Giulio Paolini: "Le destin de l'art aujourd'hui ? Être abstrait par rapport à une réalité pressante".

Le 15 septembre, dans les somptueux espaces de l’hôtel Westin Excelsior à Rome, les noms des lauréats du Praemium Imperiale, une prestigieuse récompense, parmi les plus importants prix pour les artistes contemporains dans cinq disciplines artistiques: peinture, sculpture, architecture, musique et théâtre/cinéma, ont été annoncés en même temps que ceux de cinq autres villes (Paris, Londres, Berlin, Tokyo, New York). Le lauréat recevra 15 millions de yens (environ 105 000 euros) et une médaille, qui lui seront remis lors d’une cérémonie au Japon en octobre prochain. Au cours de son histoire, le prix a honoré de grandes personnalités: Willem De Kooning, Jasper Johns, David Hockney, Anselm Kiefer, Renzo Piano, Martin Scorsese et Riccardo Muti, pour n’en citer que quelques-unes.

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Les artistes sont choisis par un comité de personnalités éminentes, dont Yasuhiro Nakasone, William Luers, François Pinault, Chris Patten et Klaus-Dieter Lehmann et Ilary Clinton. Lamberto Dini a également complété le jury qui, dans les salons mêmes de l’hôtel Via Veneto, a non seulement annoncé les lauréats des différentes disciplines, mais a également présenté l’artiste primé pour la peinture, qui est cette année un peintre italien. Le dernier artiste italien à avoir remporté le prix est Giuseppe Penone en 2014, qui a été récompensé pour la sculpture, tandis que le dernier peintre italien à l’avoir remporté était l’année précédente ; en effet, en 2013, le prix a été décerné à Michelangelo Pistoletto, qui était seulement le deuxième Italien à l’avoir remporté, après Castellani.

Giulio Paolini, lauréat du Praemium Imperiale 2022, s’y ajoute désormais. Selon M. Dini, le nom de l’artiste est fortement soutenu par le comité italien depuis de nombreuses années. Paolini, né à Gênes en 1940, s’est tourné vers l’art conceptuel et a participé très jeune à de nombreuses expositions du groupeArte Povera, un mouvement promu par le critique Germano Celant. Cependant, par rapport à cette poignée d’artistes piémontais, Paolini maintient une recherche originale qui l’éloigne des tendances de l’Arte Povera. Paolini a pris part à certaines des expositions les plus renommées, avec plusieurs participations à la Biennale de Venise, à la Documenta de Kassel, à la Biennale de São Paulo, à la Biennale de Paris, ainsi qu’à plusieurs expositions collectives et individuelles dans certains des musées les plus importants du monde. Une activité d’exposition longue et prolifique qui confirme que Giulio Paolini compte à juste titre parmi les maîtres les plus influents de la scène italienne, et pas seulement, et qui voit dans le Praemium Imperiale une reconnaissance supplémentaire.

Au cours de la cérémonie de proclamation, Paolini, avant de répondre aux questions de la presse, a tenu à rendre hommage au réalisateur français Jean-Luc Godard, décédé il y a quelques jours, qui avait également remporté le prix en 2002 et qui a toujours été l’une de ses références importantes, au même titre que Wim Wenders, fraîchement nommé lauréat de la prime pour la catégorie cinéma. L’artiste, qui a récemment clôturé l’exposition Quando il presente au Museo del Novecento de Florence, a dévoilé certains de ses projets futurs: "Je prépare une exposition, un solo show, qui se tiendra à l’Accademia di San Luca à Rome, et qui m’honore et m’engage intensément“, a-t-il déclaré. ”L’exposition se concentrera sur l’idée et l’histoire du concept d’académie. Avec toutes les incertitudes que la question implique, je voudrais, à travers les œuvres, apporter une contribution à ce qui est un terme du passé quelque peu tombé en désuétude et qui devrait être redécouvert et remis en pratique". C’est donc l’institution historique fondée par Federico Zuccari en 1593 qui accueillera le prochain projet d’exposition de Paolini, qui entend concentrer ses réflexions sur l’institution qui, pendant des siècles, a été une étape obligatoire dans la formation des artistes, avant d’être fortement critiquée et privée de son pouvoir par les artistes contemporains. "Le choix de s’attarder sur l’idée de l’académie est conscient d’être un peu anachronique, peut-être déplacé, explique Paolini, l’art d’aujourd’hui est attiré par les nouvelles techniques de communication et s’y réfère, et l’académie est presque une donnée archéologique. Mais elle n’est pas enterrée. Elle doit, comme toutes les découvertes archéologiques, être reconnue et au moins rediscutée. À mon avis, il existe une potentialité différente du passé, mais elle peut se régénérer sur un terrain aussi ardu et spécialisé que l’art, alors pourquoi ne pas essayer ?

