L'IA dans l'art ? La facilité d'utilisation risque d'entraîner la prolifération de contenus mal conçus. Lucio Arese s'exprime

Professionnel du design, de la musique, des arts visuels et du cinéma, Lucius Arese (Milan, 1964) travaille dans l’industrie des arts visuels et du cinéma depuis 2008. Tout au long de sa carrière, il a collaboré avec des artistes, des labels et des marques de renom. et son travail a été exposé dans des lieux internationaux tels que onedotzero Adventures in Motion, Ars Electronica, Cyclope, ArtFutura, SIGGRAPH, Interfilm Berlin, SICAF, FICUVAQ, The Lovie Awards, MTV, Bayerischer Rundfunk, IAMAG, Fubiz, Vimeo Staff Picks, IdN Magazine, Stash, The Webby Awards et la 23e édition du Saatchi New Directors Showcase. En 2021, son court métrage expérimental Les Dieux Changeants a été largement reconnu dans le circuit des festivals de cinéma, avec plus de 100 sélections et 40 prix, dont deux Lovie Awards et une nomination aux Webby Awards 2022. Arese a également donné des ateliers et des conférences dans des lieux prestigieux tels que le Chiyoda Arts Center 3331 à Tokyo, le Liceo Artistico à Cuneo et l’Accademia di Belle Arti à Bologne. Dans cet entretien, il nous parle de son art et nous donne un aperçu d’un sujet d’actualité : la relation entre l’art et l’intelligence artificielle.

NC. Comment vos origines d’architecte, de musicien et de compositeur ont-elles influencé votre approche de l’art visuel ? Comment avez-vous abordé cette technique artistique ?

LA. C’est une bonne question. Tout a commencé pendant mes études d’architecture, où j’ai commencé à utiliser la 3D comme outil de conception architecturale. Nous parlons du début des années 2000, une époque où cette technologie était encore en cours de développement. Déjà à l’époque, j’entrevoyais de nombreuses possibilités et j’étais fasciné. J’ai été particulièrement frappé par le graphisme tridimensionnel, la conception d’espaces virtuels et l’utilisation du numérique. À partir de là, ma curiosité a grandi et s’est transformée en une passion que j’ai cultivée en tant qu’artiste autodidacte. Après les cours, je passais des heures à chercher du matériel sur l’internet et à apprendre par moi-même, en analysant toutes les ressources possibles. Une fois mes études d’architecture terminées, j’ai choisi de ne pas poursuivre une carrière d’architecte. J’ai préféré me consacrer à la création de vidéos et de graphiques en 3D et j’ai transformé ma passion en un véritable emploi en l’espace de quelques années. Sur mon chemin, j’ai étudié à la fois la musique et l’architecture, des disciplines qui ne se traduisent pas directement par une carrière professionnelle traditionnelle. Néanmoins, j’ai trouvé une sorte de terrain d’entente, en combinant les aspects créatifs des deux disciplines en un seul langage visuel et sonore. Mon travail a toujours été basé sur la combinaison d’images et de musique, une union qui est la colonne vertébrale de tout ce que j’ai fait au cours des 15 dernières années. Depuis 2008, je poursuis cette voie professionnellement et je peux dire aujourd’hui que j’ai une quinzaine d’années d’expérience dans ce domaine.

Parlons des Dieux Changeants, un projet de 2021 qui a reçu une reconnaissance internationale. Qu’est-ce qui a influencé la réalisation de ce court métrage ?

