La beauté est émotion et perturbation". Conversation avec le sculpteur Andrea Marini

Andrea Marini est né le 19 avril 1948 à Florence, où il a obtenu son diplôme d’études secondaires artistiques, puis son diplôme d’architecture. Il vit toujours à Florence et exerce son activité créatrice dans un espace de type industriel à Calenzano (Florence). Son intérêt pour l’activité artistique s’est manifesté dès l’adolescence, en se consacrant principalement au dessin et à la peinture. Ce n’est qu’à la fin des années 1980 qu’il s’engage dans la continuité, en orientant ses recherches principalement dans le domaine de la sculpture et de l’installation. Entre la fin des années 80 et le début des années 90, il est également membre de plusieurs associations culturelles, stimulé par la confrontation des différentes recherches artistiques qui s’y développent. Sa première exposition remonte à 1989, après quoi il a participé à de nombreuses autres expositions individuelles et collectives, tant en Italie qu’à l’étranger. Dans cette conversation, Andrea Marini nous parle de son art.

GL. L’enfance joue souvent un rôle important dans la définition de l’imagination de ceux qui décident plus tard de s’engager sur la voie de l’art.

AM. L’expérience de mon enfance a certainement été fondamentale pour moi ; j’ai eu la chance de pouvoir utiliser un grand espace à côté du jardin de ma maison où se trouvait un chantier abandonné depuis longtemps. Dans cet espace, il y avait de tout : des tuiles, des briques, des tuiles, du sable, des morceaux de bois et une zone avec une quantité non négligeable d’argile. Dans cet espace, pendant les vacances d’été, je me réunissais avec un groupe d’amis pour jouer. C’était pour moi un véritable gymnase pour la créativité. On y modelait tout, c’était une compétition pour savoir qui produirait les objets les plus surprenants et les plus originaux, on construisait même de véritables villages sur les tas de sable avec les nombreux matériaux disponibles. Après quelques années, le chantier a été réactivé, mais nous étions tous plus âgés et le “gymnase créatif” avait déjà rempli sa fonction. Un autre aspect de mon enfance et de mon adolescence, plus sombre et apparemment moins positif, a eu un impact important sur ma vie d’adulte : ma tendance, à certains moments, à me refermer sur moi-même et à m’isoler dans des moments de dépression. Je crois que la recherche d’une compensation et d’une sublimation de l’état de souffrance que je vivais à l’époque a pu être une forte motivation pour la créativité.

Quel a été votre premier amour artistique ?

Pendant mes études d’art, j’ai eu l’occasion non seulement d’étudier, mais aussi de voir les œuvres de Michel-Ange en direct au musée de l’Accademia. Naturellement, j’ai été fasciné par ses Prigioni, des œuvres vraiment remarquables, en particulier pour ce que l’on appelle l’“inachevé”, qui vous permet, en les regardant, de compléter l’image avec votre propre imagination. Mais l’œuvre que je peux considérer comme mon premier amour est la Pietà Rondanini, également de Michel-Ange, que j’ai d’abord vue en photo et seulement plus tard en personne à Milan. Je ne veux pas faire ici de commentaires critiques sur une œuvre aussi célèbre, importante et surtout moderne, mais je veux souligner qu’à travers cette œuvre s’est déclenché en moi un mécanisme différent qui m’a permis d’établir, avec les œuvres d’art qui m’impliquaient le plus, un rapport d’empathie qui m’a permis de dépasser une approche purement scolaire pour atteindre, au contraire, une compréhension plus intense et plus complète, plus proche de l’émotionnel que du cognitif. C’est avec cette prédisposition que j’aborde encore aujourd’hui les œuvres d’art pour en saisir la véritable essence.

Quelles études avez-vous faites ?

J’ai fréquenté l’école des beaux-arts et la faculté d’architecture. Malgré mon diplôme d’architecte, j’ai préféré suivre la voie de l’enseignement, ce qui m’a permis de faire un travail qui m’intéressait tout en ayant du temps libre à consacrer à mon activité artistique.

Y a-t-il eu des rencontres importantes au cours de vos années de formation ?

