"L'œuvre ne doit pas occuper l'espace, elle doit le reformuler". Entretien avec Federico Fusj

Federico Fusj (Sienne, 1967) est un artiste contemporain éclectique, un expérimentateur constamment à la recherche de nouvelles possibilités et de nouveaux langages pour fusionner des expériences artistiques apparemment éloignées. C’est le cas, par exemple, de l’idée de l’“art radiophonique”, qu’il considère comme une discipline similaire à la peinture ou à la sculpture. Formé à l’Institut d’art de Sienne et à l’Académie des beaux-arts de Brera, Fusj a étudié avec Alik Cavaliere, Andrea Cascella et Luciano Fabro, et a exposé dans des contextes nationaux et internationaux (par exemple au Troubleyn Laboratorium de Jan Fabre à Anvers, au musée SMAK de Gand, au 9e Sonsbeek d’Arnhem, à la 7e Biennale de La Havane). Il est également le fondateur de la station de radio Radioarte et du label de production artistique Inner Room. Nous l’avons rencontré pour qu’il nous parle de sa recherche très particulière. Entretien réalisé par Ilaria Baratta.

Federico Fusj, Ambiente@Troubleyn.be (2016 ; pigments sur papier, son, laiton ; Anvers, Troubleyn Museum)

IB. En 2016, il a organisé une randonnée culturelle pour placer la sculpture en onyx blanc Fonte Y sur l’ermitage de Sant’Onofrio, accompagnée d’une Peshitta, une version syriaque du Nouveau Testament. L’initiative était liée au monachisme chrétien: qu’est-ce que cette initiative signifiait pour vous? Comment en avez-vous eu l’idée? Dans quelle mesure vos œuvres sont-elles liées au sacré?
FF. L’événement a été organisé par l’Académie des beaux-arts de L’Aquila, conçu par son directeur, le professeur Marco Brandizzi, et mon espace a été dirigé par le professeur Enzo de Leonibus. Il s’agissait d’identifier les voies de l’art et de la spiritualité dans les ermitages des Abruzzes, en mettant en lumière cette grande tradition antérieure à Célestin V. Dans ce cas précis, j’ai organisé cette randonnée culturelle parce que je voulais partir de la réalité du territoire, c’est-à-dire de l’ermitage de Sant’Onofrio all’Orfento, qui est l’un des ermitages les plus isolés, et qui plus est à moitié détruit: le sens n’était pas tant d’exposer une œuvre en un seul lieu, mais de créer une sorte d’itinéraire. Ce qui m’intéresse, c’est de créer une dynamique autour des œuvres, pas de me mettre en première position, ni de traiter un aspect isolé: aller dans ce lieu, c’était impliquer toute une série d’énergies et créer une série de synergies. Quant au discours sur le sacré, mon postulat n’est pas tant d’aller dans un lieu sacré que d’essayer de réfléchir à ce qui peut être sacré aujourd’hui. Je voudrais introduire un terme, ha-makom, “le lieu” [en hébreu, ndlr]. Pour moi, le sacré n’est pas un lieu extérieur. Le sacré est le lieu de l’expérience révélatrice, de la conscience et de la mémoire de l’expérience elle-même. Il est évident que le terme “sacré” signifie “mis à part”, pour une occasion ou un événement particulier, ou même pour un lieu d’habitation particulier, comme dans le cas des ermitages. C’est avec ces intentions que j’ai abordé l’exposition et que j’ai pensé apporter une source à partir de laquelle de nouvelles expériences pourraient naître pour tous ceux qui entreraient en contact avec l’œuvre elle-même. Le moment où nous sommes arrivés a été extraordinaire: soudain, des gens sont apparus, à travers les buissons, les broussailles. Nous pensions que nous ne trouverions personne, car c’est un endroit très inaccessible. Nous nous sommes donc documentés, et nous avons été agréablement contredits par ces présences qui apparaissaient soudainement.