Le court-métrage est, à ce jour, mon œuvre la plus connue. Il est né pendant les blocages liés à la pandémie de Covid, au second semestre 2020, et je me souviens bien de cette période hivernale : un moment lourd pour tout le monde, caractérisé par l’angoisse et l’isolement. Contraint de rester cloîtré pendant des mois, j’ai décidé de me concentrer sur le projet, qui n’était au départ qu’une expérience technique liée à la destruction d’objets en 3D. J’étais fasciné par la meilleure façon de représenter l’éclatement et la déconstruction dans des environnements tridimensionnels. Un jour, alors que je cherchais de l’inspiration en ligne, je suis tombé sur les modèles tridimensionnels du Statens Museum for Kunst de Copenhague et du Musée national du Danemark. Tous deux avaient numérisé leurs collections de moulages de statues anciennes et les mettaient gratuitement à disposition, et l’idée d’utiliser ces œuvres m’a immédiatement frappé. “Je me suis dit : ”Pourquoi ne pas détruire une statue ? J’ai donc commencé à travailler sur le projet. J’ai choisi cinq modèles de statues gréco-romaines, chefs-d’œuvre de la sculpture antique, et j’ai commencé à les modifier. J’ai accordé une grande attention aux textures, en utilisant des logiciels tels que Substance 3D Painter pour obtenir un résultat visuellement intéressant. Le travail s’est avéré difficile et a duré cinq mois. Avant de publier le court-métrage, je l’ai envoyé au musée de Copenhague qui, à ma grande surprise, a été impressionné. J’ai donc eu l’occasion de rencontrer Merete Sanderhoff, l’une des conservatrices, qui a depuis présenté le projet lors de nombreuses conférences et réunions internationales et que nous avons rencontrée en personne cette année lorsqu’elle est venue à Cesano Maderno pour un événement. Le court métrage a été très apprécié, tant par le public que par les festivals de cinéma. Il a remporté de nombreux prix et sélections et est devenu l’un des courts métrages italiens les plus primés de 2021. Ce qui m’a le plus ému, c’est de voir à quel point mon travail a touché profondément tant de personnes. Chacun y a trouvé une signification personnelle : certains ont revisité des moments difficiles de leur vie, d’autres ont réfléchi à la fragilité de notre patrimoine culturel ou à l’importance de la beauté. Savoir que j’ai suscité ces émotions a été, pour moi, la plus grande satisfaction.

Les Dieux Changeants ont commencé comme un test technique de fragmentation et de destruction d’objets en 3D. Qu’est-ce qui vous a poussé à donner vie et à mettre en mouvement la statique et la beauté des statues classiques ?

Je pense que j’ai été poussé, au moins en partie, par un malaise intérieur. J’ai probablement ressenti le besoin, même inconscient, de briser une situation personnelle qui m’empêchait d’avancer. Cet état d’esprit s’est reflété dans le projet, symboliquement représenté par l’acte de destruction et de rupture. Cependant, l’œuvre ne s’arrête pas à ce geste. Dès le départ, j’ai voulu qu’elle soit ouverte aux interprétations philosophiques, laissant place à la vision personnelle de l’observateur. Après tout, l’acte destructeur peut aussi être un acte créatif. Pour souligner cette idée, j’ai inclus une citation de Nietzsche, tirée de Ainsi parlait Zarathoustra, à la fin du court métrage. Curieusement, je ne l’ai découverte qu’après avoir terminé le travail, mais elle s’est avérée parfaite pour le message que je voulais transmettre. La citation nous exhorte à avoir le courage de détruire ce qui semble intouchable pour s’ouvrir à de nouvelles possibilités, prendre de nouveaux chemins et suivre de nouvelles voies. Cette ouverture d’interprétation a permis à chacun de trouver un sens personnel au court métrage. Beaucoup ont vu dans le geste destructeur une métaphore du changement ou de la renaissance, tandis que d’autres se sont concentrés sur la fragilité de l’héritage artistique ou sur des réflexions philosophiques. Il est intéressant de noter que les réactions ont été extrêmement variées : je n’ai pas fourni... appelons cela un “mode d’emploi” ou des lignes directrices pour l’interprétation de l’œuvre, précisément parce que je voulais qu’il s’agisse d’une expérience libre et subjective. Évidemment, tout le monde n’a pas apprécié l’œuvre. Certains l’ont critiqué sévèrement. Certains sont même allés jusqu’à me comparer aux Talibans pour avoir détruit, même virtuellement, des œuvres d’art classique. Il faut préciser que je n’ai endommagé aucune œuvre réelle : il s’agit de modèles numériques mis à disposition précisément pour être utilisés de manière créative. Cependant, je comprends que le geste puisse être provocateur et que tout le monde ne soit pas prêt à l’accepter. Cela dit, la plupart des réactions ont été extrêmement positives. De nombreux spectateurs ont eu un impact émotionnel et psychologique profond, trouvant dans l’œuvre une réflexion personnelle ou une signification universelle. La critique, bien que présente, est minoritaire et je l’accueille avec plaisir. Pour moi, la valeur d’une œuvre réside aussi dans sa capacité à générer des débats et à susciter des émotions, pour le meilleur et pour le pire.

