Giampaolo Bertozzi (Bertozzi & Casoni): "Ce que l'homme laisse derrière lui dans le temps apparaît dans notre art".

Le duo artistique Bertozzi & Casoni, composé de Giampaolo Bertozzi (Borgo Tossignano, 1957) et de Stefano Dal Monte Casoni (Lugo, 1961), est l’un des noms les plus importants de la céramique contemporaine internationale. Une caractéristique fondamentale de leur art est leur capacité à se lier à la tradition pour aborder des thèmes éternels de l’art (comme ceux du temps et du caractère éphémère de la vie) dans des formes très contemporaines. Avec Giampaolo Bertozzi, nous sommes partis de leur dernière exposition, intitulée Proprio Tempo (organisée par Mauro Daniele Lucchesi et Alessandro Romanini, au complexe Sant’Agostino de Pietrasanta jusqu’au 7 février 2021), pour parler de leur art également en relation avec l’actualité récente. L’interview est organisée par Federico Giannini.

Montage de l’exposition Tempo à Pietrasanta

FG. Commençons par l’exposition de Pietrasanta, qui porte un titre très approprié à la situation que nous vivons, puisqu’elle s’appelleTempo. Le temps, c’est non seulement ce que l’exposition n’a pas eu, étant donné qu’après deux semaines le gouvernement a fermé tous les lieux culturels (et nous espérons donc qu’ils seront rouverts le plus rapidement possible pour que nous puissions aller voir l’exposition), mais c’est aussi la dimension sur laquelle les événements de ces derniers mois nous ont obligés à réfléchir. Mais au-delà des contingences, qu’est-ce qui vous a poussé à consacrer une exposition au temps ?

GB. Le lieu de l’exposition, l’église de Sant’Agostino, a influencé ce choix: il nous a permis de nous rapprocher de certains thèmes présents dans notre travail artistique depuis le début, mais il nous a aussi fait penser à l’Ecclésiaste avec une série de considérations sur le “temps” qui, dans une certaine mesure, renforcent les thèmes que nous avons inclus dans nos compositions. Des arguments que nous avons l’habitude d’introduire dans notre travail, des références à la tradition de l’art comme le memento mori et la vanité, qui ont été une constante dans notre travail artistique. Être lié au temps qui passe, à ce que l’homme laisse derrière lui après son passage dans le temps où il vit, conscient de l’intangibilité du “temps”, a toujours été un thème très important pour nous. Une dimension, le “temps”, à laquelle nous, les humains, avons donné une sorte d’ordre, mais qui, à y regarder de plus près, est un concept inexpugnable, presque un dogme au même titre que la foi. L’Église s’est tellement penchée sur ces questions, à toutes les époques, qu’il semblait presque naturel de consacrer une exposition au “temps” et, qui plus est, dans une église qui, bien que fermée au culte, se trouve toujours sur un terrain consacré.

Vous avez en effet souvent travaillé sur le thème de l’éphémère: même à Pietrasanta, nous voyons plusieurs de vos vanités modernes, mais enracinées dans l’histoire de l’art (et j’aimerais y revenir plus tard). Le thème de la fugacité de la vie a souvent animé votre travail: celui de notre finitude est un sujet qui semble avoir disparu de notre radar, étant donné qu’aujourd’hui nous vivons comme projetés dans un présent continu et que nous nous soucions peu de ce qui se passera longtemps après notre disparition. Et c’est un peu ce qui semble transparaître dans vos œuvres.

Oui, en tant qu’artistes, nous enregistrons ce fait, le triomphe de l’extériorité, de l’ici et maintenant, du corps parfait, de tout ce qui semble impérissable mais qui en réalité ne l’est pas. Depuis le début des années 80, donc depuis le début de notre carrière, nous avons toujours raisonné dans ce sens, sur le sens de l’éphémère. Cette attitude remonte peut-être à notre scolarité, qui s’est déroulée à la fin des années soixante-dix à Faenza, à l’Institut national d’art pour la céramique, qui était alors une école de haut niveau. Je me souviens que de nombreux étudiants étrangers (japonais, américains, allemands) terminaient ou perfectionnaient leur scolarité à Faenza, ce qui créait un climat d’échange culturel très intéressant et stimulant. L’école était voisine de l’actuel Museo Internazionale delle Ceramiche, l’un des musées les plus importants au monde dans le domaine de la céramique, où nous pouvions étudier l’histoire de la céramique et l’histoire de l’art dans ce domaine. Ma connaissance de l’artiste Bernard Palissy, né au début du XVIe siècle et auteur d’une petite révolution dans le domaine de la céramique, remonte à cette période scolaire. Il a commencé à faire les premiers moulages de petits amphibiens et reptiles, donnant à ses compositions une apparence si réelle que cela relevait presque de l’alchimie dans ces années-là. Notre intérêt est donc de regarder et de revisiter tout ce qui est tradition dans l’histoire de la céramique, et les compositions de Palissy conduisent justement à des réflexions sur le caractère éphémère et fini de la vie, thèmes repris par l’histoire de l’Art au siècle suivant avec le memento mori et la vanité.

