Entretien avec Peter Campus: "Je fais de l'art vidéo, mais j'ai le sentiment de faire partie de la tradition picturale".

Jusqu’au6 décembre 2023, Peter Campus (New York, 1937), l’un des pères de l’art vidéo et l’un des représentants les plus significatifs de cette forme expressive, est le protagoniste de l’exposition personnelle Myoptiks qui se tient à la galerie Carlocinque de Milan (toutes les informations ici). Son travail a eu un impact considérable sur les artistes des générations suivantes travaillant avec la vidéo, et ses œuvres sont conservées dans plusieurs musées importants, du MoMA de New York au Guggenheim, de la Tate Modern de Londres au Reina Sofía de Madrid, du Centre Pompidou au Whitney Museum. À l’occasion de l’exposition Myoptiks, il présente quelques-unes de ses œuvres récentes, qui se caractérisent par une empreinte picturale très forte. Nous l’avons rencontré à Milan pour un entretien réalisé par Federico Giannini.

FG. À la galerie Carlocinque, vous présentez quelques-unes de vos œuvres les plus récentes. Pouvez-vous nous en parler ?

PC. Je n’aime pas vraiment parler de mon travail parce que je pense que l’œuvre elle-même doit être sa propre explication, et parce que je pense que les gens peuvent aller aussi loin qu’ils le peuvent: s’ils regardent profondément, ils auront des pensées profondes, s’ils regardent superficiellement, ils verront l’œuvre de manière superficielle. Je sais qu’aujourd’hui, dans les musées, il est courant d’avoir une grande quantité de texte sur l’œuvre avant même d’aller voir l’exposition, et il y a donc une tendance à vouloir savoir, d’un certain point de vue, avant même de voir les œuvres. C’est aussi la raison pour laquelle j’essaie de ne pas trop parler de mon travail et de faire confiance aux gens pour qu’ils arrivent à leurs propres conclusions. Je sais par expérience, lorsque je travaillais au Metropolitan Museum, que les gens s’approchent d’abord de la légende, puis essaient de trouver le sujet de l’œuvre. Je pense que la confusion est une bonne chose. Et je pense qu’il est bon de ne pas savoir, tout comme je pense qu’il est bon d’essayer de découvrir le sujet de l’œuvre.

Mais nous pouvons être sûrs d’une chose: dans vos œuvres, vous voyez beaucoup de nature, beaucoup de paysages. Après tout, à différents stades de votre carrière, votre relation à la nature et au paysage a été fondamentale pour vous. En quoi la nature est-elle une source d’inspiration pour vous ?

Pour moi, tout est comme une petite histoire. J’ai longtemps travaillé avec les gens, en faisant des portraits (et aussi des autoportraits) et en observant la psyché humaine... et j’ai fini par me lasser de tout cela. J’ai donc commencé à regarder vers l’extérieur plutôt que vers l’intérieur. Et cela m’a amené dans la nature, je me suis senti dans la nature. Je me suis senti parfaitement à l’aise. J’ai du mal à l’expliquer, mais je me suis sentie vraiment heureuse une fois que j’ai pénétré dans le paysage. Souvent, au début, je marchais dans les montagnes simplement parce que j’étais là et qu’il était important pour moi d’être là. Et maintenant, lorsque je travaille, je veux toujours aller dans un endroit où je me sens à l’aise. Toutes ces images sont comme des gros plans, parce que je dois sentir tout l’environnement autour de moi pour me sentir à l’aise, c’est pourquoi il y a tant de nature, c’est pourquoi je dois toujours être entouré par la nature.

Peter

Il s’agit d’une œuvre très différente de celle qui a constitué le début de votre carrière, qui a commencé avec des œuvres célèbres telles que Dynamic Field Series(1971), Double Vision (1971) et Three Transitions (1973), dans lesquelles vous avez exploré des thèmes tels que la perception de l’image de soi, l’identité corporelle, le réel et le virtuel, anticipant ainsi de nombreuses questions dont on parle encore aujourd’hui. Que pensez-vous aujourd’hui de ces œuvres, vieilles d’un demi-siècle, en les regardant cinquante ans plus tard ?

