Interview de Giulio Candussio : "La mosaïque est un creuset où la matière, la lumière, la couleur et l'espace se rencontrent".

Né à Paularo, dans la province d’Udine, en 1945, Giulio Candussio est internationalement reconnu pour sa maîtrise de l’art de la mosaïque. Il a commencé sa formation à la prestigieuse Scuola Mosaicisti del Friuli à Spilimbergo, un institut qui encourage l’étude et l’expérimentation de la mosaïque depuis 1922. Après avoir terminé ses études, Candussio y est retourné en 1994 en tant qu’enseignant et, depuis 2004, a assumé le rôle de directeur artistique, contribuant de manière significative au renouvellement et à la recherche dans le domaine de la mosaïque contemporaine. La carrière de Candussio se caractérise par une expérimentation constante des matériaux et des techniques, qui l’a amené à explorer le potentiel expressif de la mosaïque en relation avec l’architecture, les espaces urbains et les nouvelles technologies. Pionnier dans l’application de l’infographie à la mosaïque, il a su fusionner tradition et innovation, en élargissant l’équation pixel-tesselle et en donnant à ses œuvres une sonorité chromatique unique. Dans cet entretien, Vera Belikova se penche sur le parcours artistique de Giulio Candussio, explorant ses sources d’inspiration, les techniques innovantes qu’il a développées et sa vision de l’évolution de la mosaïque dans l’art contemporain.

VB. Pourquoi avez-vous choisi la mosaïque comme moyen d’expression et comme profession ?

GC. Quand j’étais très jeune, j’habitais près d’Aquilée et je visitais souvent son site archéologique. Les grandes surfaces de mosaïque m’avaient tellement enthousiasmé et attiré que j’ai exprimé à ma mère mon désir de devenir mosaïste. Une forte conviction avait mûri en moi que la mosaïque me correspondait et que la pratique de cet art me permettrait non seulement de gagner ma vie, mais aussi de grandir en tant qu’artiste et en tant qu’homme. Je crois que j’ai été précoce dans ces années-là en reconnaissant la qualité artistique des mosaïques que j’admirais et ce que serait ma voie. J’avais senti que ces mosaïques contenaient une leçon importante pour moi, une leçon qui marquerait mon long parcours d’artiste en me montrant la voie de la mosaïque. En effet, une mosaïque ne se voit pas avec l’œil, mais s’apprend avec toutes les forces de l’esprit, en accord avec cette forme particulière que l’on appelle “l’intuition lyrique” ou “l’image esthétique” : j’ai compris que la mosaïque ne devait exister que pour elle-même. Mon histoire professionnelle témoigne de la recherche obstinée et presque maniaque que j’ai menée pendant de nombreuses années, et de mon insatisfaction continuelle et féconde (on m’a d’ailleurs dit que c’était un trait typique des personnalités authentiques : l’agitation de vouloir toucher l’extrême de ses possibilités). La mosaïque était très importante pour moi, elle constituait la plus haute aspiration et en même temps le plus grand effort pour tenter d’atteindre les objectifs que je m’étais fixés dans ma jeunesse : contribuer de façon tangible à améliorer l’image de la mosaïque, sa qualité technique et esthétique. Je crois que pour faire de la mosaïque, il faut trois choses : la main, l’œil, le cœur, et je pense que c’est une observation très juste : deux choses ne suffisent pas.

Pourquoi votre conception de la mosaïque diffère-t-elle de celle des mosaïstes “ traditionnels ” ? Que signifie “ penser en mosaïque ” et quelles sont les règles du langage mosaïque ?