C’est dans l’espace Inner Room, temporairement installé à Florence en 2013, que s’est tenue sa rétrospective solo Altolocato. Une exposition qui soulignait l’importance que vous accordez à la réflexion personnelle et métaphysique dans un espace, présenté par vous comme un “inner city”, comme un lieu où chaque membre de l’habitation développe ses talents et non comme un simple lieu de la vie quotidienne. Quelle est l’importance de la recherche méditative dans l’art pour vous? Est-il crucial pour vous d’exposer vos œuvres dans un espace qui est lié d’une certaine manière à la signification de vos œuvres?
Inner Room est un label de production artistique, fondé avec Romeo Giuli à Sienne en 2010, avec un programme cyclique dans ses propres locaux et ailleurs. Il a fonctionné à Florence à l’invitation d’amis qui possédaient un appartement dans la tradition architecturale florentine d’après la Seconde Guerre mondiale, qui prend en compte l’espace et la lumière, avec une sorte de proscenium en toile de fond. Elle reprend un langage architectural florentin qui remonte à la Renaissance. La réflexion sur l’espace, et sur les œuvres dans l’espace, peut certainement être liée à ce que nous avons dit il y a un instant. J’aime dialoguer avec l’espace, j’aime m’approprier l’espace, j’aime m’approprier les accidentalités du corps de l’œuvre. Et j’aime ne pas être isolée et ne pas chercher l’isolement: je crois que nous sommes tous un, et que nous bougeons tous ensemble. Il en va de même pour les œuvres, qui sont appelées à se déplacer et à habiter un espace. L’œuvre d’art n’a donc pas vocation à occuper un espace, mais elle a un rôle de dialogue et de reformulation continue de l’espace. C’est peut-être là que se trouve le mot “méditation”. Dans ma culture, le mot “méditation” a le sens de “mise en pratique”: celui qui entend le mot et le met en pratique se traduit autrement par “celui qui entend le mot et le médite”. Le sens de la méditation renvoie alors à la poesis, c’est-à-dire au faire, où ce “faire” consiste à reconstituer sans cesse, par l’œuvre, l’espace qui nous entoure: la vie.

Federico Fusj, Aleph (2017 ; marbre sculpté). Ph. Crédit Bruchi

Federico Fusj, Portrait moral de HaMashiah VIII (2017 ; marbre sculpté). Ph. Crédit Bruchi

Vous avez introduit l’instrument de la radio dans l’activité artistique, en créant le “Radioart”: une nouveauté pour l’art contemporain. Il s’agit d’un mélange d’art et de son. Comment vous est venue cette idée?
Cette idée est née de l’éloignement, si l’on peut dire, dans lequel je me trouvais, par choix et par nécessité, des centres de ma formation artistique, comme Milan, et des centres de mon travail ultérieur, principalement Rome et d’autres villes européennes. J’ai perçu comme une limitation de la forme visuelle ainsi que l’urgence de combiner une de mes passions, la radio, un instrument avec lequel j’ai été formé, que j’ai aimé et que j’aime encore et dont je me sens toujours proche, avec l’art. Ce faisant, presque les yeux fermés, j’ai ressenti le désir de créer le concept “radioart”, dédié au monde de l’art et à tous ceux qui le vivent. En 2001, lors de l’exposition Sonsbeek 9 à Arnhem, en Hollande, grâce à la sensibilité de Jan Hoet et de son équipe de conservateurs qui ont fait leur cette idée, j’ai eu l’occasion de la mettre en œuvre pour la première fois avec une émission-interaction sur une station de radio FM locale. L’expérience s’est ensuite développée périodiquement: par l’intermédiaire de Mario et Dora Pieroni de l’association Zerynthia, lorsque nous avons conçu RadioArteMobile en 2002. Puis avec la Fondation européenne de la culture pour RadioarteJump en 2004 et avec l’expérimentale RadioCantonuovo à Sienne en 2008. Récemment, avec l’Accademia Musicale Chigiana, dirigée par Nicola Sani, nous avons entamé une collaboration pour laquelle Radioarte produit également CHIGIANAradioarte depuis 2016, la section artistique sonore-radio et la radio officielle du Festival international de Chigiana. Aujourd’hui, Radioarte est une sorte de galerie, de musée, d’espace ouvert, dans une web-radio participative. Je suis donc passé du statut de simple expérimentateur de la radio dans l’art contemporain à celui d’éditeur d’un langage artistique, l’art radiophonique, qui a évolué entre-temps, mettant en pratique ces expériences pionnières avec la radio et le son qui ont commencé organiquement à la fin des années 1940. Je suis donc parti sans savoir ce qui m’attendait et, entre-temps, nous avons tous assisté à la croissance et au développement de ce qui est, à mon avis, une véritable discipline. C’est pourquoi Radioarte promeut aujourd’hui cette discipline artistique, au même titre que la sculpture, la peinture ou d’autres expériences de l’art contemporain et classique.

