Giuliano Dal Molin : l'art comme tentative de dépasser l'image

Né en 1960 à Schio (Vicence), Giuliano Dal Molin vit et travaille à San Vito di Leguzzano (VI). Le parcours de formation et d’expérimentation de Dal Molin l’a conduit à s’approcher de l’art moderne et contemporain et, en 1987, il a défini sa propre orientation de travail. Ses œuvres ont été sélectionnées pour participer à des expositions collectives à la Fondation Bevilacqua La Masa de Venise en 1984, 1989 et 1991 ; en 1992, il a eu une exposition personnelle à la même Fondation et en 1993, il était présent dans DETERRITORIALE à la XLVe Biennale de Venise. La recherche récente de Dal Molin se concentre sur l’espace : l’artiste recherche une synergie avec le site qui accueille ses œuvres, pensant ses œuvres à la fois en relation avec l’espace qui les entoure et les unes avec les autres. En outre, la production récente de Dal Molin est étayée par une recherche minutieuse sur la couleur, qui trouve son origine dans l’histoire de la peinture. La recherche sur la couleur se manifeste également dans ses œuvres tridimensionnelles, ses projets et ses dessins, qui sont le résultat d’un processus de synthèse visant à éliminer l’excès et le superflu pour donner la parole à la couleur et à la forme. Giuliano Dal Molin parle de son art dans cet entretien avec Gabriele Landi, à l’occasion de l’exposition à la galerie Lia Rumma de Milan, à visiter jusqu’au 16 mars.

Avec l’ia Rumma.

GL. Giuliano, commençons par le commencement. Dans quelles années votre activité artistique a-t-elle commencé et quels travaux avez-vous réalisés au début ?

GDM. J’ai commencé très jeune en tant qu’artiste autodidacte au milieu des années 1970 et jusqu’à la quasi-totalité des années 1980, j’ai expérimenté différents langages : de l’art figuratif résolu de diverses manières (c’étaient les années de la Transavantgarde), à l’abstraction, à l’art informel, puis au travail sur les matériaux et la matière pour arriver vers 1988-1989 à clarifier mes idées et à débuter ma carrière artistique. Il s’agit d’œuvres sur bois avec des inserts métalliques, de petits reliefs qui forment des horizons très abstraits avec une forte physicalité. Ces premières œuvres contiennent déjà certains éléments que j’ai développés par la suite : il s’agit de formes tridimensionnelles concrètes (presque jamais de véritables sculptures), de déplacements minimes en relief de la surface dans laquelle apparaît la peinture ; je me suis rendu compte par la suite que ces œuvres avaient une forte relation avec la lumière, l’ombre et l’espace.

Comment cela a-t-il évolué ?

À partir de ce moment, j’ai commencé à rendre l’œuvre de plus en plus essentielle. En quelques années, j’en suis venu à définir une série de formes concaves/convexes à la surface desquelles apparaissait une grille orthogonale, réduisant la peinture à une trace voilée. Au milieu des années 1990, la couleur est réapparue. Il s’agit d’abord d’œuvres monochromes aux couleurs saturées : primaires, complémentaires, composites, mais aussi noir et blanc. La forme et la couleur sont devenues le leitmotiv de mon travail (il y a une volonté de casser le moule, de sortir de la limite représentée par la peinture/fenêtre qui enferme l’histoire pour libérer la forme/couleur dans l’espace) qui se manifeste dans des installations avec un ou plusieurs éléments tridimensionnels conçus pour le lieu. Il s’agit d’œuvres dans lesquelles la force de la forme, les relations entre les couleurs, l’incidence de la lumière et de l’ombre qui est déterminée et, bien sûr, la relation avec l’environnement deviennent importantes.

En regardant ces œuvres, y a-t-il une sensualisation de la forme ?

Oui, les formes sont de plus en plus essentielles, mais leur surface conserve une sensibilité et une luminosité presque tactiles.

Picturalement, comment les avez-vous réalisées ?

Désormais, la couleur est obtenue par la combinaison de pigments, ou de couleurs acryliques, d’un liant et de poudres/sables de différentes natures (au début j’utilisais de la poudre de caoutchouc, puis je suis passé à des microsphères de verre et depuis quelques années j’utilise presque toujours des sables de quartz ou de marbre). J’ai l’intention de réduire le geste pictural au minimum. La surface reste vibrante mais il n’y a pas de concession au geste, ce qui renforce l’essentialité de l’œuvre. La forme et la couleur ne font qu’un, comme pour dire : cette œuvre est faite de couleur, la forme est couleur.

En ce sens, on pense par exemple au travail d’Yves Klein...