Beaucoup pensent (souvent à juste titre) que la mosaïque n’est rien d’autre qu’un art appliqué subordonné à la peinture. Ce jugement restrictif exclut la mosaïque des véritables expressions artistiques, la reléguant de fait à un rôle secondaire. Or, la qualité de la mosaïque dépend du travail des mosaïstes “traditionnels”, qui s’attachent avant tout à reproduire, ou pire, à copier le plus fidèlement possible les modèles picturaux et les cartons de mosaïque. Des “traditions” conditionnées par des coutumes imposées par les règles du marché, dans un contexte social où la mosaïque a une valeur économique importante. Le choc avec différentes lignes de pensée, entre différentes méthodes expressives, devient inévitable, surtout si elles proviennent de contextes culturels en dehors des limites de la “traditionalité” et en dehors des frontières européennes. La mosaïque, au-delà des multiples lectures possibles, au-delà de son histoire passionnante, est une forme d’expression artistique extrêmement concrète, avec ses propres règles internes, ses propres statuts linguistiques (souvent oubliés) ; il ne s’agit pas d’une banale tentative de traduction d’un dessin de mosaïque ou d’un modèle pictural : c’est au contraire le résultat d’une rencontre où le projet initial est annulé et où le style de l’artiste se fond dans le langage des tesselles pour concevoir un nouveau discours. La mosaïque est en définitive le résultat d’une rencontre, d’une soudure totale entre l’architecte, l’artiste (l’auteur du projet de mosaïque) et le mosaïste. L’architecte, dans son projet, a déjà prévu l’utilisation de la mosaïque, connaissant ses limites et son potentiel, et a choisi l’endroit où la placer, en tenant compte des effets de la lumière filtrant à travers les tesselles. L’auteur du projet “peint” nous montre dans la bande dessinée comment il a conçu la fonction de la mosaïque, en précisant sa syntaxe, ses règles de composition, institutionnelles et techniques. Le mosaïste connaît le pouvoir du signe et sait que le contour est un élément très important pour définir les champs de couleurs, délimiter les frontières que les tesselles occuperont avec la force de la lumière et de la couleur. La connaissance du mosaïste de la construction de la couleur, qui part de la “théorie de la couleur” originale exprimée dans les mosaïques grecques, romaines et byzantines, est fondamentale. Cet héritage linguistique préparera le geste de la pensée du mosaïste qui recréera, sans trahir le projet initial, quelque chose de vraiment propre, de sa personnalité : on pourrait dire de son âme.

Comment expliquer l’attraction qu’exercent les mosaïques sur les gens ? Peut-on reconnaître les vraies valeurs de la mosaïque sans une préparation adéquate ? Pourquoi tant d’amateurs de mosaïque s’essaient-ils aujourd’hui à créer les formules décoratives les plus disparates et les plus improbables qui soient ?

