Le bleu est l'une des couleurs les plus fascinantes et les plus appréciées. Entretien avec Anna Orlando

L’exposition plurielle Autunno blu a Villa Croce (Automne bleu à Villa Croce), organisée par Anna Orlando et Francesca Serrati, est présentéeà Gênes, au musée d’art contemporain de Villa Croce, jusqu’au 17 janvier 2021 . Cinq expositions, cinq projets d’exposition, unis par un seul fil conducteur: la couleur bleue. C’est l’une des commissaires, Anna Orlando, qui nous a parlé du projet. L’interview est réalisée par Ilaria Baratta.

IB. L’automne à Gênes sera... coloré, mais en même temps monochrome, car tout se déroulera autour du thème du bleu. Pourquoi avez-vous choisi cette couleur ?

AO. Le bleu est l’une des couleurs les plus fascinantes et les plus appréciées des artistes.

Comment est née l’idée d’une exposition multiple comme Autunno BLU à Villa Croce ?

C’est un vieux projet que j’avais et que j’ai repris quand on m’a demandé de m’occuper de la programmation de Villa Croce, dans le cadre d’un travail que je fais pour la ville de Gênes. J’avais déjà travaillé sur l’exposition Bernardo Strozzi et, en 2019, lors d’une visite de l’exposition, Sgarbi m’avait parlé, ainsi qu’à la conseillère Barbara Grosso, de son projet au MART de Rovereto, dans lequel il avait placé un retable récemment restauré de Strozzi, la Vierge et l’Enfant en gloire avec les saints, caractérisé par le manteau bleu profond de la Vierge, à côté d’une œuvre d’Yves Klein. Nous avons immédiatement pensé à décliner cette idée sur Gênes. Après l’urgence sanitaire de Covid-19, nous avons dû repenser, comme tout le monde, la programmation et, au lieu d’annuler quelque chose, nous avons pensé à unir, à créer une exposition multiple, une nouvelle forme. Cinq expositions simultanées unies par le fil bleu. L’une d’entre elles est consacrée à l’œuvre de Fulvio Magurno, un artiste photographe qui travaille à Gênes depuis de nombreuses années et qui nous avait présenté, à moi et à Francesca Serrati, la conservatrice en chef du musée d’art contemporain de Villa Croce, une œuvre inédite intitulée Animulae: une revisitation, grâce à sa technique photographique particulière consistant en des prises de vue superposées, des crucifix d’Anton Maria Maragliano, un sculpteur du XVIIIe siècle. Cette œuvre était parfaite pour être associée à l’exposition Klein vs. Strozzi pour deux raisons: d’une part parce que le bleu était au centre, ces clichés étant tous orientés vers le bleu, et d’autre part parce que, dans ce cas également, nous revisitons un artiste du passé, comme Klein le fait avec Nike, un sujet classique. Il fallait aussi célébrer le centenaire d’un artiste génois un peu oublié, mais très intéressant pour sa déclinaison de l’abstractionnisme dans l’après-guerre des années 1960-1970: Rocco Borella. Nous avons donc sélectionné les œuvres dans lesquelles l’artiste a utilisé le bleu parmi celles de la collection de la Villa Croce, qui en possède un très grand nombre, et celles de collectionneurs privés. En outre, il y avait une quatrième combinaison: revenant d’une longue restauration de près de deux ans, une œuvre de la Villa Croce, une installation créée par Ben Patterson en 2002, à l’occasion d’une exposition à la Villa Croce sur le mouvement Fluxus. Patterson avait créé la Constellation Fluxus, où les étoiles sont représentées par des plafonniers et où chacune d’entre elles, s’allumant par intermittence, présente un portrait quelque peu ironique des artistes Fluxus, tout aussi ironique que les artistes du mouvement eux-mêmes, chacun avec son propre signe du zodiaque. Le résultat est une constellation sur fond bleu nuit (nous avons installé cette installation dans une salle entièrement bleue nuit, flanquée de deux autres œuvres in situ de l’exposition de 2002: un signe coloré et ce qui reste d’une performance de Philip Corner, à savoir un piano détruit). Enfin, un don important est arrivé: la ville de Gênes a reçu vingt-quatre œuvres sur toile de jean. Il faut dire qu’il existe un grand projet de la ville de Gênes, Genova Jeans, dirigé par Manuela Arata, qui entend présenter Gênes comme la capitale du jean, puisque l’on sait que la toile de jean est née dans cette même ville. Le projet, qui est très vaste, devait être présenté au printemps 2020, mais en raison de Covid, il sera présenté en mai 2021. Cela comprend également l’initiative menée par l’association ArteJeans, qui a sélectionné, par le biais d’un comité technico-scientifique, un certain nombre d’artistes désireux d’interpréter à leur manière une toile de denim de 180 x 200 cm fournie par le partenaire du projet, Candiani Denim. Pendant les mois de l’enfermement, les artistes ont créé vingt-quatre œuvres vraiment divertissantes, parce qu’elles sont toutes différentes, chacune avec son propre style, sa propre technique et sa propre sphère de créativité, allant de la vidéo à la peinture, du néon, comme Marco Lodola, à Isgrò avec ses ratures. ArteJeans a une telle consistance qu’elle occupe le plus grand espace, mais ce qui m’intéresse, c’est cette formule multiple, où cinq expositions ne s’alternent pas, car le parcours est fluide, il n’y a pas de sections séparées, mais le visiteur passe d’une exposition à l’autre sans rupture, avec un graphisme très incisif qui permet de comprendre dans quelle exposition on se trouve.