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Le choix de se confronter à l’académie, aux règles et aux canons est, selon Paolini, un passage qui caractérise souvent la carrière de nombreux artistes. Déjà Giorgio De Chirico est passé d’une peinture dépouillée et essentielle, comme celle de ses tableaux métaphysiques, à une peinture au moins délibérément parfaite, dégoulinante d’artisanat et de savoir. “D’une nudité essentielle, on arrive à une recherche impatiente de richesse”. Et Paolini lui-même prévient que ses œuvres de jeunesse, caractérisées par une vocation essentielle et concentrée, ont, par la suite, déplacé une partie de cette rigueur pour “s’enrichir et, d’une certaine manière, se faire plaisir”.

L’académie s’inscrit d’ailleurs dans la recherche personnelle qui occupe Paolini depuis le début de sa production. En effet, l’artiste a fait de la réflexion sur l’alphabet de l’art sa signature stylistique personnelle. Il en étudie analytiquement de nombreuses composantes, depuis les éléments constitutifs du tableau, les outils du processus artistique, les mécanismes de réalisation et d’exposition, jusqu’aux espaces de représentation, poussant ensuite cette confrontation étroite au contact permanent de la grande histoire de l’art occidental.

Et c’est précisément sur le rôle de l’usager de l’art que Paolini s’est exprimé: “Je veux répondre en prenant la parole de l’art et non celle de l’artiste. L’art, si je peux parler en son nom, ne se préoccupe pas de l’observateur, l’art n’observe pas, l’observation est à sens unique, c’est le spectateur qui l’observe. Dans mon idée, l’art n’a pas d’obligation, il suit son propre chemin. L’art est au-delà de cette porte, il ne nous écoute pas et ne s’intéresse pas à nous”. L’artiste a poursuivi en expliquant son idée sur la nature de l’art lui-même: “Il a son propre parcours qui est autonome, je le crois fermement. L’art se regarde avant tout lui-même et son histoire. Il suppose un avenir qui n’est pas encore là, mais qui le concerne. Certes, le langage de l’art est lié à la vie et au monde, mais il conserve toujours une mémoire et une perspective propres, qui sont quelque peu sceptiques à l’égard des choses que nous vivons et voyons tous les jours. La tentation de l’art en tant que langage est de se pénétrer lui-même, de saisir les aspects les plus implicites et non les manifestations les plus explicites”.

Interrogé sur la discussion autour du marché de l’art, Paolini estime qu’un débat à plusieurs voix est nécessaire, mais que le marché “n’est pas un diable comme certains semblent enclins à le définir. Il s’agit certainement d’un sujet très sensible aux influences et aux variations gratuites”. L’artiste préfère ne pas s’en occuper, car il est extrêmement instable, et ne veut pas prendre position , ni en le diabolisant, ni en le considérant comme une vérité absolue, car, comme tout ce qui existe aujourd’hui, il est susceptible de varier, de se tordre et de se compliquer. Il s’interroge plutôt sur la correspondance entre les cotations et la valeur d’un artiste qui, selon lui, ne peut être évaluée: “Le marché nous domine, mais pas seulement le marché de l’art”. A l’issue de la conférence de presse, nous avons eu l’occasion d’échanger avec l’artiste, que nous remercions pour sa disponibilité et la générosité de ses réponses.

JS. Vous venez de remporter le prestigieux prix promu par la Japan Art Association, pensez-vous que votre production présente une certaine consonance avec les philosophies orientales, après avoir approfondi la dimension spirituelle dans vos œuvres tout au long de votre longue carrière, évoquant des espaces méditatifs et silencieux ?