Parlons des éléments 3D du projet. Les Dieux Changeants présente des versions virtuelles de cinq sculptures classiques, dont le Laocoon et l’Apollon du Belvédère. Les scans 3D, réalisés par le Statens Museum for Kunst (SMK) et disponibles sur MyMiniFactory, proviennent de la collection royale de moulages du musée et ont été créés grâce au projet volontaire Scan The World. L’œuvre fait partie de l’initiative SMK Open, qui vise à numériser l’ensemble de la collection du musée afin de la rendre accessible au public et d’encourager la création de nouvelles œuvres d’art. Comment le projet reflète-t-il l’importance du partage et du remaniement du patrimoine culturel numérique pour la création de nouvelles formes d’art ?

Je trouve qu’il s’agit d’un programme extraordinaire de la part du musée, notamment parce qu’il bouleverse le rôle traditionnel du public et le fait passer d’un simple utilisateur passif à une partie active du processus artistique. Normalement, le visiteur d’un musée se contente d’observer les œuvres exposées, de faire une analyse personnelle de ce qu’il voit, mais ne s’implique pas directement. Le projet Statens Museum for Kunst, en revanche, offre la possibilité unique d’accéder librement à la collection et de l’utiliser comme point de départ pour créer de nouvelles œuvres d’art. Une telle initiative est profondément civilisée ; elle stimule la création d’une culture contemporaine tout en mettant en valeur notre patrimoine artistique. Dans mon cas, travailler sur ces statues m’a poussé à les réinterpréter, à étudier leur histoire et à découvrir des détails et des significations que j’avais ignorés auparavant. Tout cela montre qu’un projet de ce type n’est pas un puissant outil de sensibilisation et de connaissance. Il a le mérite d’engager le public dans un dialogue actif avec le patrimoine artistique européen, tout en favorisant la redécouverte et la réinterprétation de nos racines culturelles. C’est une approche qui encourage la réflexion, l’expression personnelle et crée un pont entre le public et les opérateurs des musées. Je connais d’autres projets réalisés sur ces statues et je les considère tout aussi importants. J’espère que toutes ces initiatives iront de l’avant et que beaucoup d’autres seront créées, pas nécessairement similaires à mon travail, mais qui encourageront la rencontre entre le public, les musées et la création d’un nouvel art et d’une nouvelle culture.

Comment votre pratique artistique a-t-elle évolué par rapport à vos œuvres précédentes (elles aussi plus axées sur l’union de la musique et de la vidéo) ?

