Bugo: "Je voulais être un artiste temporaire. Je vous parle de ma parenthèse

Tout le monde le connaît comme un auteur-compositeur-interprète et musicien important (beaucoup le considèrent comme le père de l’indie italien), mais tout le monde ne sait pas que Bugo est aussi un artiste visuel de haut niveau, capable de placer ses œuvres dans des contextes importants. L’activité de Bugo en tant qu’artiste visuel a une durée précise: de 2009 à 2014. Cinq ans exactement pour une sorte de pause musicale d’une durée prédéterminée: Bugo a consciemment décidé de se consacrer à l’art pendant cinq ans seulement. Mais ce fut une période intense: ses œuvres ont été exposées dans toutes les grandes foires italiennes (Artissima, Miart et Arte Fiera), ont fait partie d’expositions collectives dans des contextes importants et aux côtés d’artistes de premier plan (par exemple au Musée national de Villa Guinigi à Lucques ou au Pavillon Esprit Nouveau à Bologne), ont reçu des commentaires positifs de la part des critiques et dans des revues prestigieuses. En outre, Bugo compte à son actif une dizaine d’expositions personnelles, dont la première a eu lieu en 2009 au Museo Faraggiana Ferrandi de Novara.

Le parcours de Bugo n’est pas à la portée de tous: beaucoup d’artistes rêvent de pouvoir exposer dans des galeries, des foires et des musées, mais Bugo les a fréquentés assidûment. Et il n’a certainement pas été aidé par la célébrité: lorsqu’il a commencé sa carrière d’artiste visuel, Bugo était un musicien très écouté, mais loin d’être populaire. Nous l’avons donc rencontré à l’occasion de son concert au Centre Pecci de Prato (dans le cadre du programme Pecci Summer Live 2020) et nous avons revu avec lui ces cinq années d’activité artistique, en essayant de comprendre la raison de ce choix qui peut sembler si bizarre et radical, et les raisons de sa recherche libre et exploratoire. L’interview est réalisée par Federico Giannini, rédacteur en chef de Finestre sull’Arte.

Bugo (Cristian Bugatti)

FG. Vous êtes devenu un artiste visuel relativement tard, à l’âge de trente-six ans. C’est peut-être une question évidente, mais il serait très intéressant de savoir ce qui vous a poussé à mettre de côté la musique pendant un moment et à expérimenter d’autres modes d’expression. Parce que c’est une expérience qui n’est pas à la portée de tout le monde, d’ailleurs, en ce qui me concerne, je n’ai jamais connu de telles expériences.
B. J’ai toujours appelé ça une parenthèse, parce qu’en fait ça a été une parenthèse dans mon parcours artistique: à un moment donné, je me suis rendu compte que le langage de l’art contemporain pouvait me convenir, moi qui ne sais pas peindre et qui n’ai pas de qualités techniques particulières. C’est un peu comme en musique: j’ai un médium vocal que je pense être dans le domaine de la normalité, mais je ne me considère pas comme un artiste classique. Lorsque j’ai déménagé à Milan en 1999, l’une des premières choses qui m’ont frappé dans ce monde a été La nona ora de Maurizio Cattelan: je pense que tout a commencé à partir de là. Je n’avais jamais eu d’intérêt pour l’art, et je ne venais pas d’une famille d’artistes ou d’intérêts artistiques. La musique elle-même est entrée dans ma vie d’une manière inhabituelle, non traditionnelle, sans suivre une tradition familiale. Il en va de même pour l’art: je peux dire que j’ai vu pour la première fois une œuvre d’art contemporain en 2003, à l’âge de 30 ans. Je connaissais quelques artistes, à commencer par Andy Warhol, qui me fascinaient beaucoup plus que les peintres anciens ou plus liés aux langages classiques, mais je ne pensais pas commencer à fréquenter ce monde et y construire une partie de ma carrière. À un moment donné, en 2008, j’ai été invité à faire une exposition à Novara, et je me souviens avoir été un peu sceptique, même avec le conservateur, Marco Tagliafierro, je lui ai dit que... je ne savais rien faire ! Mais ce n’est pas tout: je ne voulais pas non plus passer pour l’un des nombreux musiciens qui, lorsqu’ils font des expositions, exposent les habituels dessins ou peintures de paysages impressionnistes, des choses que je n’aime pas. Tagliafierro a cependant apprécié ma façon de m’exprimer et c’est grâce à lui que j’ai pu entrer dans ce monde et exposer mes œuvres pour la première fois, au Museo Civico Faraggiana Ferrandi de Novara: mais ce qui m’a le plus plu, ce n’est pas tant l’exposition elle-même que la possibilité que le conservateur m’ait fait commencer un voyage dans l’art contemporain, pour moi qui suis musicien, de surcroît. Et ce n’est pas quelque chose qui va de soi, parce que les opérations de ce genre sont toujours risquées, et moi-même je n’étais pas tout à fait convaincu, j’avais peur que les critiques écrasent mon travail. Au contraire, lorsque j’ai exposé ces premières œuvres, en particulier le buste à plumes, les réactions ont été positives et m’ont encouragé à poursuivre le chemin.