À l’occasion de votre exposition “Roeh”, vous avez eu l’honneur d’exposer une série de marbres à la Pinacoteca Nazionale de Sienne en 2012. L’une de ces œuvres a été intégrée à la collection permanente de la Pinacothèque. En tant qu’artiste siennois, qu’avez-vous ressenti en voyant vos créations dans le musée le plus important de votre ville natale?
Honnêtement... incrédulité: c’est le premier mot, la première réaction. Tout a commencé lors de la commande du monument pour le 150e anniversaire de l’unification de l’Italie. Leprocessus prévoyait un avis critique de la Surintendance (l’organe qui préside également la Pinacothèque) sur mon travail. Lorsque le surintendant Mario Scalini a pris connaissance de l’œuvre de Roeh, il a proposé de l’intégrer à la collection de la Pinacothèque. C’est ainsi qu’est née l’idée de l’exposition sous la direction d’Annamaria Guiducci et le commissariat de Maria Mangiavacchi. La Pinacothèque nationale de Sienne, il va sans dire, n’est pas seulement l’un des musées les plus importants de Sienne, mais l’un des plus importants au monde, car elle abrite des œuvres qui ont marqué l’histoire de l’art. En ce qui me concerne, le fait de me trouver dans cette salle est une reconnaissance de cette recherche que je fais et de l’intimité que j’ai avec les œuvres que je réalise. La présence de Roeh m’incite à réfléchir à ce que je fais en relation avec un parcours historique très spécifique et, en tant qu’artiste, j’en suis honorée. Je le vis comme une reconnaissance de l’intimité que j’ai avec ce que je fais. En d’autres termes, je ne me sens ni plus ni moins qu’un accompagnateur des œuvres. En les interprétant, je les accompagne là où elles sont désirées et aimées, là où elles sont chéries.

Federico Fusj, Roeh (2010 ; marbre sculpté ; Sienne, Pinacoteca Nazionale). Ph. Crédit Bruchi

Comme nous venons de le mentionner, parmi ses œuvres sculpturales, il a eu l’occasion en 2011 de réaliser un haut-relief pour le 150e anniversaire de l’unification de l’Italie. Votre art entretient-il une relation avec l’histoire? Pensez-vous que la tradition historique peut coexister avec l’expérimentation?
Oui, je pense que la tradition historique peut coexister avec l’expérimentation. Je pense que la position historique que nous vivons est claire. Le fait qu’une œuvre comme la mienne ait été voulue pour représenter un monument aussi important que celui-ci dans la tradition siennoise (nous sommes en contact avec la cathédrale de Sienne: le champ de vision est celui-là) crée une continuité. Il est intéressant de noter que cette continuité a été déterminée par les institutions: opérer et donner la possibilité de créer dans cette zone était en fait un choix institutionnel. Cela me semble être un fait pertinent, car la Préfecture et la Province ont appelé l’artiste à rendre un service, un service (si je puis dire) de grande valeur et pour lequel je suis reconnaissant. En effet, c’est du service que naissent les opportunités, et non des opportunités que naît le service. Il s’agit d’une dimension politique, comprise précisément comme concernant le citoyen, et c’est un geste qui, je l’ai vu, a été très profond chez ceux qui l’ont expérimenté dans leurs positions respectives. L’Italie souffre malheureusement de ce que son histoire a en quelque sorte transcrit, de sorte que tout ce qui est culturellement attribuable à l’Italie a en quelque sorte perdu de son sens et de sa valeur. La défaite, la capitulation, est quelque chose qui jette une ombre sur des générations. Cela crée un préjugé, un préjugé formel qui se reflète ensuite dans ce que les générations vivent. La tâche de l’art et de l’artiste, je crois, est aussi de s’interroger sur la continuité, inévitable, d’une nation comme l’Italie dans une culture comme celle de l’Italie. Je réfléchis également dans ce sens. Le monument parle en fait de l’Italie qui peut être. C’est une porte. Il évoque la bénédiction sur ce pays.

