L'usine Renaissance de Vicenza: une exposition pleine de nouveautés. Entretien avec Mattia Vinco

Du 11 décembre 2021 au 18 avril 2022, l’exposition La Fabbrica del Rinascimento. Processus créatifs, marché et production à Vicence, organisée par Guido Beltramini (directeur du Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio), Davide Gasparotto (conservateur principal des peintures au J. Paul Getty Museum de Los Angeles) et Mattia Vinco (chercheur en histoire de l’art moderne à l’université de Trente). Pour la première fois, une exposition retrace les événements de la Renaissance à Vicence avec les œuvres de tous les grands artistes qui ont travaillé dans la ville à l’époque, de Palladio à Véronèse, de Jacopo Bassano à Alessandro Vittoria. Les nouveautés sont nombreuses: plusieurs chefs-d’œuvre absents depuis des siècles sont réunis dans la ville, pour la première fois une exposition sur la Renaissance vénitienne réfléchit à l’imbrication des trois arts, et bien d’autres choses encore. Nous avons parlé de tout cela avec le conservateur Mattia Vinco dans cette interview réalisée par Ilaria Baratta.

IB. Qu’est-ce qui vous a donné l’idée de cette exposition consacrée à cinquante ans d’art à Vicence, de 1550 à 1600 ?

L’exposition est le résultat d’un projet commun de Guido Beltramini, Davide Gasparotto et Mattia Vinco, avec lequel nous avons essayé de nous concentrer sur les principaux moments de la renaissance artistique de Vicence au XVIe siècle. L’accent a été mis sur certains événements qui ont eu lieu autour de l’année 1550 et qui ont représenté un véritable tournant pour l’environnement artistique historique de Vicence. Jusqu’à présent, l’époque de Palladio avait été racontée de manière “encyclopédique”, pour ainsi dire. Avec cette recherche et l’exposition qui en découle, il a été décidé de mettre en évidence les tournants cruciaux pour la compréhension de la période en question. Cette renaissance n’est pas seulement historico-artistique, mais aussi économique et sociale. C’est pourquoi, avec l’aide de l’historien de l’économie Edoardo Demo et des autres collaborateurs du catalogue, nous avons essayé de travailler à plusieurs niveaux, en tenant compte également du contexte historique dans lequel évoluaient ces artistes, notamment le contexte spirituel et religieux, étant donné que la ville de Vicence était l’une des plus sensibles d’Italie aux exigences de la Réforme.

Quel était le contexte historique et culturel de Vicence dans ces années-là?

L’événement le plus marquant est certainement l’arrivée de l’évêque Niccolò Ridolfi en 1543. Le bénéfice lui avait été accordé en 1524, mais près de vingt ans s’étaient écoulés avant qu’il ne prenne ses fonctions. Idéalement, Niccolò est un lien avec la Rome de Léon X et de Clément VII, dans laquelle le plus important artiste de Vicence de la première moitié du XVIe siècle, l’orfèvre Valerio Belli, avait fait fortune. Ridolfi était membre de la famille Médicis du côté de sa mère et, dès 1518, il entretenait une correspondance avec le plus grand humaniste de Vicence, Giangiorgio Trissino. On peut dire que l’établissement de l’évêque Ridolfi est une bonne description d’une ville à deux vitesses au milieu du siècle. Le jeune Andrea Palladio fut chargé de diriger et de concevoir les décorations éphémères de son entrée, tandis que leur décoration fut confiée à des peintres d’une culture encore tardive du XVe siècle, à l’exception de Giovanni Battista Maganza, ami de Palladio lui-même et de l’humaniste Giangiorgio Trissino. En définitive, l’architecture s’est révélée beaucoup plus actuelle que les autres, et en particulier la peinture, précisément en raison de la présence précoce de Jacopo Sansovino à Venise et de Giulio Romano à Mantoue, qui ont constitué les points de référence essentiels pour la formation du jeune Palladio.

Elle est désignée dans le titre comme la “Fabrique de la Renaissance”. L’importance de cette ville à l’époque est attestée par la présence à Vicence de certains des plus grands artistes italiens de la Renaissance, qui ont également entretenu des relations avec d’autres réalités importantes. Quels ont été les principaux d’entre eux et quelle a été leur contribution à l’art de Vicence ?