Je dois vivre avec ma présence. Je sais que cinquante ans se sont écoulés depuis Three Transisions et, pour moi, il s’agit simplement d’une œuvre d’il y a cinquante ans. Je suis toujours vivant et je travaille toujours: Bob Dylan dit qu’il est un artiste et qu’il ne regarde pas en arrière. Je pense qu’il en va de même pour moi. Je dois donc être ici, dans le présent, maintenant, et regarder vers l’avant. Je ne peux pas regarder en arrière. Je sais que d’autres artistes le font, mais pas moi: je n’éprouve aucun plaisir à regarder en arrière.

Vous êtes universellement reconnu comme l’un des pionniers de l’art vidéo. Dans une interview que vous avez accordée il y a quelques années au magazine de la National Academy of Design, vous avez déclaré que même si l’art vidéo a plus de cinquante ans, il est encore “trop nouveau”. Selon vous, pourquoi le public a-t-il encore du mal à comprendre l’art vidéo ?

C’est une question difficile ! Peut-être parce que voir de l’art vidéo doit encore devenir une habitude pour les gens, cela doit devenir quelque chose d’ordinaire. Le public devrait pouvoir faire la différence entre ce qui passe à la télévision, ce qu’il voit sur son téléphone, ce qui est sur son iPad, et ce qui est de l’art. Même si l’art utilise exactement les mêmes outils. Et vous devriez pouvoir faire la distinction entre une vidéo qui est utilisée comme une forme d’art et une vidéo qui n’est pas utilisée comme une forme d’art. Pour moi, il est important de sentir que les gens comprennent cette distinction. Dans le domaine de la photographie, par exemple, je pense que les choses vont beaucoup plus vite aujourd’hui, mais il a fallu au moins cinquante ans pour découvrir le potentiel de ce médium. Et je pense que cela doit se produire avec la vidéo, il suffit de comprendre les outils de base qu’elle offre.

Souvent, dans les expositions, même les plus importantes, il n’est pas rare de voir des vidéos à caractère presque documentaire ou cinématographique présentées comme des œuvres d’art vidéo. En fait, le panorama est aujourd’hui extrêmement varié, car le langage de l’image en mouvement est désormais dominant. Selon vous, comment reconnaître une bonne œuvre d’art vidéo ?

Je pense que je ne suis pas la bonne personne pour poser cette question parce que j’ai un point de vue très spécifique et mon point de vue est que je considère ce que je fais du point de vue de ce que je fais, et ce que je fais est très spécifique et j’ai l’impression que c’est une œuvre d’art vidéo. est très spécifique et je pense qu’il est extrêmement influencé par la photographie et l’immobilité de l’appareil photo. C’est donc difficile à dire. J’ai travaillé dans le documentaire et je sais que mon travail n’est pas un documentaire. J’ai travaillé dans le cinéma et je sais que mon travail n’est pas du cinéma. Il existe bel et bien une distinction entre une forme d’art et une autre. Nous pourrions dire que dans l’art vidéo, l’artiste travaille seul, mais je sais par exemple que Bill Viola ne travaille pas seul. Je sais que les sœurs Wilson ne travaillent pas seules et que beaucoup d’autres artistes ne travaillent plus seuls. Ce n’est donc même pas le critère. Peut-être plus simplement, le critère est que si les gens disent que c’est une vidéo, alors c’est de l’art, s’ils disent que c’est un documentaire, alors c’est un documentaire. Et dans certains cas, il est difficile de faire la distinction entre les deux. Dans mon cas, cependant, ce n’est pas vrai, en ce sens qu’il n’y a pas de confusion entre ce que je fais dans un documentaire, une photographie ou un film...