La mosaïque est un creuset où la matière, la lumière, la couleur et l’espace se rencontrent dans un équilibre subtil. Avec les tesselles, on parvient à construire un système et une relation entre l’un et le tout, où l’unité unique contribue à former l’ensemble. La mosaïque éveille le désir, dans l’objet et de l’objet : ce désir est celui de la couleur, de la lumière, de la musique des rythmes et des scansions, de la tactilité raffinée dans laquelle, au moment de la réalisation, la main de l’artisan est totalement présente. La mosaïque joue donc un rôle fondamental dans le processus de transformation de l’objet fonctionnel conçu avec un caractère de conception et de réalisation industrielle, en lui restituant une émotion corporelle, une splendeur décorative, une intensité perceptive, qui l’éloigne de la fonctionnalité simple et banale, en le ramenant à l’éclat et à la splendeur de sa dimension mythique. Cela répond également à l’objectif de revaloriser les techniques artistiques et artisanales en tant qu’expression du Genius Loci, c’est-à-dire de l’histoire, de la mémoire, de l’imagination et de la culture matérielle de la région. La mosaïque dans sa forme d’expression la plus authentique est, sur le plan esthétique, un résultat sec et fort, précisément en raison de son essentialité formelle et chromatique. Elle nous fascine par la magie de la lumière qui fait vibrer la surface de la mosaïque et par le mouvement sinueux des tesselles qui se déplacent selon des schémas réguliers ou irréguliers, dans des tours et des détours, dans des allumages soudains qui produisent une surface magique d’ombre et de lumière rendue vibratile par le flux de lumière qui se reflète d’une tesselle à l’autre. Dans la mosaïque, les couleurs deviennent plus vives, les accents plus éclatants, les contours plus fragmentés et en même temps plus solides. La lumière est le sujet de la mosaïque et, de manière analogique et symbolique, elle produit l’ascèse et la dimension du sacré. Les moments tourbillonnants et rythmiques de la matière sont enfermés dans le paradigme d’une représentation en mosaïque et, par conséquent, plus qu’exemplaires, ils sont éternels. La mosaïque a ses propres règles compositionnelles, institutionnelles et techniques qui devraient constituer une richesse irremplaçable de connaissances au profit de tous ceux qui souhaitent approcher le monde de la mosaïque. La connaissance est un outil indispensable qui nous aide à comprendre et à juger les choses pour ce qu’elles sont. J’ai eu la chance de connaître, dès mon enfance, cette valeur que j’appelle l’esthétique, c’est-à-dire la capacité de reconnaître l’art avec les yeux. Je pense que la société ou les masses ne peuvent apprécier l’art que si elles ont atteint un certain niveau d’éducation. Cette idée renforce ma conviction que l’art ne peut pas être reçu automatiquement, mais que pour le comprendre, il faut s’y confronter longuement ou l’étudier. Je suis convaincu que l’esthétique est une aspiration humaine et que ce terme doit revenir pour enrichir nos expériences de vie et de culture. L’homme contemporain a besoin de redécouvrir la vie perceptive et fantastique, il est de plus en plus aliéné par une civilisation technologique effrénée, artificielle et polluée, et il s’engage dans l’amélioration de nos espaces de vie en créant des œuvres d’“art public”. Leur but premier est d’embellir les espaces les plus prestigieux de nos villes et, en même temps, de démontrer la clairvoyance des administrateurs et des politiciens. Mais l’œuvre d’art devant laquelle nous nous trouvons nous désoriente parfois : nous la regardons avec des yeux attentifs, sans préjugés, et nous nous rendons compte qu’il n’y a pas d’empathie, pas de communication entre l’œuvre d’art et ceux qui la regardent. La vulgarité se répand victorieusement sans que rien ni personne ne tente de l’arrêter. Plus personne ne prend de risque, plus personne ne se positionne clairement, plus personne n’a le courage de dire la vérité de peur de perdre. L’artiste, le critique, le galeriste sont devenus moins exigeants dans la comparaison de leur travail et de celui des autres, attirés par la hâte d’émerger et de gagner de l’argent, mais le fait est que l’artiste est entouré d’un système artistique malade, dans un environnement arbitraire et tyrannique, et s’il essaie de faire entendre sa voix et son rôle, il ne se révolte pas toujours contre la tentative d’être transformé en un maillon de la machine complexe qui fait bouger le monde. On sait malheureusement à quel point le mot culture et le mot art sont utilisés et galvaudés aujourd’hui. Mais les temps sont ce qu’ils sont. J’essaie de résumer cela par une phrase (qui n’est malheureusement pas de moi) : “Quand le soleil de la culture est bas, les nains ont l’air de géants”.

En 2013, il a rédigé et publié le manifeste “ESSERE MOSAICO”, signé par d’éminents architectes, designers et artistes de diverses disciplines. Comment ce document a-t-il vu le jour, quel impact a-t-il eu sur le monde de la mosaïque ? Quels sont les points saillants de ce document et pourquoi avez-vous ressenti le besoin de les proposer sous cette forme ?

“TO BE MOSAIC” était à l’époque, et est toujours, un manifeste volontairement provocateur : à l’origine du manifeste se trouve une réflexion sur l’état actuel de l’ensemble du compartomusivo international et sur les malentendus encore vivaces sur la nature du langage mosaïque, qui ont de sérieuses répercussions en termes de marché : la mosaïque est considérée comme un produit trop cher par rapport à sa valeur esthétique ; par conséquent, la profession de mosaïste s’est de plus en plus dévalorisée et jouit aujourd’hui, y compris sur le plan économique, d’une très faible considération. Il est donc nécessaire de clarifier ce qu’est la mosaïque, en quoi elle diffère de la peinture et de la sculpture. Il faut comprendre ses limites et connaître son potentiel expressif, il faut savoir “penser” en mosaïque, c’est-à-dire appliquer dès la conception cette simplification formelle et chromatique qui est une caractéristique intrinsèque de cette technique. Cela signifie également penser dans une dimension architecturale et implique la réunion de l’architecte, de l’artiste et du mosaïste. Ce n’est qu’en travaillant ensemble qu’ils pourront comprendre à la fois le potentiel et les limites du langage mosaïque. Ce n’est qu’ainsi, grâce à cet effort synergique, que la mosaïque achevée deviendra quelque chose qui restera dans le temps, qui aura la force des grandes créations et qui pourra donc aussi être redéveloppée en termes de production.