En 1551 (ou peut-être dès 1547), Alessandro Vittoria, sculpteur du Trentin qui s’était déjà installé à Venise dans l’atelier de Jacopo Sansovino, arrive dans la ville pour décorer quelques pièces du Palazzo Thiene, un édifice conçu par Andrea Palladio. Vittoria apporte à ses stucs une sensibilité totalement nouvelle, mise à jour par les expériences de Primaticcio à Fontainebleau, et une réinterprétation du lexique de Michel-Ange dans une clé décorative. En 1552, Paolo Veronese peint des fresques, malheureusement perdues, dans un autre palais palladien, celui d’Iseppo Porto, l’époux de Livia Thiene, dont il réalise également une magnifique paire de portraits ; en outre, en 1549, l’architecte vicentin Palladio est chargé de restaurer et de relooker la Basilique Palladiana (lieu de l’exposition) et de concevoir le Palais Chiericati, qui, avec son portique soutenu par des colonnes, représente peut-être la plus grande nouveauté de son langage. Enfin, dans la province de Vicence, à Bassano, Jacopo da Ponte redécouvre l’art du Parmigianino dans ces mêmes années, en parfait parallèle avec Véronèse et Vittoria.

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Vicence

L’artiste qui a le plus transformé le visage de Vicence est Andrea Palladio, qui s’est inspiré de l’Antiquité dans son architecture. Quelle a été la contribution de Palladio à la ville de Vicence et quel rapport la ville a-t-elle entretenu avec l’Antiquité ?

Contrairement à Vérone ou à Pola, il y a très peu de vestiges antiques à Vicence, même si, au XVIe siècle, le théâtre romain de Berga était plus lisible qu’aujourd’hui. Le rapport de la ville avec l’antiquité est donc plus conceptuel que physique, à l’image de l’intérêt d’un Pétrarque ou d’un Dondi dell’Orologio pour les aspects matériels de la vie antique: ce n’est pas un hasard si des livres comme De sestertio (1520) de Leonardo Porto, première étude sur les monnaies antiques, et Promptuarium (1569) de Giulio Barbarano, ont été publiés. Cette tension pour “faire revivre” l’antiquité trouve sa première concrétisation avec la convocation de Giulio Romano par le conseil municipal et, comme nous l’avons dit, avec la mise en place des appareils éphémères pour l’entrée de Ridolfi, constitués d’arcs de triomphe, de pronaos de temples antiques, d’obélisques, de statues colossales et de peintures en clair-obscur. En fait, ce Vicenza “all’antica” éphémère préfigure l’orientation de l’activité de Palladio dans les décennies suivantes, engagé à transformer la “coutume vieillie” des bâtiments gothiques de sa ville en bâtiments publics et privés illustrant l’architecture de la Rome antique. Au cours des décennies suivantes, c’est comme si l’appareil festif de bois et de stuc s’était pétrifié, devenant permanent, ce qui explique pourquoi les bâtiments de Palladio à Vicence présentent des caractéristiques nettement figuratives, de véritables architectures parlantes avec leurs panneaux d’histoires, de stucs et de statues, sans précédent dans la Vénétie du XVIe siècle. Le théâtre olympique, dernière œuvre de Palladio laissée inachevée en raison de sa mort en août 1580, apparaît comme une destination incontournable. La structure de la scène est triomphale, parlante, dominée par les bas-reliefs des histoires d’Hercule et par les statues des Académiciens, vêtus à l’ancienne pour se représenter comme des Romains.

Comment l’exposition est-elle structurée et quels sont les aspects que vous souhaitez mettre le plus en valeur ?