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Certaines de vos œuvres les plus récentes, réalisées entre les années 1990 et 2000, jusqu’à celles que vous présentez ici dans le cadre de l’exposition Myoptiks, ont utilisé des techniques particulières telles que la pixellisation et la multicouche, ce qui a conduit de nombreux critiques à assimiler votre travail à celui d’un peintre (et je pense également que c’est le cas). Selon vous, qu’est-ce qu’un artiste vidéo a en commun avec des artistes qui travaillent plutôt avec des techniques traditionnelles comme la peinture, par exemple ?

Lorsque nous parlons de sculpture, nous ne parlons pas seulement de quelqu’un comme Michel-Ange qui s’assoit et taille de la pierre. On ne peut pas dire, par exemple, que le travail de quelqu’un qui prend une masse d’acier fondu et la pose sur le sol en disant que c’est une sculpture n’est pas de la sculpture. Dernièrement, je me suis donc demandé si je n’étais pas un peintre. Après tout, je travaille avec la couleur. Je travaille avec la lumière. Je travaille... Je veux dire que j’ai l’impression de faire partie de la tradition picturale, mais je sais très bien que je ne veux pas travailler avec de la peinture. J’ai grandi avec la télévision, j’ai grandi avec la vidéo, j’ai grandi en travaillant avec ce médium et je suis très attaché à la vidéo en tant que médium, mais je me considère également dans la tradition de la peinture, comme vous le dites. Mais je pense que la question est aussi de savoir pourquoi je ne suis pas peintre si je crois en la tradition de la peinture. Tout d’abord, j’aime la dimension temporelle de mon travail. J’aime le fait qu’il soit en mouvement. Qu’il respire. Dans Étant donnés de Duchamp, par exemple, il y a des éléments qui contiennent du mouvement, il y a évidemment une sculpture qui bouge, mais le mouvement dans le temps, c’est-à-dire la dimension du temps plutôt que la dimension de l’espace, me semble être davantage une extension de la peinture. J’ai donc l’impression, à bien des égards, que je fais simplement des progrès en peinture, et je veux dire aujourd’hui, pas il y a cinquante ans. Mon travail a toujours eu une forte connotation picturale: j’ai commencé à peindre à l’âge de 13 ans et j’ai peint jusqu’à l’âge de 23 ans. Aller dans les musées a également eu une grande influence sur mon travail (je le fais un peu moins maintenant parce que je vis en dehors de New York, mais cela reste extrêmement important pour moi). Je m’intéresse probablement plus à la peinture qu’à toute autre forme d’art historique. Et je me considère simplement comme un continuateur de la tradition de la peinture.

Vous avez mentionné Duchamp, vous avez dit que la visite des musées était cruciale pour votre travail et que vous vous intéressiez à la peinture ancienne. Quels sont donc les artistes qui vous ont inspiré ?

Je dirais... presque tous. Peut-être Corot, peut-être d’autres, je ne suis pas sûr. J’ai une passion pour toute la peinture. Quand j’ai regardé des tableaux du Moyen Âge ou du XIVe siècle, j’ai été frappé par cette idée de ligne, de couleur, de profondeur... Je pense par exemple à Assise, à la basilique Saint-François, à certains tableaux que j’ai vus en Ombrie... c’est quelque chose de tout simplement extraordinaire... les éléments spirituels de ces œuvres ont toujours eu une signification profonde pour moi. Ensuite, à Florence, il y a le couvent de San Marco avec les œuvres de Fra Angelico, une grande quantité de Fra Angelico, il y a un Fra Angelico dans chacune des cellules des moines... et lorsque je l’ai visité, j’ai pensé "oh mon Dieu, est-il possible d’imaginer vivre avec un Fra Angelico dans sa cellule ? Avec son lit, sa table et son Fra Angelico. Je veux dire qu’il y a tellement de choses à voir dans ce monde que... il suffit de regarder. Quoi qu’il en soit, toute la peinture m’intéresse. Peut-être plus la peinture ancienne et spirituelle que la peinture contemporaine, bien qu’il y ait Mark Rothko dont les œuvres me semblent très spirituelles. Bref, on pourrait continuer à répondre à cette question... pendant encore une heure ou deux !