Pendant ma formation, je n’ai pas eu la chance de rencontrer des personnes importantes dans le domaine artistique, mais il y a eu des personnes qui ont eu une grande influence en stimulant en moi le potentiel nécessaire pour entreprendre et développer une activité artistique. La première personne remonte à mon enfance ; en effet, lorsque j’allais jouer sur le chantier, le frère aîné d’un de mes amis qui fréquentait l’école d’art, se faufilait parfois dans notre bâtiment et nous donnait de précieuses indications et des solutions originales. Il a certainement été pour moi un modèle à suivre, peut-être mon premier vrai professeur. Une autre personne qui a joué un rôle dans mon éducation est l’assistant “figure” du Lycée. C’était une personne qui savait converser avec les élèves de manière simple et discrète, réussissant ainsi à briser le sentiment de méfiance qui existe normalement entre le professeur et l’élève. À la fin du lycée, une amitié s’était presque développée entre nous, ce qui m’a permis de mieux le connaître et, en visitant son atelier, d’approfondir ma connaissance de sa production artistique. À cette époque, il peignait des tableaux dans lesquels il insérait souvent des éléments en bois avec des effets tridimensionnels qui, je dois le dire, m’ont beaucoup influencé dans mes premières expériences. L’atmosphère positive du Lycée et, surtout, le rapport d’amitié sincère et fructueux avec mes camarades de classe m’ont aidé à diluer mon caractère fortement introverti et à donner lieu à des moments extrêmement stimulants de collaboration et de confrontation créative pendant et après l’école.

Comment votre travail a-t-il évolué au fil du temps ?

De 1987 à 1992 environ, j’ai développé une recherche de type géométrique et je me suis consacré à la construction de structures, que j’aimais appeler “architectures sensibles” en raison de leur dialogue avec les phénomènes et les dynamiques intérieures. Pour ce type de recherche, assez rigoureuse, je réalisais presque toujours des dessins de conception très précis et détaillés qui me permettaient de calculer le bon rapport dimensionnel des formes et l’équilibre des matériaux. Plus tard, lorsque j’ai commencé un type de recherche plus organique, j’ai abandonné une approche trop analytique, je ne fais plus que des croquis rapides qui servent à arrêter l’idée de ce que je veux réaliser et en même temps à en vérifier la validité. Je laisse le matériau et la construction elle-même, dans sa réalisation, résoudre l’œuvre et lui insuffler de la vitalité.

Quelles sont les différences substantielles que vous identifiez entre ce que vous faites aujourd’hui et ce que vous faisiez il y a quelques années ?

Tout d’abord, lorsque je pense à l’activité artistique en général et à ma carrière artistique en particulier, je ne peux m’empêcher de l’associer à une sorte d’arbre, dont le tronc représente le flux principal qui alimente continuellement le désir de création. Le flux représente l’ensemble des connaissances, des expériences, des stimuli et des perceptions, tant intérieures qu’extérieures : il constitue l’humus créatif de l’artiste que je suis. Les branches représentent les différents aspects de la recherche qui varient en fonction de l’intensité de la voie entreprise et du temps nécessaire pour la développer. La création est donc pour moi un organisme interactif complexe soumis à des transformations et à des changements dans un processus d’osmose continue entre les phénomènes intérieurs et les événements extérieurs. Dans cette perspective, bien qu’il me soit difficile d’identifier clairement les déviations qui se sont produites dans mon parcours artistique, je peux dire qu’un changement important dans ma recherche s’est amorcé au début des années 1990. En effet, alors que je développais une recherche de type géométrique, qui, comme je l’ai déjà dit, était en soi assez rigoureuse, je me sentais un peu enfermé, contraint. C’est pourquoi, à un certain moment, j’ai ressenti le besoin de m’attaquer à un travail plus organique qui me donnerait une plus grande liberté créative et me permettrait également d’aborder, plus directement, le thème qui me tient toujours particulièrement à cœur : créer ou plutôt recréer une sorte de naturel contre nature, symptomatique et conséquent de la relation controversée entre l’homme et la nature que nous vivons actuellement. Il est donc inévitable qu’ayant à faire face à l’élaboration d’un “nouvel univers”, qui dans ma recherche implique à la fois le monde végétal et le monde anthropomorphique et zoomorphique, j’ai ressenti, au fil du temps, le besoin d’expérimenter autant de formes et de matériaux que possible afin d’étudier et de recréer un panorama aussi fascinant et complexe d’une manière personnelle et complète.

Quelle est l’importance des matériaux que vous utilisez dans votre travail ?