Quel rôle l’École de la Mosaïque a-t-elle joué dans votre vie ? Quel rôle cette école devrait-elle jouer par rapport aux autres écoles, aux mosaïstes et à l’ensemble de l’industrie de la mosaïque ?

J’ai été élève de la Scuola Mosaicisti del Friuli pendant quatre ans, de 1958 à 1962. Auparavant, je m’étais forgé une vision particulière de la nature de la mosaïque en fréquentant assidûment le site archéologique d’Aquilée. J’y ai découvert la mosaïque et, en même temps, j’ai appris “la grande leçon aquilienne”, véritable pilier fondateur sur lequel reposent mes convictions : la prise de conscience que la mosaïque n’est rien d’autre que le langage expressif d’un art tout à fait autonome. À cette époque de l’histoire, dans tout l’univers de la mosaïque et dans le milieu scolaire, il y avait des lignes de pensée très différentes de celle-ci : des traditions d’exploitation artisanale qui partaient de loin et suivaient la ligne de pensée de Domenico Ghirlandaio qui définissait la mosaïque comme une “peinture pour l’éternité”. Il s’agit donc d’une technique de reproduction complètement asservie à la peinture. Une mosaïque déformée, privée de sa particularité linguistique, réduite à un simple art appliqué. A l’époque où j’étais étudiant à l’Ecole de Mosaïque, le corps enseignant de l’école était essentiellement composé d’artisans/enseignants : les meilleurs, ceux qui avaient été choisis pour enseigner, avaient été formés au cours d’un long apprentissage en atelier, suivi d’une pratique du métier exercée dans les endroits les plus divers du monde. Ils étaient les dépositaires de tous les secrets du métier, secrets qu’ils avaient parfois eux-mêmes “volés avec leurs yeux” à de vieux artisans jaloux de leur savoir : des enseignants idéaux pour transmettre le savoir et le métier aux élèves d’une école professionnelle, et en même temps, donner une continuité à la “tradition” en laquelle ils croyaient. Mes convictions inchangées m’ont aidé à surmonter les courants de pensée de mes professeurs, auxquels je n’ai jamais rien reproché, sachant qu’ils m’avaient donné tout ce qu’ils pouvaient me donner. J’ai beaucoup puisé dans leur bagage technique et j’ai appris de leur comportement l’amour du travail, le dévouement et l’éthique professionnelle, ce qui n’est pas rien. En 1994, j’ai été appelé par la direction de l’Ecole Mosaïque pour apporter ma contribution à une rénovation importante de la didactique de l’école, qui n’était plus en phase avec son temps. Mon séjour a duré douze ans, j’ai été professeur et directeur artistique, et j’ai pu tenir une promesse que je m’étais faite lorsque j’étais encore un jeune étudiant : si j’en avais la possibilité, je serais pour mes élèves le professeur que je n’avais pas été. Au cours de ces douze années consacrées presque entièrement à l’école, je crois avoir donné le meilleur de moi-même. J’ai eu la gloire et l’attention en retour, mais j’ai surtout eu l’appréciation de mes élèves, ce qui a été totalement gratifiant.

Votre carrière artistique n’est pas seulement liée à la mosaïque, mais aussi à la peinture, à la sculpture, au dessin et à l’infographie : comment est-il possible de passer d’un langage expressif à un autre tout en restant reconnaissable ?