Bernardo Strozzi, Saint François embrassant le Crucifix, détail (huile sur toile, 95 x 76 cm ; Gênes, Musées Strada Nuova - Palazzo Rosso)

Yves Klein, Nike (collection privée)

Rocco Borella, Bleu (1962)

Flavio Magurno, Animulae (2020)

Alberto Biasi, Quel Blu Genova che veste il mondo (2020 ; taille-douce et relief sur toile Candiani Denim, 120 x 120 x 7 cm)

Emilio Isgrò, Trois caravelles

Ben Patterson, Constellation de la première magnitude (2002 ; techniques mixtes, dimensions variables)

Nousavons dit que le tissu denim a des origines très anciennes et qu’il caractérise la ville de Gênes depuis l’Antiquité. Je voudrais donc vous demander d’expliquer en gros l’histoire du tissu de Gênes...

Nous savons que le mot jeans dérive du mot Gênes, qui a été mal prononcé au fil du temps, tout comme le mot denim dérive de la ville de Nîmes, en France, une autre des premières villes à avoir commercialisé des jeans. Tout d’abord, nous disposons d’une œuvre d’art très importante, la première œuvre d’art connue sur le denim, à savoir les tissus de la Passion conservés au musée diocésain de Gênes et fabriqués à Gênes dans la première moitié du XVIe siècle: ils témoignent donc du fait que nous avions déjà ce tissu dans la ville dans l’antiquité. Le jean a ensuite eu une histoire qui s’est popularisée en raison de son utilisation, mais à l’origine, il s’agissait d’un tissu de travail, très résistant. C’est une histoire très ancienne qui a changé avec le temps, parce que la production de denim est devenue populaire (nous pensons tous dans notre imagination qu’il a été utilisé à l’origine en Amérique, mais il a en fait été utilisé à Gênes pour la première fois). Ensuite, le thème de la mode a pris le dessus, et c’est pourquoi notre partenaire est un opérateur de mode (Candiani Denim est un fabricant de jeans, qui a breveté les jeans extensibles). Le projet GenovaJeans est également lié à la durabilité car Candiani est un opérateur qui travaille en essayant d’économiser autant d’eau que possible (en effet, beaucoup d’eau est nécessaire pour produire des jeans).

Outre les artistes d’ArteJeans, qui ont chacun utilisé leur propre spécificité, les protagonistes des autres expositions sont divers artistes liés par une seule couleur: quelle signification particulière chaque artiste choisi donne-t-il au bleu ?

Pour Bernardo Strozzi, le bleu est la couleur du Paradis (j’ai choisi le Saint François des Musées de la Strada Nuova qui se détache en prière sur un fond bleu profond) ; pour un peintre du XVIIe siècle, en particulier un peintre religieux, le bleu est une couleur mystique, sacrée, c’est la couleur du manteau de la Madone, du Paradis. Yves Klein est obsédé par le bleu, à tel point qu’il y a aussi le bleu Klein. Pour lui, le bleu a une connotation plus philosophique, existentielle, spirituelle. Pour Fulvio Magurno, il est lié au thème de la spiritualité ; pour Borella, c’est l’une des couleurs les plus récurrentes de son art abstrait.

Bien que les cinq expositions d’Autunno BLU se définissent comme contemporaines, elles font également référence à l’antiquité (je pense aux origines du tissu jean, au dialogue entre Bernardo Strozzi et Yves Klein, ou à la référence aux crucifix du XVIIIe siècle d’Anton Maria Maragliano dans les œuvres de Fulvio Magurno). Quel rapport y a-t-il dans ces expositions entre l’ancien et le contemporain ?

J’aime ce croisement. Le fait qu’il y ait deux commissaires (un historien de l’art ancien et un historien de l’art contemporain) peut certainement ajouter quelque chose, dans le sens où aujourd’hui nous devons fournir au public plus de points de vue, parce que les expositions doivent être un stimulus, elles ne doivent pas seulement donner des informations ou collecter des données. Les expositions doivent être faites pour stimuler la pensée, la réflexion. Nous devons être attentifs aux visiteurs, y compris en proposant, comme dans cette exposition multiple, un dispositif très particulier, rythmé, divertissant. Mais il ne faut pas non plus se contenter de divertir: les musées et les expositions ont une tâche importante, qui est d’accroître le sens critique. C’est une mission de ceux qui travaillent dans l’art, nous ne devons pas faire quelque chose pour nous-mêmes, nous devons faire quelque chose pour le public. La relation entre l’ancien et le contemporain a toujours existé. Tous les grands artistes contemporains ont beaucoup regardé l’ancien: il y a ceux qui le rendent plus clair et plus évident et ceux qui le gardent simplement à l’intérieur, comme quelque chose qui fait partie de leur ADN, mais vous pouvez très bien voir à quel point les artistes ont étudié et regardé l’ancien. Peut-être même pour le nier, le profaner, le critiquer, mais le passé est un point de départ essentiel. Il faut toujours s’en souvenir.

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