Il est clair que le choix d’un matériau donné a son importance, il est normalement conséquent au type de travail que j’ai à l’esprit, j’essaie de créer une œuvre avec le matériau le plus approprié pour la construire. Le matériau me permet parfois de résoudre la construction de l’œuvre au fur et à mesure qu’elle est réalisée : c’est-à-dire que je pars d’une idée de forme qui ne se structure qu’au fur et à mesure que je la construis. Parfois, cependant, l’inverse peut aussi se produire, c’est-à-dire que c’est la découverte d’un nouveau matériau qui me suggère le travail à réaliser. Dans certains cas spécifiques, j’utilise différents types de matériaux à partir d’objets, de trouvailles abandonnées qui m’ont intrigué en leur donnant une nouvelle vie ; je ne considère pas cela comme une opération de recyclage mais comme une “revitalisation” d’objets morts.

Quelle est votre conception du temps et de l’espace ?

Peut-être est-ce dû à mon âge, mais je pense souvent au temps qui passe. Je le perçois comme quelque chose de tangible, de presque visible, peut-être un bruissement ou même un fluide qui s’écoule. Le temps est certainement quelque chose de mystérieux et au moins le nôtre, le temps physiologique, s’allonge et se raccourcit en fonction de la situation. Pendant le sommeil, le temps semble donc s’annihiler. On sait aussi, selon la théorie de la relativité, que le temps ralentit à la vitesse de la lumière ; le célèbre film La Planète des singes est emblématique à cet égard. Lorsque je fais de la sculpture, j’ai besoin de temps : d’abord le temps de réfléchir, de me concentrer sur une idée, de déterminer si je vais la réaliser, de choisir la méthode de construction la plus appropriée pour la réaliser, de trouver les bons matériaux et enfin de commencer à construire. Il y a des travaux plus rapides, d’autres plus lents, et comme je commence souvent plusieurs travaux, je ne sais jamais combien de temps il m’a fallu pour les achever. En fin de compte, ce qui m’intéresse, c’est que le résultat soit une œuvre “intemporelle”, qui puisse appartenir à la fois au passé et à un futur hypothétique. L’espace est certainement une entité extrêmement polyvalente qui peut faire l’objet de nombreuses définitions et interprétations, certainement tout ce qui peut être compris entre l’infiniment petit et l’infiniment grand. Travaillant dans le domaine de la sculpture, je suis intéressé par la considération d’un espace physiquement perceptible et commensurable. La sculpture peut enfermer l’espace, se développer dans l’espace, envahir l’espace.

Quelle est votre conception de la nature ?

Depuis un certain temps, en raison du phénomène d’anthropisation, des pressions négatives continues et multiples exercées par l’homme, la nature se trouve dans un état de stress. Je la vis comme une nature souffrante qui perd son équilibre et réagit, comme nous le voyons presque quotidiennement, de manière violente en provoquant des conséquences désastreuses pour l’homme lui-même. Dans ma réinterprétation de la nature, je propose une “naturalité non naturelle” ou une nouvelle “naturalité” qui, bien que souffrante, tente de se restructurer et de vivre dans un nouveau monde suspendu entre le réel et l’imaginaire. Je veux ainsi laisser place à l’espoir d’une “renaissance” et à la possibilité d’un nouvel équilibre.

Vous intéressez-vous à l’idée de mettre en scène vos sculptures lorsque vous les exposez ?

Je pense que toute œuvre contient en elle une “aura” qui existe indépendamment de son emplacement et, bien sûr, plus l’œuvre est “réussie”, plus cette aura sera forte. Donc, en théorie, absurdement, une œuvre “forte” n’aurait pas besoin de mise en scène. En réalité, toute œuvre, pour être valorisée, a besoin d’une mise en scène correcte, une mise en scène qui n’est pas tant un fait théâtral qu’une recherche de l’établissement des conditions qui mettent en valeur les particularités d’une œuvre et permettent au spectateur de la lire et de la percevoir dans sa véritable essence.

Quelle est votre conception de la beauté ?

Dans une œuvre d’art, le sens de la beauté naît des nombreux éléments qui composent l’œuvre elle-même et, la plupart du temps, ces éléments ne sont pas clairement identifiables et codifiables. Chacun interprète une œuvre en fonction de sa sensibilité, de sa culture et de sa disposition intérieure à recevoir un message. Personnellement, je pense que face à une œuvre d’art, l’idée de beauté peut naître simplement d’une émotion, d’un trouble subtil, d’une légère inquiétude.

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