Oui, vous avez raison : il y a incontestablement un chemin de transformation qui s’est développé au fil du temps, sur plusieurs fronts. Par exemple, le court métrage Les Dieux Changeants a marqué un tournant important dans ma production artistique. Dans le passé, mes œuvres étaient résolument plus abstraites et abordées avec une approche peut-être plus rationnelle, presque technique, dans laquelle je cherchais de multiples façons d’imbriquer la musique et les images sans nécessairement viser un sens concret. Avec le temps, cependant, je me suis rendu compte que j’avais une certaine aptitude à canaliser des significations qui laissent place à différentes interprétations, créant ainsi des œuvres ouvertes à de multiples lectures. Cela a été particulièrement évident dans mes courts métrages ainsi que dans les images liées à des projets tels que Images From The Subconscious, sur lequel je travaille depuis plus d’un an. Les œuvres qui découlent de ces idées semblent inciter le public à y projeter quelque chose de personnel. C’est un processus que je trouve intéressant et qui reflète la nature même de l’art... interpréter signifie inévitablement mettre un peu de soi dans ce que l’on observe. Après plusieurs années d’expérimentation, j’ai réalisé à quel point mon travail s’est orienté vers la création d’œuvres aux significations multiples et profondes. Je travaille actuellement sur de nouveaux projets, dont un autre court métrage que je prévois d’achever au milieu de l’année prochaine. Il s’agira également d’une œuvre conçue pour être interprétée de différentes manières, avec une composante philosophique importante. Ces dernières années, j’ai également repris activement la musique. La musique a toujours été une partie fondamentale de ma vie : en plus de mes études d’architecture, j’ai reçu une formation musicale approfondie et je me suis toujours considéré, avant tout, comme un musicien. J’ai longtemps travaillé dans la musique, mais principalement sur des compositions d’autres personnes. Aujourd’hui, cependant, je suis revenu à la création de ma propre musique, une voie qui me passionne et que j’ai l’intention d’intégrer de plus en plus dans mon travail. L’objectif est de pouvoir combiner toutes mes passions - images, design spatial, musique - de manière harmonieuse. À ce jour, j’essaie de trouver des solutions qui rendent cet ensemble organique et cohérent. Je crois que le processus consistant à combiner ce que l’on aime et ce qui nous passionne est l’une des expériences les plus gratifiantes qui soient, car elle nous permet de rester curieux, motivés et ouverts à de nouvelles découvertes.

Votre dernier projet, qui est devenu un volume, Images From The Subconscious, traite du potentiel de l’intelligence artificielle dans la génération d’images artistiques. En quoi consiste ce projet ?

Le projet consiste en une série d’images développées au cours des derniers mois, un travail en cours. D’une part, il utilise de nouveaux outils incroyablement puissants qui permettent de traduire des idées en images de manière immédiate et simple, en surmontant les difficultés techniques du passé. D’autre part, la particularité de ces outils apparaît, notamment ceux basés sur l’intelligence artificielle, qui ouvrent de nombreuses possibilités mais soulèvent aussi des questions. Leur utilisation suscite des débats, notamment en ce qui concerne le risque qu’ils remplacent à l’avenir le travail humain. Personnellement, je conçois la relation entre l’homme et la machine comme une intégration plutôt qu’un remplacement et je crois que notre présent s’oriente déjà vers des solutions de plus en plus hybrides. Travailler avec des réseaux neuronaux est une expérience unique : on a l’impression de naviguer dans un océan de concepts visuels préemballés. Toutes les images imaginables peuvent être réalisées, ce qui change notre façon d’aborder la création artistique. Cependant, ces outils ne sont pas vraiment intelligents. Ils s’appuient sur l’ apprentissage automatique, une technologie qui leur permet de reconnaître et de reproduire des modèles à partir d’énormes quantités de données. Dans le cas des générateurs d’images, il s’agit d’immenses collections de matériel visuel retravaillé pour produire de nouvelles solutions. Si les résultats semblent être le fruit d’un raisonnement, il s’agit en réalité de processus automatisés, affinés par la quantité et la qualité de l’information. Ce type d’approche a également eu un impact sur mon processus créatif, en m’apprenant à ne pas trop m’attacher émotionnellement à une idée initiale. En travaillant avec ces outils, on découvre que chaque variation peut ouvrir de nouvelles possibilités et peut parfois conduire à des résultats inattendus, plus efficaces que l’idée originale. L’expérience de ce type d’outils m’a appris que tout est perfectible. Par le passé, par exemple, j’avais tendance à m’attacher à mes intuitions, même si elles ne fonctionnaient pas comme je l’imaginais. Aujourd’hui, en expérimentant les variations infinies que peuvent générer les machines, j’ai appris à lâcher prise et à chercher des solutions plus simples ou plus adaptées, même si elles ne correspondent pas à mon idée de départ. Tout cela m’a amené à réfléchir sur la flexibilité nécessaire au processus créatif et sur l’importance d’explorer des possibilités que j’aurais autrement ignorées.