L’exposition est structurée en trois sections: la première, déjà mentionnée, est consacrée à la renaissance artistique de la ville vers 1550. Le visiteur fait immédiatement connaissance avec les personnalités (mécènes et artistes) qui l’accompagneront dans ce voyage. Parmi les mécènes, nous avons choisi ceux qui nous ont semblé les plus significatifs: en premier lieu le couple Porto, réuni pour la première fois à Vicence avec le prêt de la toile avec Iseppo Porto des Galeries des Offices et Livia Thiene du Walters Art Museum de Baltimore. À leurs côtés, un autre couple d’illustres Vicenciens, les Gualdo di Giovanni Antonio Fasolo de la Pinacoteca Civica di Palazzo Chiericati, tenteront de valoriser ainsi le patrimoine local, trop souvent oublié. Les quatre artistes symbolisant la renaissance de la ville sont présentés immédiatement après avec des œuvres de très grande qualité: le prêt exceptionnel de l’Onction de David du Kunsthistorisches Museum de Vienne par Paolo Veronese, qui présente en arrière-plan un bâtiment évoquant la basilique palladienne ; le premier buste antique d’Alessandro Vittoria représentant le juriste vicentin Giovanni Battista Ferretti, une commande confiée par Daniele Barbaro, qui, peu après, confia à Palladio et Veronese la réalisation de leur chef-d’œuvre, la villa de Maser ; l’Adoration des bergers de Jacopo Bassano, qui nous permet de connaître son assimilation de la manière parmesane dans ces années cruciales ; une maquette du palais Chiericati, œuvre révolutionnaire d’Andrea Palladio, commandée en 1550. Nous passons ensuite à la deuxième section, où sont étudiés certains thèmes cruciaux du processus créatif de ces quatre grands artistes qui ont changé le visage de la ville et de la région de Vicence: Nous verrons comment Palladio a étudié l’antiquité dans ses projets ; comment Bassano a utilisé une gravure d’Agostino Veneziano du “Spasimo di Sicilia” pour son Christ portant la croix du Fitzwilliam Museum de Cambridge ; comment Véronèse, à partir d’un dessin de Parmigianino, a donné vie à l’un de ses chefs-d’œuvre, la Vierge à l’enfant avec les saints de la Pinacothèque du Palais Chiericati. Une fois de plus, il s’agit d’une œuvre emblématique du patrimoine de la ville, qui apparaîtra sans doute sous un jour nouveau grâce au prêt par le Teylers Museum de Haarlem du dessin du grand artiste émilien. Mais le thème du processus créatif est également abordé sous l’angle du passage du projet à l’œuvre achevée. C’est pourquoi il sera intéressant d’examiner de plus près les dessins de Véronèse et de Palladio, conçus comme un système de variantes continues, et celui de Jacopo Bassano, qui se concentre sur une seule figure, utilisée dans la " Pastorale“ (”Le cheval blanc") du Musée des beaux-arts de Budapest. En outre, l’exposition met l’accent sur les esquisses et les modèles, un nouvel outil utilisé par les artistes du XVIe siècle pour des raisons de conception à la fois intrinsèques et extrinsèques, liées à la présentation aux clients. Enfin, le processus créatif a également été étudié sur le front opposé, pour ainsi dire, celui de la reproduction. À la Renaissance, et dans les époques préromantiques en général, on n’attachait pas une grande importance au concept d’originalité. Le cas est illustré par la paire d’Adorations des Mages du Barber Institute of Fine Arts de Birmingham et du Kunsthistorisches Museum de Vienne: deux chefs-d’œuvre au plus haut degré de paternité de Jacopo Bassano et, en même temps, des répliques de la même idée. Un examen plus approfondi est ensuite consacré à l’importance du dessin d’après sculpture, outil indispensable pour apprendre à représenter un objet en trois dimensions: dans un cadre très théâtral et évocateur, le Portrait d’un artiste de Palma il Giovane du musée de Birmingham, dont le fond est caractérisé par des sculptures anciennes très célèbres à l’époque et utilisées comme modèles par les artistes vénitiens, sera entouré des mêmes marbres, plâtres et dessins représentés dans le tableau. La troisième section est plutôt une vaste réflexion sur le marché de l’art et surtout sur les coûts de l’art à la Renaissance: aujourd’hui, nous avons tendance à sous-estimer l’importance de la matière première dans l’évaluation d’une œuvre d’art, qui est absolument plus grande que dans l’art contemporain. Il suffit de penser aux œuvres numériques, qui battent tous les records lors des dernières ventes aux enchères ! Ce n’était pas le cas à la Renaissance. En prenant comme terme de comparaison quelques œuvres bien documentées du livre de comptes de l’atelier de Bassano, nous avons essayé de les comparer avec d’autres qui attirent aujourd’hui moins l’attention du public, comme la croix en cristal de roche de Valerio Belli des musées du Vatican, la tapisserie d’Andrea Schiavone d’après un projet pour la basilique Marciana, etc. mais aussi avec les marbres romains antiques de la collection Bevilacqua de Vérone, à l’époque probablement la plus importante de la Vénétie continentale. Le résultat est surprenant. Pour ne citer qu’un exemple, l’un des tableaux vénitiens les plus fascinants du Louvre, le Portrait de deux chiens attachés à un tronc de Jacopo Bassano, a coûté une somme dérisoire, simplement parce qu’il s’agissait d’un petit tableau avec peu de personnages.

