La forme humaine est le summum de la beauté": entretien avec Shane Wolf

Parmi les artistes les plus intéressants de la scène internationale, l’un de nos favoris est Shane Wolf (Cincinnati, USA, 1976). Un artiste imaginatif et polyvalent, doté d’une technique très raffinée, qui a été formé en Italie (et en particulier à Florence) et qui vit et travaille actuellement à Paris. Un artiste qui retravaille le grand art de la Renaissance dans une tonalité moderne et innovante. Nous avons eu le plaisir et l’honneur de l’interviewer et de lui poser quelques questions sur son art. Il en est résulté une conversation très intéressante, que notre Ilaria a traduite de l’anglais. Nous remercions Shane Wolf, en espérant que cette interview vous fera apprécier un grand artiste international autant que nous !

Shane Wolf, In the Grand Manner, autoportrait (huile sur coton, 70 x 60 cm) © Shane Wolf

De la Florence de la Renaissance, où vous avez été formée artistiquement, à la France qui, au XIXe siècle, a longuement traité de l’art de Raphaël, Michel-Ange et de tous les grands du XVIe siècle italien: peut-on considérer Shane Wolf comme une artiste italienne? Qu’est-ce qui l’a poussée à réfléchir avec autant de passion sur l’art de notre passé? Et qu’est-ce qui vous a amenée à Paris?

Je ne sais pas vraiment si je peux être considérée comme une artiste italienne, mais il est certain que mon goût pour l’art classique s’est éveillé et a commencé à se développer pendant mon séjour en Italie. On dit souvent que mes œuvres sont influencées par l’Italie et de nombreuses personnes affirment voir les racines de la Renaissance dans mes peintures. Personnellement, je pense que ces commentaires sont certainement dus au fait que j’ai étudié à Florence, où la Renaissance est tangible, où l’on peut se promener dans une rue étroite et tomber par hasard sur un Donatello, un Verrocchio ou un Brunelleschi. Ces influences sont omniprésentes et ont certainement eu un impact important sur ma vision artistique.
Après Florence, Paris était clairement la ville qu’il me fallait. Florence est une ville merveilleuse pour étudier, tandis que Paris semblait être l’endroit idéal pour devenir un professionnel. J’avais besoin d’une ville qui avait un passé extraordinairement riche, mais aussi un présent vivant. Paris offrait la bonne combinaison de richesse et de vivacité, à la fois dans le passé et dans le présent.

Shane Wolf avec son tableau Vénus (huile sur toile, 223,6 x 100 cm) © Shane Wolf

La reprise de l’art de la Renaissance passe aussi par les techniques: elle fait un grand usage du dessin mais sa production regorge aussi de figures raccourcies qui rappellent les grands peintres illusionnistes du XVIe siècle, comme Corrège et Véronèse.À uneépoque où l’art se décline sur tous les supports, quelle est l’importance du retour aux techniques traditionnelles?

Dans mes créations, l’utilisation de techniques traditionnelles est absolument essentielle. Dessiner et peindre d’après nature est beau en soi et il y a aussi de grandes valeurs humanistes. Quand on travaille uniquement d’après nature comme je le fais, on comprend mieux pourquoi la Renaissance a aussi été un changement culturel humaniste. Ceux qui passent des jours et des années à étudier les formes de l’humanisme dans toute leur complexité (ce n’est pas vraiment possible, mais nous essayons !) s’inscrivent dans la grande lignée de l’histoire de l’art, qui remonte jusqu’aux Grecs anciens. Je pense que c’est la raison pour laquelle les grandes œuvres d’art nous parlent encore de manière si profonde: elles puisent dans certains sentiments et valeurs humains fondamentaux.
Et oui, les vues sont certainement une partie importante de mon art. J’admire et respecte beaucoup les peintres illusionnistes que vous mentionnez (même Tiepolo) et je m’efforce également de me mettre au défi avec des vues imprévisibles du modèle. Non seulement c’est un défi amusant, mais cela permet souvent d’obtenir une représentation incroyable du sujet.

Non seulement les modes, mais aussi les thèmes: votre série “Eidolon” propose la récupération de sujets typiques de l’art ancien (Vénus, Voici l’homme, etc.). Comment pensez-vous qu’une récupération de ces thèmes puisse être réconciliée avec le présent et l’actualité?

C’est une bonne question ! Je parlerai d’abord de Vénus, puis de Voici l’homme. En tant que peintre, je suis plus intéressé par la création de tableaux pour aujourd’hui, pour le 21e siècle. Je n’ai pas du tout envie de faire un tableau qui ait l’air d’avoir été fait dans le passé. L’ironie des peintres d’aujourd’hui qui essaient de parler au présent en rappelant des thèmes et des techniques du passé est certainement très intéressante.
Vénus a, bien sûr, été représentée par des peintres de nombreuses disciplines et de différents niveaux de grandeur. En choisissant de peindre Vénus, je choisis d’ajouter ma vision au dialogue profondément ancré dans le passé: une Vénus pour le XXIe siècle. L’idée de “Vénus” est intemporelle et donc aussi appropriée aujourd’hui qu’elle l’était pour Bouguereau, Botticelli ou Praxitèle.
Voici l’homme" est très important pour moi car il repose sur une philosophie profondément enracinée. Je rejette totalement la vision chrétienne dans sa condamnation de l’homme: l’homme naît dans le péché et est obligé de bien se comporter (il naît dans le péché et doit trouver le salut ou périr dans les souffrances éternelles). Je trouve que c’est une vision du monde triste et totalement immorale. Traditionnellement, l’Ecce Homo - le moment où le Christ est présenté à la foule par Ponce Pilate - est représenté comme une image sombre et inquiétante. Il s’agit certainement de l’image appropriée selon la vision chrétienne.
Comme je ne suis pas du tout d’accord avec l’idée que l’homme naît dans le péché, un thème aussi important que l’Ecce Homo a besoin d’une autre représentation, qui n’adhère pas à la doctrine chrétienne. Imaginez: L’HOMME EST ICI. Quelle puissance ! Quelle noblesse ! Quelle magnificence ! Mon “Voici l’homme” est ma réponse humaniste au thème traditionnel. Comme pour Vénus, mon but est de créer des images qui parlent de notre temps, qui touchent la corde sensible de mes semblables. Et parfois, les grands thèmes du passé nous permettent de le faire.