Ma formation artistique, mais pas seulement, a été proche, par sa constitution et son attrait culturel, de ce que je considérais, dès mon enfance, comme les plus grands maîtres frioulans : les frères Basaldella : Mirko, Dino, Afro et Zigaina. À un certain moment de mon existence d’artiste, j’ai changé de vie car je n’avais plus d’intérêt pour ces formes d’art qui avaient été mon point de départ. La conviction avait mûri en moi que je pouvais réellement créer des œuvres picturales et mosaïques en utilisant uniquement la couleur. L’opération mentale s’est incarnée : voici la couleur portée à un point d’incandescence qui remplace la ligne et rend le signe inutile. Derrière mon choix culturel d’utiliser la couleur comme élément fondamental de mon art, il y a les études continues que j’ai menées dans ma jeunesse, et qui se poursuivent encore aujourd’hui, sur la complexité et la psychologie liées au monde de la couleur, sur les stimuli visuels radiaux déterminés par la lumière, sur les rythmes, sur l’harmonie tonale, sur les relations que la couleur entretient avec la musique et les mathématiques. Les témoignages idéaux de ma formation ont été ceux de Balla, Kandinsky, Klee, Severini et Dorazio, qui sont plus évidents que la puissance éblouissante de leurs couleurs. D’autre part, je crois que l’histoire de l’art est un travail de réinterprétation continu et patient pour lequel l’artiste contemporain fournit à l’historien des stimuli au niveau créatif, tout comme je crois que le tableau naît sur la toile. Je pourrais même dire que l’art naît de l’art, que l’art est jeu, artifice, et que c’est précisément l’élément artificiel qui renforce l’intelligence perceptive de l’œil. En peignant, en dessinant ou en réalisant des mosaïques, j’ai toujours essayé de comparer la relation entre des expériences multiples et des thèmes avancés qui touchent aux différents codes linguistiques de la lumière et de la couleur. J’ai essayé de construire des valeurs linguistiques et esthétiques dans la tradition européenne de l’abstractionnisme, et c’est précisément dans l’expérimentation continue du rapport entre la couleur et la surface que j’ai entrevu la possibilité de faire dialoguer les couleurs entre elles, dans la conscience que chaque rapport chromatique suit les règles d’un empirisme créatif momentané et non reproductible. Sans suivre les modes, j’essaie depuis plusieurs années de poursuivre une conception de l’art comme discipline de la forme, comme analyse poétique des structures linguistiques de la perception, basée sur les relations réciproques de la couleur, de la lumière, de l’espace et du mouvement. Mes peintures, mosaïques, dessins, sculptures et infographies veulent donner “figure” à la lumière, et sont comparables à des sources d’énergie qui émettent des “radiations”, porteuses d’un message vital et optimiste.

Parmi vos nombreuses créations figure la collection Liberty conçue en 2007 pour Trend Group S.p.A. de Vicence : quels sont les objectifs que vous vous êtes fixés dès le départ en concevant ce concept de revêtement décoratif modulaire dans un contexte de production industrielle ? La création d’une œuvre d’art est-elle différente de la création d’un produit industriel haut de gamme, et en quoi diffère-t-elle ? Comment définissez-vous votre expérience de travail avec Bisazza ?

