense, est plus compétitif sur le marché mondial qu’il y a seulement quelques années. Il est clair que la scène italienne est, disons, un peu plus “campagnarde” et plus en difficulté que la scène américaine ou même allemande, mais d’un autre côté, nous avons des spécificités uniques que je pense qu’il est juste de maintenir et de sauvegarder. J’espère qu’au moins en termes de culture, la mondialisation s’arrêtera un peu, dans le sens où il est bon que le caractère unique de l’expression des artistes individuels appartenant à certaines nations continue de subsister. Alors, bien sûr, la contamination, comme il se doit, fait partie de l’évolution de l’homme, mais je crois que l’Italie, de ce point de vue, et je parle en tant qu’artiste, est vraiment riche en talents. Et comme pour les artistes, je crois que le système des galeries et des musées doit aussi travailler dur et faire un peu plus: nous devons tous nous améliorer: des artistes aux réalités privées comme les galeries et aux réalités publiques comme les musées, nous devons apprendre des Américains et des Britanniques, nous devons essayer de nous améliorer de plus en plus précisément pour créer un système artistique qui soit aussi de plus en plus valable sur le plan professionnel.

Pour conclure cette conversation: quels projets proposerez-vous dans un avenir proche ?

Merci pour cette question: j’ai plusieurs propositions à évaluer, mais je ne peux pas encore citer de noms spécifiques, mais je peux dire qu’il y aura bientôt des événements auxquels je participerai. Par ailleurs, un livre sera bientôt publié, qui fera le point sur toute ma production de ces dernières années. Je ne veux pas l’appeler “monographie”, mais ce sera un bon livre dans lequel j’aborderai tous mes différents points d’expression et de production.

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