Un chemin qui n’a duré que cinq ans, par choix délibéré. Je crois que cette décision est en soi une œuvre d’art. Mais il y a eu beaucoup d’œuvres sur ce court chemin, et toutes sont intéressantes. Qu’est-ce qui vous a poussé à commencer cette expérience et à la terminer en ayant déjà à l’esprit, dès le départ, quelle serait sa durée?
Lorsque j’ai commencé, je me suis dit: “Je veux essayer d’être un artiste temporaire”. L’hypothèse de base est que l’on entend souvent dire que l’on naît artiste: je n’y crois pas. En ce qui me concerne, je pense que je le suis devenu. Et comme je le suis devenu, j’ai aussi pensé que je ne le ferais que pour une durée limitée, en l’occurrence cinq ans: je me suis donc donné un temps fixe, une période pendant laquelle, entre 2009 et 2014, j’ai ralenti la musique pour me consacrer à plein temps à l’art visuel, au cours de laquelle j’ai exposé mes œuvres dans plusieurs salons, où de nombreux collectionneurs les ont achetées. Et à cette époque, j’en vivais.

Bugo, Untitled (2009 ; plâtre, verre, sciure de bois, plumes, 31 x 56 x 33 cm)

Avez-vous l’intention de rouvrir cette parenthèse à un moment ou à un autre?
Non, pour l’instant c’est une période que je considère comme close. C’est un chapitre clos. Et cette idée d’être entré dans les salles d’art contemporain et d’en être sorti m’amuse beaucoup. Alors, bien sûr, on ne peut jamais dire qu’on a arrêté quelque chose définitivement, je ne sais pas ce qui va se passer dans le futur, ça se pourrait bien. Mais aujourd’hui, je ne me considère plus comme un artiste visuel. Depuis 2014... J’ai arrêté. Malgré le fait que j’avais aussi des sollicitations, plusieurs collectionneurs voulaient continuer à acheter mes œuvres et me poussaient donc à en produire de nouvelles. Mais j’ai refusé. Je voulais simplement briser un tabou.

Allez-vous encore dans des expositions, des musées, des foires?
Pas tellement. Je me tiens au courant de ce que j’aime. Mais cela vaut aussi pour la musique. Je ne suis pas un grand connaisseur de musique, j’ai ma propre idée du concept d’artiste et de chanteur et je me laisse emporter par le moment, je n’ai pas l’obsession de savoir qui sont les artistes les plus récents ou les plus populaires. Ce qui m’intéresse avant tout, c’est de créer.