Liberty est une collection conçue pour offrir un produit dans lequel le sens de la liberté est le protagoniste absolu et la profondeur du matériau “verre coloré” devient l’élément décoratif le plus attrayant. Les tons de couleur des différents formats sont modulés de différentes manières pour obtenir un motif qui célèbre le mouvement artistique du même nom avec modernité. Les tesselles de verre transparent, taillées à la main, prennent vie grâce aux reflets décisifs ou nuancés qui se mêlent pour créer une danse de couleurs capable d’embellir n’importe quel environnement. Les interprétations originales des matériaux, les combinaisons inhabituelles de tailles et de couleurs témoignent de mon esprit créatif qui se veut précurseur de nouvelles tendances. Passé et futur, tradition et technologie se confondent et s’enrichissent, scellant l’esprit d’innovation au service de la décoration contemporaine. Dans le laboratoire des idées, une forte synergie s’est créée pour que le dialogue entre le designer et le créateur de matériaux soit un work inprogress continu et prolifique visant à offrir toujours de nouvelles opportunités stylistiques et donc des matériaux et des finitions de grande valeur. Mon entrée dans le “monde” Bisazza a eu lieu en 1976 et a été pour moi un moment décisif. Bisazza, avec qui j’ai collaboré pendant longtemps, m’a offert la possibilité d’une croissance professionnelle rapide, grâce aux rencontres avec des artistes, des architectes et des designers de niveau international. Les Bisazza (je veux dire les fondateurs de l’entreprise) se sont comportés envers moi comme des mécènes : dans leur entreprise, j’ai pu développer mes idées librement, sans subir de pression d’aucune sorte. J’ai participé à des travaux importants comme les décorations des métros de Londres, Tokyo et Naples, ou les travaux de grande envergure réalisés à l’aéroport de Lagos au Nigeria, ainsi qu’aux décorations en mosaïque des grands navires de Costa Crociere, où j’ai pu apporter ma contribution professionnelle à des artistes comme Emilio Tadini, Sambonet, Concetto Pozzati, Eduardo Paolozzi, Di Maria. Une expérience particulièrement significative.

On vous a qualifié de pionnier dans l’application de l’infographie et des technologies multimédias à la mosaïque. Pensez-vous que ce que certains appellent “l’art informatisé” peut être considéré comme tel ?

À partir de 1994 et pendant près de trois ans, j’ai mené des recherches et des expériences sur l’infographie pour le compte de Bisazza S.p.A.. Avec le soutien d’un important studio de Vicenza, en Italie, je me suis aventuré dans des territoires totalement inconnus : systèmes complexes de prise de vue pour la télévision, photographie dans l’obscurité, colorimétrie informatisée et technologies de l’information appliquées, des moyens absolument indispensables pour maîtriser le matériel sophistiqué et coûteux que j’avais à ma disposition avec la bonne compétence. J’ai travaillé d’une manière totalement nouvelle, seul et pendant longtemps, dans une pièce de trois mètres sur quatre complètement obscure, sur un programme d’infographie appliqué à la mosaïque. L’entreprise souhaitait vivement disposer d’un programme spécifique capable de résoudre les problèmes liés aux décorations en mosaïque à grande échelle : l’exécution de mosaïques à grande échelle nécessite l’emploi de travailleurs spécialisés, de longs délais d’exécution, et l’utilisation de matériaux coûteux exige la capacité de surmonter les difficultés logistiques liées à la préparation, à l’expérience et aux compétences d’exécution de chaque mosaïste : Il faudra les convaincre, sans humilier leur orgueil et leur esprit individualiste, de transformer leurs convictions en une vision commune, garantissant un résultat final satisfaisant pour tous. L’infographie, fondée sur l’équation “pixel = carreau”, s’est soudée à la recherche “pionnière” que j’avais pratiquée avec passion dans la période plus mûre de mon existence professionnelle. Des expériences singulières, enrichissantes et impensables à l’époque, sans compter que j’avais pu utiliser les systèmes d’exploitation et les équipements les plus modernes. Le programme était enfin une réalité et, pour la première fois, il pouvait être soumis à un test important sur le terrain. Certaines des interventions les plus significatives de ma carrière de mosaïste et de designer ont une relation étroite avec l’architecture et les espaces extérieurs, qui sont ceux qui répondent le mieux à la vocation environnementale de la mosaïque. "Habiller l’extérieur d’un bâtiment, c’est entrer en relation avec l’espace ouvert. Voici le banc d’essai le plus difficile pour moi à ce moment précis : le revêtement de l’usine Spilimberg de Bisazza, une surface décorative extérieure de quatre cents mètres carrés inspirée de l’œuvre Ginn Rull (1988) de Piero Dorazio. Elle sera placée sur les plans décalés de la structure architecturale, sur plus de cent mètres de développement horizontal. Le projet de mosaïque est scanné, agrandi et développé pour être ensuite réalisé à l’aide de tesselles fabriquées industriellement qui seront ensuite positionnées orthogonalement et assemblées sur 40 000 modules codés. Les exécutants matériels de la mosaïque ne sont plus des mosaïstes traditionnels, mais des opérateurs attentifs et sensibles choisis parmi le personnel de l’entreprise. Tout ce qui avait été espéré et envisagé comme un objectif à atteindre a été réalisé : premièrement, une phase préparatoire planifiée et rationalisée. Deuxièmement, une forte réduction des délais, qui pèsent parfois trop lourdement sur l’ensemble du coût final. Troisièmement : un système ciblé qui permet de doser judicieusement et au mieux tout le potentiel des matériaux industriels. Le résultat final est là : il est surtout sous les yeux de Piero Dorazio, qui évaluera “Felix” l’œuvre achevée.