GP. Mon inclination d’auteur a toujours été un peu détachée des choses du monde, pour me consacrer plutôt à celles d’un autre monde ; l’imagination, par exemple, qui imprègne l’âme de tout artiste. En ce sens, je suis un peu le contrepoids du lauréat du prix de sculpture, Ai Weiwei, qui est très à cheval sur sa vie personnelle.

Vous avez remporté le prix pour la peinture, même si vous avez exploré différentes techniques et différents médiums de manière approfondie. Dans l’histoire de l’art, la peinture a longtemps joué un rôle prééminent parmi les arts, dictant souvent aux autres qui se sont empressés de suivre. Mais quelle est la situation de la peinture dans l’art contemporain aujourd’hui ? A-t-elle encore un rôle de suprématie ou de subalternité ?

Il faut comprendre le terme de peinture. Si l’on entend par peinture l’utilisation du pinceau et donc la mise en œuvre de quelque chose de dessiné ou de peint sur la surface, c’est certainement en ce sens que le terme peinture est remis en question, et pas seulement à partir d’aujourd’hui. Car il a cédé l’initiative à des techniques différentes, à des attitudes parfois contradictoires. Si, par contre, nous entendons la peinture en général comme un art visuel, qui à ce stade comprend aussi la sculpture, la photographie et le cinéma, parce que les arts visuels ont fini par être liés dans différentes déclinaisons, je crois que ces différents modes convergent dans une sorte de destin et de fonction communs, qui est d’être particulièrement abstrait par rapport à une réalité qui est de plus en plus pressante et qui semble s’exprimer plutôt à travers la publicité et les médias. La peinture, en revanche, tend vers un détachement qui la rapproche davantage de ses racines linguistiques que des apparences objectives de la vie.

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Tout au long de votre production, vous avez souvent été confronté à un dialogue interrompu avec l’histoire de l’art, sans pour autant verser dans le citationnisme facile dans lequel les artistes contemporains se réfugient souvent aujourd’hui, un peu comme s’ils voulaient afficher un pedigree, légitimer leurs actions. Comment évaluez-vous cette tendance ?

Attention, quand je dis que l’art se régénère, ce n’est pas grâce à la citation. La citation est une manifestation d’hommage ou de culture spécialisée. Ce n’est pas forcément une citation ouverte, c’est quelque chose d’implicite. Mais alors il devient difficile d’en parler, la mémoire implicite est presque invisible, alors que la citation est là, exposée. Il faut absorber la mémoire de l’art, mais elle n’est pas toujours détectable, sinon elle est superficielle et épidermique, comme si l’on agitait un drapeau.

Vous avez beaucoup étudié le rôle de l’artiste, y compris d’un point de vue social, comment cette figure a-t-elle évolué au fil du temps ?

Le rôle de l’artiste est comme celui de l’art: il se renouvelle toujours, même s’il change d’apparence. L’artiste est toujours la même âme qui s’adapte naturellement à la vie de son temps. Cependant, de plus en plus, dans les époques proches de nous et dans le présent, il y a une sorte d’identification de l’artiste aux problèmes de la société. C’est très bien, mais c’est difficile à exprimer et cela risque de devenir un commentaire passif de la réalité ou de la propagande, un terrain miné. Il faudra peut-être attendre un peu, la bonne distance historique.

En revanche, comment évaluez-vous l’état de santé du système artistique en Italie ?

Je pense qu’il est acceptable. Dans le passé, nous regardions avec admiration les pays du nord de l’Europe. La Suisse, par exemple, était souvent citée comme un modèle à imiter. Aujourd’hui, il me semble que cette recherche de modèles dans d’autres pays n’existe plus. Mais ce qui gâche l’ambiance des professionnels de l’art aujourd’hui, c’est que l’on assiste souvent à un déclin progressif des effets tout court, des effets faciles. Quand il y a un artiste ou une œuvre qui fait l’actualité, il faut y aller doucement, faire l’actualité à mon avis c’est quelque chose en plus, mais ce n’est pas l’essence de l’œuvre.

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