On a parlé de Bernard Palissy mais votre œuvre est pleine de références, à Pietrasanta par exemple il y a des crânes avec le nez de Pinocchio, sur lesquels se perchent des perroquets, qui font penser à De Dominicis, et puis Andy Warhol, Arcimboldo, des natures mortes du 17ème siècle... quel est votre rapport à l’histoire de l’art ?

Nous pensons que tout ce qui peut être renouvelé dans l’art, c’est-à-dire la voie principale du renouvellement de l’art, passe par le sillon de la tradition, mais pas seulement. Nous sommes des observateurs, comme tous les artistes, et en regardant autour de nous, nous privilégions ce qui nous entoure, sans aller trop loin ou faire des envolées pindariques. Nous regardons autour de nous et dans ce regard, nous trouvons aussi l’histoire de l’art, que nous filtrons à travers notre sensibilité. Nous avons rendu hommage à Morandi, mais nous avons aussi revisité d’autres artistes comme Van Gogh ou Gauguin, par exemple: nous aimons nous approcher de la grande tradition de l’art, aussi parce qu’il y a tout un savoir sur lequel nous portons notre attention et qui nous semble, pour notre façon de sentir, très stimulant.

Bertozzi & Casoni, Pensieri (2019 ; céramique polychrome, 64 x 55 x 51 cm).

Bertozzi & Casoni, Per Morandi (2019 ; céramique polychrome, 36 x 20 x 18 cm)

Bertozzi & Casoni, Summer (2015 ; céramique polychrome, 74 x 65 x 40 cm)

Bertozzi & Casoni, Boîte Brillo avec perroquets (2016 ; céramique polychrome, 240 x 190 x 220 cm)

Bertozzi & Casoni, Nulla è come come appare, dettaglio (2018 ; céramique polychrome, bronze argenté, acier, 100 x 50 x 50 cm).

Il y a ensuite le thème du rapport entre l’homme et la nature, qui dans vos œuvres est souvent un rapport tout sauf harmonieux: disons qu’entre les déchets, le gaspillage de nourriture et donc de ressources, les animaux en cage, la nature ne s’en sort pas bien, elle en sort même très meurtrie. Que voulez-vous faire ressortir ?

Soyons très clairs, il ne s’agit pas d’art écologique, même si nous sommes sensibles au problème. Nous regardons la décharge avec des yeux d’artistes: la boîte de thon abandonnée est un objet admirable, d’une grande qualité artistique, d’une grande sensibilité de couleurs, de variations de tons, de la rouille à la décoloration de l’étiquette, et nous la prenons donc comme un exemple plastique et pictural. C’est dans cette optique que nous aimons réaliser nos compositions, en pensant donner une seconde vie à ce monde qui a rempli sa première fonction, celle d’ordonner les objets dans une composition. Dans notre travail, l’homme n’apparaît jamais mais ce que l’homme laisse derrière lui, ses traces, apparaît. Moi-même, je m’entoure d’objets ordinaires qui ont pourtant leur charme propre de construction, de forme, de couleur. Déjà Duchamp, en 1912, lorsqu’il visita le Salon du Bourget et vit la grande hélice, fut frappé par cet objet, produit de l’homme, non pas pour sa valeur artistique, mais pour la technique qui avait permis à l’homme de le fabriquer. En fait, il s’agissait essentiellement d’une observation de ce que fait l’homme. Je me souviens avoir écouté Restany il y a de nombreuses années: il parlait de la roue de bicyclette en disant que le signe de la roue est un signe intemporel (un cercle) et que Duchamp l’a choisi non pas pour parler d’on ne sait quoi, mais parce que c’est une forme qui restera éternelle et toujours contemporaine.

Et cette attention à la qualité esthétique et conceptuelle des objets les plus simples explique aussi votre intérêt pour les boîtes Brillo d’Andy Warhol. Et vous, comme Andy Warhol l’a fait avec les boîtes Brillo, vous n’insérez pas d’objets trouvés dans vos œuvres, mais vous reconstruisez des objets. C’est particulièrement le cas dans les accumulations d’objets individuels décrits avec minutie, qui suscitent toujours une grande curiosité chez le spectateur: quel est le processus qui mène à la création de l’une de vos œuvres?

