Giuseppe Iannaccone: "C'est ainsi que je promeus l'art des jeunes".

Le17 septembre 2022 , la huitième édition du projet In pratica s’est ouverte au Studio Iannaccone de Milan, avec l’exposition Caos Calmo des jeunes Chiara Di Luca et Aronne Pleuteri, qui offre aux artistes émergents l’opportunité d’exposer à travers un processus similaire à la “pratique” menée par les jeunes avocats. Mais pour la première fois, les jeunes artistes choisis ont dû partager l’espace et dialoguer avec des œuvres de la collection des années 1930 de Giuseppe Iannaccone qui, dans cette interview, nous explique d’où est venue l’idée et quels sont les efforts déployés pour promouvoir l’entrée des jeunes dans ce monde difficile. La collection de Giuseppe Iannaccone, avocat milanais réputé, est née d’un rêve et d’un défi personnel. Le rêve de créer un espace rempli d’œuvres de ses chères années 1930, qui comprennent de grands noms tels qu’Aligi Sassu, Scipione Bonichi et Renato Guttuso. Et le défi très personnel d’y associer de nouveaux artistes émergents, en créant un espace en dialogue permanent, ce qui prouve que deux époques, apparemment éloignées et incompatibles, sont extrêmement similaires. Le projet In pratica, qui vise à relier ces deux mondes, est né en 2015 . L’exposition actuelle Caos Calmo est organisée par Giuseppe Iannaccone, Daniele Fenaroli et Gloria Vergani.

FG. Vous êtes un avocat réputé qui a fondé le cabinet du même nom. Quelles ont été les étapes qui vous ont amené à prendre la décision de devenir mécène et collectionneur d’art ?

GI. J’ai commencé à travailler comme avocat à 27 ans, je n’avais pas de clients, juste une passion dévorante pour mon métier. Cela s’est bien passé, trop bien passé, c’était comme vivre un conte de fées. J’ai ensuite traversé une phase, selon mon expérience personnelle, avec un peu d’anxiété, une anxiété que j’ai cru pouvoir surmonter en me détachant un peu des pensées de la profession et j’ai retrouvé l’art. Cela a très bien fonctionné. À tel point que je continue à acheter des livres d’art et à étudier. Lorsque j’en ai eu l’occasion, le simple fait d’acheter des œuvres d’art m’a apporté une grande sérénité et la force d’affronter les difficultés de la profession. L’art est devenu un compagnon, un mariage indissoluble qui ne connaît pas de crise.

Votre collection, née d’une grande passion pour l’art entre les deux guerres, s’est enrichie au fil des ans d’œuvres d’art contemporain, devenant ainsi un mélange de deux époques totalement différentes. Comment ces deux âmes cohabitent-elles ? Et comment est née la passion pour l’art de jeunes artistes, hommes et femmes ?

J’achète tout ce que j’aime. J’ai commencé par une collection des années 1930, puis, dans une grande continuité, l’art contemporain s’est ajouté. Je recherche des émotions et je ne les considère pas comme deux collections distinctes, mais comme une seule collection, car l’une représente les racines et l’autre les fleurs, mais il s’agit d’une seule plante qui continue à germer. Les émotions que m’inspirent des artistes comme Birolli et Scipione sont les mêmes que celles que me font ressentir les artistes contemporains. Essayer de créer une collection avec de jeunes artistes, disons que c’était un défi. C’est une caractéristique de mon caractère de toujours me remettre en question et je me considère comme le plus féroce critique de moi-même. Ainsi, lorsque je cherchais et achetais des œuvres d’art des années 1930, je me disais: “Tu dois te stimuler davantage et regarder le contemporain”. C’était un défi que je me lançais à moi-même. Et c’est grâce à ce défi que j’ai pris conscience de la merveille qu’est l’art contemporain. Le plus grand défi pour un collectionneur est d’identifier les artistes qui resteront dans l’histoire et non ceux qui auront plus de valeur.

Sur le site web de la galerie, il explique qu’il préfère avoir un chef-d’œuvre d’un artiste moins connu qu’une œuvre moins importante d’un maître. Quelles sont les œuvres d’art qui vous tiennent le plus à cœur ?