Federico Fusj, Italia150, Monumento per il 150° dell’Unità d’Italia (2010 ; marbre sculpté ; Sienne, Palazzo del Governo)

Vos sculptures, pour la plupart en marbre, semblent malléables: le matériau dont elles sont faites semble malléable si l’on s’attarde sur les creux, les sections géométriques régulières auxquelles vous donnez forme dans le marbre. De quoi s’inspirent vos créations?
Elles sont inspirées par l’unité avec le sentiment primaire intérieur, par l’inséparabilité, par la cohérence. En un mot, le gouvernement de nous-mêmes. Récemment, j’ai travaillé sur les Portraits moraux du roi soumis, un attribut de caractère que tout être humain possède. Inspiré donc par ce qui est profond et non visible et que je laisse se retrouver sur la surface du marbre comme une marque vivante, ennoblie par le coup de fer. Là encore, pour chacune de ces pièces, nous pouvons parler de ha-makom: de lieu. D’une expérience particulière qui devient un lieu d’accueil potentiel pour ceux qui s’en approchent. L’accueil et l’être accueilli qui est l’expérience de l’accueil de soi. Une expérience que l’homme est cependant libre de rejeter. Quelqu’un a dit qu’il s’agissait avant tout d’œuvres de représentation abstraite, et par abstraite, j’entends personnellement la conscience la plus élevée: la paix.

Outre les sculptures, il a également créé des œuvres sur papier. Vous considérez-vous plutôt comme un sculpteur ou comme un artiste qui crée des sculptures et des peintures? Quelles sont les sources d’inspiration de vos peintures?
Mes peintures sont inspirées par l’écriture, l’espace, les mots. Et elles le font en personnifiant la couleur dans la vie matérielle. Je m’intéresse à un résultat matériel qui émerge de l’œuvre: en bref, j’écarte ces œuvres lorsque je vois qu’elles ont atteint quelque chose que l’on ne peut pas dépasser. Comment me définis-je? Je me définis comme quelqu’un qui a un besoin, et en ce sens la sculpture est mon premier amour, parce que c’est à travers cette pratique que j’ai découvert le langage de l’art, à l’âge de onze ans, donc pour moi elle est continue, elle fait partie de mon histoire, de l’histoire de ma personne. Il en va de même pour la peinture, que j’ai rencontrée comme moyen d’expression, dans la souffrance, encore plus tôt. Alors que puis-je être, un sculpteur qui peint ou un peintre qui sculpte? J’ai envie de me qualifier de “radio-opérateur visuel”.

Sur quel projet travaillez-vous et quels sont vos projets pour l’avenir?
Tout d’abord, garder l’art libre du fonctionnalisme meurtrier qui gazéifie l’époque actuelle. Je commence à achever la série de sculptures basée sur Roeh. Il y aura trente-trois panneaux qui constitueront une œuvre unique, un raisonnement autour de ce que je définis comme la colonne vertébrale de la nouvelle sculpture italienne. En outre, il y a d’autres projets qui émergent et dont il est trop tôt pour parler. Cependant, j’ai à l’esprit le projet de laisser ce monde vide, c’est-à-dire d’arriver à la fin de ce temps et d’avoir sorti tout ce que j’ai à l’intérieur. C’est mon projet pour l’avenir.

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