Oui, les influences ont été nombreuses. Bien sûr, avec le temps, les intérêts changent et vous rencontrez des choses différentes. Par exemple, je me souviens que dans les années 1990, j’ai beaucoup regardé Kapoor. Je me souviens qu’il faisait ces trous avec du bleu, qui se trouvait être le même que celui utilisé par Klein !

Y a-t-il une tension spirituelle dans votre travail ?

Oui, c’est l’intention. Il est clair qu’il s’agit d’une spiritualité laïque, la mienne est une tentative d’aller au-delà de l’image. C’est le désir de créer un nouvel espace avec mon travail, un endroit où l’on peut se trouver soi-même.

Avec l.

Avec l’aimable autorisation de la.

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Avec l’aimable autorisation de la.

Avec l’aimable autorisation de la.

Le dialogue n’est-il pas aussi une source de tension ? En ce sens, le dialogue avec l’espace dans lequel vous placez vos œuvres est-il aussi un vecteur d’échange, de rencontre ?

Oui, c’est une dimension essentielle de la création artistique. En plus d’être un besoin personnel, l’art doit sortir, rencontrer le regard des gens ; s’il n’y a pas cette rencontre, qui est ma façon de communiquer, il est difficile de penser que l’œuvre a un sens. C’est pourquoi il est important de savoir où et comment vous exposez l’œuvre et comment vous créez l’environnement par rapport à la personne.

Quelle est votre relation avec la géométrie, je vois que les formes que vous utilisez y sont liées ?

Par nature, j’ai une aversion pour les règles, le calcul, tout ce qui est prédéterminé. En fait, avec le temps, je me suis rendu compte que ces éléments constituaient l’épine dorsale de mon travail. Je me suis également rendu compte que la géométrie avait un rôle à jouer, car les formes que je construis sont liées au monde des nombres, à la mesure... Un aspect important est la construction des œuvres que je réalise moi-même (dessin/conception/construction tridimensionnelle). Dans tous les cas, ce sont l’émotion et la sensibilité qui me guident et me conduisent à l’œuvre.

Quelle est l’importance de la lumière et de la rythmique dans votre travail ?

La lumière sur une œuvre tridimensionnelle est toujours décisive parce qu’elle la renforce et lui donne vie (si la lumière est naturelle, il y a un changement continu dans la vision de l’œuvre). Dans les œuvres composées de plusieurs éléments, la rythmique est déterminée à la fois par la structure et par la combinaison des couleurs. Ce sont ces œuvres qui me permettent d’éprouver le besoin de synthèse, d’essentialité, et en même temps de libérer la couleur dans des compositions plus complexes.

En parlant de couleur, il me semble que vous portez une attention particulière à la tradition, à la peinture du passé, en particulier à la peinture tonale, celle de votre terre, la Vénétie.

Photographie avec l’aimable autorisation de la

Avec l’aimable autorisation de la Galerie Lia

Avec l’aimable autorisation de la Galerie Lia

Avec l’aimable autorisation de la Galerie Lia

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Oui, avant je regardais plus les artistes contemporains, aujourd’hui plus l’art du passé. Quand je vois les œuvres de Bellini, du Titien et de Lotto, je sens qu’ils sont une source d’inspiration inépuisable (rien que de penser à la façon dont ils utilisaient la couleur, c’est quelque chose d’extraordinaire). Tout cela m’aide et me réconforte beaucoup.

Cet aspect me semble palpable dans ce que vous faites, je ne vous le dis pas par flatterie mais parce que cela se ressent concrètement dans ce que je vois...

Merci ! C’est quelque chose que j’aime bien, ce lien avec notre histoire, notre passé, avec l’art qui nous a précédé, qui en quelque sorte aide et donne du soutien et de la vitalité au travail, du moins j’aime à le penser...

J’ai vu qu’il y a quelques années, vous avez fait une exposition dans un couvent près de votre lieu de naissance, Schio, et le dialogue avec l’espace et le lieu me semble très fort !

Cette intervention découle d’un lien émotionnel que j’ai avec ce lieu. Ce fut aussi une expérience très intéressante d’un point de vue humain. J’ai eu l’opportunité d’accéder à des espaces qui ne sont pas habituellement ouverts au public et la liberté totale de créer des œuvres en dialogue avec cet espace sacré.

D’une certaine manière, par cette intervention, vous avez revitalisé le lieu ; il me semble qu’une forme de dialogue très intime s’établit entre votre intervention et les artefacts, les œuvres et les signes à l’intérieur du monastère...

Je dirais que oui, les œuvres dialoguent avec l’espace et le sens de la spiritualité qui émane de ce lieu.

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