Je l’ai toujours pensé et je le penserai toujours. On n’écrit pas l’histoire pour les noms des artistes, on écrit l’histoire en fonction des œuvres qui ont marqué les événements artistiques d’une certaine époque. Ce sont les chefs-d’œuvre qui font l’histoire de l’art, pas les noms des artistes. Je ne veux que des chefs-d’œuvre dans ma collection et surtout des œuvres qui m’émeuvent. Le nom de l’artiste m’importe peu. Je suis prêt à dépenser plus que la valeur marchande pour avoir le chef-d’œuvre car c’est ce qui reste à jamais, tout le reste disparaît. Il n’y a pas une œuvre en particulier qui m’importe plus que les autres, car elles me sont toutes nécessaires. Bien sûr, il y a des œuvres, comme celle de Scipion, qui me touchent un peu plus. Quand je suis devant une de ses œuvres, je me surprends à réfléchir et à ressentir une immense tendresse.

Dans les expositions précédentes, de jeunes artistes ont été confrontés à leurs contemporains et, pour la première fois, ils ont été invités à se confronter à vos œuvres des années 1930. Comment cette idée a-t-elle germé ?

La comparaison est née d’une conviction que j’avais depuis longtemps. L’art des années 1930 et l’art contemporain sont en fait très proches. Je ne voulais pas seulement défier les jeunes artistes en les comparant à d’autres, mais je voulais revendiquer la qualité des années 1930 et montrer combien il y a de similitudes entre ces deux moments historiques précis.

Compte tenu de votre appréciation et de vos recherches sur les jeunes artistes, pouvez-vous nous dire comment vous essayez de les promouvoir ?

J’essaie de les promouvoir, non seulement en leur donnant mon espace pour exposer leurs œuvres, mais aussi en essayant de les faire connaître et remarquer par un public aussi large que possible, y compris par des expositions dans des espaces publics, sans jamais les prêter à des galeries privées. Récemment, par exemple, j’ai acheté un tableau en Amérique et je l’ai laissé à la galerie pour qu’il soit vu par un public plus large. J’offre aux jeunes une sorte de caisse de résonance et je les aide à prendre le train en marche. Par exemple, l’année dernière, j’ai réalisé dans une église de Corniglia une exposition d’un jeune artiste, Iva Lulashi, qui a eu beaucoup de succès et dont de nombreux journaux ont parlé. Les initiatives visant à diffuser et à promouvoir les jeunes artistes seront toujours présentes pour moi et sont une source de grande fierté.

Vous avez déclaré que la collection Giuseppe Iannaccone est un “conteneur d’histoires, une vision du monde et un extraordinaire document du présent”. Comment trouver l’œuvre adéquate ? Quelles sont les caractéristiques qu’une œuvre d’art doit présenter pour entrer dans votre collection ?

Je ne regarde pas tout l’art contemporain, mais seulement les artistes qui expriment cette émotivité, cette passion, cette essence de l’être humain dont j’ai besoin. C’est comme une étreinte éternelle de l’humanité. Et ce sont ces artistes que je recherche, ceux qui m’émeuvent et qui, je pense, méritent d’avoir cette fameuse place dans l’histoire de l’art. Je cherche pièce par pièce. Pour un collectionneur mort, il arrive de faire une exposition de sa collection, alors pour un collectionneur vivant, le fait d’avoir fait six expositions est une grande source de fierté.

Quelles sont les perspectives, les prévisions et les souhaits pour l’avenir ? De la collection et des jeunes artistes ?

J’aimerais que la collection contemporaine soit aussi connue que la collection des années 1930, qu’elle ait son exposition publique et qu’elle soit connue. Pour celle des années 1930, par contre, j’ai un rêve dans le tiroir qui est une exposition permanente dans la ville de Milan. Je crois qu’il s’agit d’une collection qui raconte une partie importante de l’histoire italienne et qui devrait donc être accessible aux citoyens. J’espère sincèrement y parvenir, j’y travaille dur.

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