Aujourd’hui, nous sommes plongés dans une réalité où tout le monde s’exprime avec des vidéos. Non seulement nous sommes inondés d’images animées tous les jours par la télévision, Internet et les réseaux sociaux, mais grâce à l’évolution de la technologie, nous sommes devenus nous-mêmes des producteurs: créer une vidéo, la monter, y ajouter des effets et de la musique, grâce à de nouveaux programmes sur les ordinateurs et les smartphones, est devenu très simple et nous sommes encore plus inondés de vidéos. Quels sont, selon vous, les avantages et, à l’inverse, les risques de cette situation ?

En attendant, l’art est l’art: lorsque j’ai commencé à faire de l’art et que le public a commencé à dire “art vidéo”, je répondais "non, pas d’art vidéo... de l’art ! Mais j’ai perdu, et c’est devenu de l’art vidéo. De toute façon, même dans la petite ville où j’habite, tous ceux qui peignent montrent leurs petits tableaux ici et là, partout, mais qu’est-ce que ça peut faire ? Les autres peintres rendent-ils le Greco inférieur à lui-même ? Aucun artiste ne rend un autre artiste différent de lui. Je veux dire qu’une chose est de l’art, et une autre chose n’est pas de l’art, c’est du divertissement. À mon avis, ce n’est donc ni un danger ni une interférence, si ce n’est que si l’on s’intéresse à l’art, on peut regarder et voir ce qu’est l’art, et si l’on ne s’intéresse pas à l’art, on peut regarder tout le reste. Je ne connais pas les noms des médias sociaux, mais je ne les considère pas comme un danger, pas du tout, même si je peux me tromper, je reconnais aussi la position de ceux qui disent qu’ils sont un danger. S’il y a un danger, c’est plutôt en termes d’éducation, qui consiste à comprendre la dimension de l’art, à comprendre l’intention de l’artiste. Lorsque nous regardons la cathédrale de Chartres, nous voyons toutes ces œuvres sculptées par des inconnus, mais elles n’en restent pas moins de l’art. Je pense que nous devons juger l’art par l’œuvre d’art et non par le nom de la personne qui l’a réalisée. Voici ce que je pense. De mon point de vue, la question est de comprendre ce qu’est l’art, et non de comprendre ce qu’est le support.

Enfin, puisque nous sommes à Milan, puisque nous avons parlé du Beato Angelico... Je voudrais conclure en vous demandant quelle est votre relation avec l’Italie.

Elle est très bonne. Je suis probablement plus heureux ici que dans d’autres endroits. Disons qu’en Italie, il y a un sens de l’art qui est meilleur qu’ailleurs, un sens de l’habillement, un sens de l’architecture, un sens du paysage... tout cela est meilleur qu’ailleurs. Aujourd’hui, je suis passé devant un champ de tournesols et j’ai senti que... c’est l’œuvre de Dieu. Je suis en présence de l’art. C’est un champ de tournesols. Pensons à l’architecture par exemple, en Italie quand on construit il y a des indications précises en fonction du lieu, à mon avis c’est une pensée extraordinaire. Même en Grèce, tout est beau et exceptionnel, oui, mais ce n’est pas pour moi (j’espère donc que cette interview n’arrivera pas en Grèce !) Je me sens à l’aise avec la culture et la sensibilité italiennes, je suis vraiment à l’aise ici. Encore plus que là où je vis, dans une petite ville à une centaine de kilomètres de New York, et quand je suis là-bas, les cafés italiens me manquent, l’idée de s’asseoir quelque part et de prendre quelques chocolats me manque... ici, en Italie, la vie est vraiment extraordinaire.

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