Shane Wolf, Daydream II (huile sur toile, 100 x 50 cm) © Shane Wolf

Dans ses peintures, le grand protagoniste est le corps humain. Dans le magazine français Dessine et Peinture, en 2014, elle disait qu’à son avis le corps exprime toutes les qualités: la magnificence, la force, l’élégance, la sensibilité. Des corps souvent beaux, forts, athlétiques, des nus masculins puissants et des nus féminins raffinés caractérisent votre art. Quel est votre rapport au corps et à la beauté? Comme dans l’art de la Renaissance italienne, vos corps sont censés être porteurs d’un idéal, incarner certaines valeurs...??

Absolument. La forme humaine est le summum de la beauté, de la grâce, de l’élégance, de la finesse, de la force et de la vulnérabilité. Le corps humain, qu’il soit masculin ou féminin, m’a toujours fasciné. Je crois que lorsque nous sommes nus, nous sommes dans notre état le plus vrai et le plus pur. Comme à l’époque de la Renaissance italienne, j’ai l’intention d’utiliser le nu pour exprimer l’infinie variété des expériences et des émotions humaines.

Dans une interview accordée à une chaîne de télévision française l’année dernière, vous avez déclaré que vous ne vouliez pas peindre des œuvres qui ont déjà été peintes, mais que vous vouliez créer des œuvres adaptées à notre époque. En quoi pensez-vous donc que le figurativisme et la tradition peuvent encore trouver une place dans l’art contemporain qui rejette souvent l’académisme (même s’il ne manque pas d’artistes qui, comme vous, s’inspirent encore des grands maîtres et réinterprètent l’art du passé d’une manière très originale et moderne)?

C’est une question très large. Il est certainement vrai que la grande majorité du marché de l’art contemporain est remplie d’œuvres qui n’ont aucune technique et aucune base académique. Cependant - et heureusement - le marché de l’art est si vaste que les collectionneurs sont également divers. Je pense qu’il y aura toujours un marché - même s’il est plus petit que le marché “contemporain” - pour les artistes qui utilisent des techniques académiques pour créer des œuvres d’art qui établissent réellement un dialogue intelligent avec le passé.
La réalisation d’œuvres figuratives peut prendre de nombreuses semaines, mois, voire années, ce qui signifie qu’une œuvre d’un artiste donné peut être relativement rare. Cela explique en partie la nature erratique du marché de l’art contemporain. D’après mon expérience, les galeries et les collectionneurs qui évaluent une peinture figurative sont pleinement conscients du temps nécessaire à cette forme d’art. Ils sont prêts à attendre. Et ils sont prêts à payer pour cela. J’espère que quiconque peut aspirer à devenir un artiste figuratif n’est pas découragé par la nature disproportionnée du marché de l’art. Il y a beaucoup, beaucoup de collectionneurs qui recherchent ce type d’art et qui nous permettent ainsi de poursuivre notre recherche artistique. C’est un monde merveilleux !

Terminons là où nous avons commencé, avec votre lien avec Florence. De nombreux critiques et historiens de l’art en Italie affirment que, malgré l’immensité du patrimoine historico-artistique italien, les Italiens ne sont pas suffisamment préparés pour le connaître en profondeur et surtout pour le défendre: les cas de dégradation et de négligence de l’art de notre passé sont à l’ordre du jour. En tant qu’artiste étranger amoureux de notre Renaissance et ayant vécu en Italie, comment voyez-vous la relation entre les Italiens et l’art?

Je me sens plus à l’aise pour parler des "Florentins" que de l’ensemble des Italiens, car j’ai vécu quatre ans à Florence (et j’ai pu me rendre compte à quel point les Italiens sont différents !) Florence est peut-être une exception, mais j’ai trouvé exceptionnels les gardiens, les conservateurs, les restaurateurs, etc. dans le circuit des arts et des musées à Florence. Les citoyens sont également très consciencieux et respectueux de leur richesse historique. Je ne suis pas assez expert pour discuter de la manière dont ces institutions et ces ressources sont financées, ou s’il y a ou non un manque de subventions, mais j’ai clairement vu que l’Italie se soucie de Florence.
Encore une chose, si vous le permettez: j’espère que les Florentins d’aujourd’hui trouveront l’inspiration dans leur passé extraordinairement riche, afin d’élargir encore leurs horizons, en embrassant la largeur et la diversité ! Lorsque Florence a commencé à construire son imposante cathédrale dans la seconde moitié du 13e siècle, personne ne savait comment le dôme serait construit ; mais ils savaient qu’ils auraient dû le savoir. Quel courage ! Je demande à Florence et aux Florentins d’adopter aujourd’hui ce même optimisme audacieux et de forger une nouvelle ère extraordinaire !

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