Vous avez abordé le thème de la foudre et je cite Rainbow Lightning. Quel était le message que vous vouliez faire passer à travers une forme aussi singulière ? Que représente pour vous cette œuvre importante et significative sur le plan professionnel ?

Iridescent Lightning se trouve à Ground Zero, à la Path Station du World Trade Center à New York, à l’intérieur du bâtiment blanc ultramoderne conçu par Santiago Calatrava. Le soleil se divise en de nombreux points lumineux lorsqu’il ratisse les carreaux de la nouvelle mosaïque murale : “Rainbow Lightning”, écrit David W. Dunlap dans le New York Times en février 2004. Rainbow Lightning est une mosaïque tridimensionnelle de 37 mètres de long sur 4 mètres de haut. On m’a dit que plus de quatre millions de personnes passaient devant chaque jour, j’espère qu’elles l’apprécient. J’ai voulu représenter une explosion zigzagante d’énergie colorée, traversant l’espace pour unir deux peuples qui, bien qu’à des moments différents, ont vécu deux tragédies douloureuses : le tremblement de terre du Frioul le 6 mai 1976 et l’attaque des tours jumelles le 11 septembre 2001. C’est l’une des œuvres les plus stimulantes que j’ai créées à bien des égards, en raison des circonstances pour lesquelles elle a été créée, mais aussi en raison de la réflexion et de l’approche technique et formelle de la mosaïque contemporaine, en tant qu’outil didactique et expérience concrète pour les étudiants de la Scuola Mosaicisti del Friuli. Saetta Iridescente est un signe dynamique à forte valeur plastique, amplifié par l’ombre créée par l’éloignement de l’éclair du mur sur lequel il est placé. Bien qu’il ne le recouvre pas entièrement, il engage tout l’espace de la salle : il la “traverse” dans toute son extension, accompagnant les voyageurs de son mouvement ondulatoire. L’œuvre est parfaitement placée, ce qui honore ceux qui ont décidé de l’emplacement et de l’éclairage, et me remplit d’une fierté légitime.

La surface extérieure en mosaïque de la Casa Rossetti in Sacile peut-elle être considérée à juste titre comme un exemple de décoration minimaliste liée à l’architecture et aux effets de la lumière ?

Casa Rossetti in Sacile est un mur de lumière dans l’esprit zen. La surface magnétique vibre sur 34 mètres de long et 4,5 mètres de haut : une mosaïque entièrement réalisée en galets blancs selon la technique du direct sur mortier, sur un support en fibre de verre, le résultat est un préfabriqué composé d’une série de secteurs imbriqués, légers et flexibles, d’un prix raisonnable et faciles à installer. Le sujet de la mosaïque étant la lumière, tout se joue sur les effets de la lumière incidente qui caresse et souligne la surface des galets, générant des effets toujours changeants selon les différentes positions du soleil éclairant les tesselles. La vibration de la surface devient illusion et magie devant les yeux de l’observateur, lui faisant croire que la lumière provient de la matière même dont elle est issue.

Nombre de ses œuvres en mosaïque gravitent autour de la forme du cercle, par exemple Light, Movement, Colour (Lumière, mouvement, couleur), que voulait-il communiquer à travers cette forme universelle ?