C’est un processus très long, qui combine l’art et la technique, deux choses très proches: pour nous, la “technique” consiste à assembler des outils pour donner forme à des idées. Le processus commence par l’objet trouvé, puis nous le reconstruisons entièrement dans l’atelier et réalisons une maquette, puis un moule, souvent des moules en silicone fabriqués de manière à ce qu’ils puissent nous donner l’objet parfaitement identique, ou légèrement modifié mais de manière à ce qu’il ne soit pas trop différent. Chaque petit objet placé dans ces accumulations naît d’un processus de modelage et de moulage (qui peut être manuel ou par coulée ou un mélange des deux techniques), puis nous passons à la cuisson (également de différents types, car tous les objets ne sont pas cuits à la même température et surtout les couleurs doivent être différenciées dans les cuissons): certaines techniques sont d’origine industrielle, notamment parce que tout ce qui se trouve sur le marché est conçu pour la grande production. Notre travail est passé par deux phases, la première était liée à la majolique traditionnelle, dans la deuxième phase nous avons ressenti le besoin de refroidir notre travail en l’amenant à être plus objectif.

Bertozzi & Casoni, Plateau (2009 ; céramique polychrome, 19 x 37,5 x 60 cm)

Bertozzi & Casoni, Intervallo Oggi (2008 ; céramique polychrome, 70 x 77 x 50 cm)

Bertozzi & Casoni, Regeneration (2012 ; céramique polychrome, 160 x 213 x 190 cm)

Pour en revenir à l’exposition, l’idée du projet est de transmettre au spectateur la perception que l’art peut, d’une certaine manière, nous racheter. À la fin de la visite, je lis dans le texte du commissaire que “le spectateur repart avec la perception que, malgré les temps difficiles dans lesquels nous vivons, l’art et la beauté nous sauveront une fois de plus ou, du moins, rachèteront notre dimension éphémère”. Qu’est-ce que cela signifie pour vous ?

L’art ne donne jamais de réponses, il pose toujours des questions, il nous fait réfléchir sur des thèmes qui ont toujours été ceux de l’humanité. Il se peut que l’art soit l’une de ces choses qui, si elle n’existe pas, fait défaut à l’être humain. Nous disons alors que la beauté nous sauvera, mais en réalité il s’agit de quelque chose de plus, que je ne saurais même pas définir: je connais, par exemple, des amis qui ont travaillé dans des zones de guerre et qui m’ont dit que la chose qui manquait le plus dans ces contextes était l’art, même s’ils n’étaient pas des artistes. L’art est quelque chose qui transcende notre quotidien commun, et parfois il peut être un refuge, une oasis de rafraîchissement par rapport au quotidien. À mon avis, l’art (un livre, un film, un documentaire, une peinture, une sculpture) est une oasis de paix, un espace de liberté dans lequel l’homme se trouve bien, je ne sais pas pourquoi, peut-être que des philosophes pourraient l’expliquer mieux que moi: je sais que je suis bien et que je suis rafraîchi si je regarde un film, si je lis un poème ou un livre. Je pense que c’est là le but.

Une dernière question: votre langue est très originale, innovante et d’actualité. Comment la pandémie a-t-elle affecté votre travail? Et pensez-vous que de nouvelles réalités, de nouvelles tendances vont émerger ?

Sur notre travail, comme sur le travail de tout le monde, tout a un impact, parce que toutes les expériences sur Terre qui atteignent l’humanité, d’une certaine manière nous marquent, sont introjectées. Les résultats ne seront peut-être pas immédiatement visibles, mais je crois que tout ce qui arrive nous aide d’une manière ou d’une autre et nous incite à faire quelque chose de nouveau. Et même ces derniers événements influenceront l’art, les artistes et leurs produits, comme cela a été le cas pour tout: je pense aux grandes masses qui se déplacent sur la planète, de nombreux artistes ont travaillé et travaillent sur ces questions, et continueront à le faire. Il y a des artistes qui enregistrent davantage le contemporain, et des artistes qui l’enregistrent d’une manière plus particulière, sans parler directement de ce problème, mais en l’abordant néanmoins. Car il est également vrai que rien n’est souvent ce qu’il semble être. Parfois, on voit une œuvre qui, au-delà des apparences, porte en elle ce qui est là et ce qui est à venir.

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