Qu’est-ce qui vous a incité à entreprendre ce projet et comment pensez-vous que l’intelligence artificielle (IA) peut enrichir le processus créatif des artistes ?

Je ne sais pas comment cela évoluera. Je pense que beaucoup de choses dépendent de la sensibilité personnelle et de la manière dont chaque personne choisit d’utiliser ces outils. Pour l’instant, d’après ce que je vois en observant le paysage autour de moi, l’intelligence artificielle, qu’il s’agisse de générateurs d’images ou de générateurs de vidéos, semble faciliter la création d’œuvres de mauvaise qualité plutôt que de bonnes œuvres. La plupart des œuvres que je vois réalisées avec ces outils ne me convainquent pas : elles manquent de profondeur. Bien sûr, il y a des exceptions, mais elles sont peu nombreuses et proviennent souvent d’artistes qui ont une vision claire et qui utilisent l’IA comme un outil pour la réaliser sans se laisser emporter par la technologie elle-même. Au contraire, beaucoup semblent suivre passivement ce que les machines proposent, avec des résultats peu appréciables. Je ne peux pas dire avec certitude comment la relation entre la créativité et l’intelligence artificielle évoluera à l’avenir. Il est clair que ces outils vont continuer à se perfectionner étant donné l’énorme capital économique qui y a été investi, et leur diffusion ne se limite pas à la sphère artistique. Ils sont utilisés dans des domaines tels que la médecine ou l’économie, où ils améliorent la productivité et ouvrent de nouvelles possibilités. Dans le domaine de l’art, cependant, je crains que l’augmentation de la quantité d’œuvres produites ne coïncide pas nécessairement avec une augmentation de la qualité. Le risque est que la facilité d’utilisation conduise à une prolifération de contenus mal sélectionnés. Le vrai problème ne réside peut-être pas dans la crainte que les machines remplacent les artistes, mais plutôt dans la possibilité qu’elles soient utilisées pour créer des œuvres sans valeur.

Selon vous, peut-on donc dire qu’il s’agit d’un outil de co-création entre l’artiste et la machine ?

Absolument.

Explorez-vous de nouvelles directions en matière d’art visuel ? Pouvez-vous nous donner quelques indications sur vos prochains projets ?

Je suis actuellement dans une phase d’exploration et d’apprentissage. J’expérimente beaucoup avec les technologies interactives en temps réel, comme vous pouvez également le voir dans le contenu que je partage sur Instagram. L’un des domaines sur lesquels je me concentre est TouchDesigner. J’en connais l’existence depuis des années, mais ce n’est que récemment que j’ai commencé à travailler sérieusement avec, en m’immergeant dans son potentiel. C’est une plateforme qui offre des possibilités créatives infinies et je découvre des outils étonnants, tels que des modules basés sur l’apprentissage automatique qui facilitent grandement le suivi des mouvements. Aujourd’hui, avec une simple webcam, il est possible d’obtenir des résultats comparables à ceux qui nécessitaient autrefois des technologies comme la caméra Kinect, mais sans avoir besoin d’un équipement complexe. Cela me permet de développer des expériences interactives qui répondent aux mouvements du corps et ouvrent la voie à de nouvelles formes d’expression. Je réfléchis déjà à la manière d’intégrer ces technologies dans de futurs projets, tels que des installations interactives. Parallèlement, j’ai commencé à travailler avec la guitare MIDI, un autre domaine que je trouve extrêmement stimulant. Mon idée est de créer un concert-performance où la musique générée par la guitare est synchronisée avec des visuels en temps réel, toujours développés à l’aide de TouchDesigner. Le projet, qui combine l’audio et le visuel de manière dynamique, évolue dans une direction que je veux absolument explorer, car il a le potentiel de se transformer en un spectacle innovant à présenter au public.

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