Light, Movement, Colour est mon dernier projet. Il a été commandé par la direction de l’école de mosaïque du Frioul pour commémorer le 100e anniversaire de la fondation de cet institut de renommée mondiale. Le travail devait être réalisé dans les laboratoires internes de l’école, avec la participation de tous les étudiants de troisième année et de ceux du cours de spécialisation, avec le soutien des enseignants pour les compétences spécifiques. J’ai envisagé une grande structure tridimensionnelle à placer dans un point central de la grande pelouse de la cour de l’école. La structure ressemble à un grand disque à deux faces d’un diamètre de quatre mètres, positionné verticalement par rapport à la pelouse d’où il semble surgir. Sur les deux faces du disque, une “peau” vibrante et pulsante s’étend pour occuper tout l’espace de la structure. L’œuvre est en dialogue permanent avec l’espace architectural qui l’entoure, avec l’espace urbain, avec les arbres, avec le vert de la pelouse et avec le ciel, dans un contexte où l’espace de l’Art devient Art Public. Face au disque qui donne sur l’espace intérieur de la cour, la décoration nous apparaît comme un rapport entre signe/couleur et surface, et c’est précisément à travers ce rapport que j’ai entrevu la possibilité de faire dialoguer les couleurs entre elles, avec la conviction que chaque rapport chromatique suit les règles d’un moment créatif momentané et non répétable. Les signes colorés donnent forme à la lumière, ils sont comme une source d’énergie qui émet des radiations, lesquelles transmettent à leur tour un message de vitalité et d’énergie. La face avant du disque qui donne sur l’allée bordée d’arbres de la Barbacane est une réflexion que tout véritable artiste devrait faire dans les années de prise de conscience : Quand il ne peut s’empêcher de regarder autour de lui et de mettre son image en relation avec celle d’autres artistes, de sorte que l’évaluation du peu que nous avons fait devient claire et inévitable, et que nous sommes forcés d’admettre que nous aurions pu et dû faire plus, et qu’il y a encore tant à faire dans le temps qu’il nous reste. Notre conscience nous oblige à accepter notre dimension, qui est celle d’un petit carreau dans une grande mosaïque, dans laquelle nous nous sommes insérés par tendance naturelle ou par volonté, dans un espace que nous ne pourrons plus changer. Sans le savoir, nous étions ce que nous sommes aujourd’hui, partie prenante d’un répertoire linguistique et de valeurs esthétiques qui coïncident avec l’art de notre temps.

Quels sont les projets significatifs qui vous ont le plus impliqué au cours de la dernière période, tant sur le plan créatif que personnel ? Quels sont les projets sur lesquels vous travaillez actuellement ?

Après la grande exposition anthologique de Palmanova en 2024, j’ai repris mon travail d’artiste. À l’occasion de l’exposition qui se tiendra à Spilimbergo en septembre 2025, j’ai conçu des structures tridimensionnelles de taille considérable entièrement recouvertes d’une “peau de mosaïque”. Il s’agit de structures décoratives qui caractériseront par leur présence les endroits les plus appropriés pour recevoir une intervention d’art public dans les espaces urbains choisis qui existent dans la ville de la mosaïque. En ce moment, je suis en train d’écrire un livre sur les mosaïques. Being Mosaic" n’est pas un livre qui montre la beauté de la mosaïque à toutes les époques. Il possède des caractéristiques particulières et, comparé à d’autres livres, il s’agit d’une sorte de traité ou de manuel. Il commence par la construction de la pensée mosaïque, qui est fondamentale pour identifier la mosaïque en tant que langage expressif et la distinguer clairement de la mosaïque asservie à la peinture. La mosaïque, d’abord perçue comme un jeu, se transforme et devient rythme, alternance, mathématiques, musique, géométrie, couleur. Matériaux, techniques, tradition et surtout innovation qui nous projettent dans notre époque à travers des expériences professionnelles et singulières, démontrées par la vision des projets et le réalisme des œuvres réalisées. Et puis j’espère que j’aurai le temps de faire mon travail d’artiste, il y a des visions, des rêves et des projets à réaliser à travers cette mise en avant quotidienne, qui après tout est le vrai sel de la vie.

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