Jacopo Bassano, Adoration des

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Quelles sont les nouveautés de l’exposition? Un aspect peu considéré que cette exposition entend présenter a précisément trait au marché de l’art. Pouvez-vous expliquer cet aspect plus en détail ?

La troisième section représente une nouveauté car l’importance des œuvres d’art sera complétée par la “visualisation” de leur valeur sociale et économique. Cette étude, qui a été rendue de manière graphique, divertissante et attrayante, est en fait le résultat d’une étude économique historique sur la société de l’époque, réalisée par Edoardo Demo avec l’aide de Giulio Ongaro. Afin de donner un résumé extrême de la valeur des œuvres d’art dans la société préindustrielle, c’est-à-dire dans une société difficilement comparable à la nôtre, un terme de comparaison a été identifié dans une marchandise très répandue comme le cochon “mezanotto”, c’est-à-dire un cochon d’une valeur intermédiaire d’environ 3 ducats. Ainsi, il sera possible de comparer rapidement différents types d’objets, un livre, une chemise, etc. avec des œuvres d’art et de comprendre immédiatement leur valeur à l’époque.

Quelles sont les œuvres les plus significatives exposées?

Les prêts sont nombreux et importants, et il serait malvenu pour une institution de n’en citer que quelques-uns. Il suffit de dire que les musées qui ont accordé leur confiance à notre projet sont les plus importants au monde. L’exposition représentera certainement une occasion unique, comme nous l’avons dit, de voir les portraits de M. et Mme Porto provenant des galeries des Offices et de la Walter Art Gallery de Baltimore, transportés à Vicence pour la première fois ; de voir côte à côte les deux Adorations des Mages de Bassano provenant de Birmingham et de Vienne, des chefs-d’œuvre “identiques”. Parmi ces œuvres, il convient toutefois de mentionner l’esquisse de Judith avec la tête d’Holopherne du musée Soumaya de Mexico, qui nous a été généreusement signalée par Xavier Salomon, directeur adjoint de la Frick Collection de New York. Il s’agit d’une œuvre connue depuis longtemps, mais qui, en raison de son emplacement, a été largement oubliée par les spécialistes. Le fait de pouvoir l’examiner en comparaison avec la toile monumentale du Palazzo Rosso de Gênes nous permettra certainement de faire un pas en avant dans notre connaissance de Paolo Veronese, l’un des plus grands artistes de la Vénétie du XVIe siècle, qui a laissé une empreinte durable sur l’art de Vicence avec ses deux portraits.

Pour conclure, trois raisons pour lesquelles le public devrait voir l’exposition.

Une première raison, qui peut paraître anodine, est le fait que pour la première fois dans une exposition sur la Renaissance vénitienne, on peut assister au dialogue étroit entre les trois arts: architecture, peinture et sculpture. Une expérience similaire n’avait été tentée qu’avec l’exposition Le génie de Venise 1500-1600 en 1983-1984, sans que des dessins d’architecture ne soient présentés dans les salles de la Royal Academy of Arts de Londres. Ensuite, il sera possible de pénétrer au cœur du processus créatif de ces grands artistes vénitiens, en admirant les points de contact et les différences dans leur manière d’inventer. Enfin, et c’est peut-être le plus important, vous aurez une conscience plus aiguë que celle que nous avons aujourd’hui du coût et de la valeur de l’art dans la société de l’époque. Mais il ne s’agit pas seulement d’une simple analyse économique, mais aussi d’une réflexion sur les œuvres d’art en tant que témoignages précieux de l’évolution du goût au cours des siècles.

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