En parlant des artistes les plus importants, si je vous demandais de nommer quelqu’un, parmi les anciens, qui a inspiré votre art, quels artistes citeriez-vous?
Le Caravage a toujours été l’un de mes artistes préférés. Je peux paraître banal parce que le Caravage est devenu un nom à la mode que tout le monde aime, mais ce que l’on oublie souvent, c’est que le Caravage, même s’il est aujourd’hui considéré comme un artiste ancien, était à l’époque aussi contemporain que possible: son langage était un langage de rupture, comme celui d’un Dan Colen pourrait l’être aujourd’hui, pour donner un exemple. René Magritte est un autre artiste “classique” qui m’inspire. Il y a cependant des artistes de l’art ancien que j’aime beaucoup, mais si je dois m’exprimer, n’étant ni peintre ni sculpteur, je trouve que certains langages contemporains m’ont aidé à m’exprimer même sans presque rien faire. En général, mes œuvres naissent d’un croquis, d’une idée, et je demande de l’aide pour la réaliser.

Je pense au buste à plumes que vous avez mentionné, aux enfants barbus, à la performance Sento tutti gli occhi addosso.
Souvent, même moi, je n’ai aucune idée de ce que mes œuvres signifient. C’est comme lorsqu’on me demande ce que signifie Casalingo, une de mes chansons. Je veux simplement exprimer une idée: dans le cas de la chanson, le fait que “être chez soi est quelque chose de spectaculaire”. Mais j’aime que d’autres interprètent l’œuvre ou la chanson, car j’aime l’idée que quelqu’un s’approprie l’une de mes œuvres. Cela dit, je ne me sens pas en conflit avec d’autres façons de faire de l’art, même avec des langages plus classiques. Même des langages apparemment inconciliables peuvent très bien fonctionner en parallèle. Pensez à Cattelan lui-même, dont l’œuvre est pleine de citations de l’art ancien. Nous avons la chance de vivre à une époque où même l’art contemporain le plus intangible et les formes d’art les plus éloignées des moyens d’expression traditionnels comme la peinture ou la sculpture peuvent être intégrés dans l’histoire de l’art, et cela me fascine beaucoup, surtout si l’on pense à ceux qui, comme moi, ne se considèrent pas comme des “techniciens”, des artistes académiques. Il en va de même pour la musique: songez que j’ai de nombreux détracteurs qui disent que je ne sais pas chanter. Et ils ont raison ! Car je suis la première à le dire: je ne suis pas une chanteuse, je suis quelqu’un qui veut s’exprimer. Alors je fais de mon mieux, et depuis 20 ans, j’ai réussi à faire de cette idée un métier.

Cristian Bugatti, Sento tutti gli occhi addosso (2010 ; performance)

Cristian Bugatti, Bearded Child (2010 ; photographie, 24 x 17 cm)

Beaucoup d’artistes, dans cette phase historique, se plaignent de l’absence de l’État, ou en tout cas il est courant de dire que l’État ne fait pas grand-chose pour l’art contemporain. Vous qui avez été artiste visuel et musicien, et qui vivez donc de l’intérieur de cette situation, qu’en pensez-vous?
Je ne suis pas très au courant de l’aide apportée par l’État à l’art, qu’il soit ancien ou contemporain, mais de toute façon, ce n’est pas comme si l’État avait jamais fait grand-chose pour l’art. De plus, l’État est un sujet qui m’est étranger en ce qui concerne le concept d’“art”. On utilise souvent le mot “culture”, un terme que je n’aime pas beaucoup, que je trouve abusif: en ce qui concerne l’art contemporain, je pense qu’on ne peut pas dire aujourd’hui si une œuvre donnée peut faire partie de ce qu’on appelle la “culture”, parce qu’il s’agit de processus qui doivent être évalués historiquement. À mon avis, nous pourrons dire dans de nombreuses années si une œuvre d’art fait partie de la culture. Par exemple, je ne trouve certainement pas intéressant l’art qui se plie aux goûts ou aux tendances. Pour en revenir au sujet, si nous réfléchissons à ce que l’État fait pour l’art, nous devons d’abord nous demander si la crise que nous traversons aujourd’hui n’est qu’une crise économique ou si elle n’est pas aussi, plutôt, une crise culturelle, une crise des idées. Dans l’histoire, il y a eu des périodes de crise économique sévère mais dans lesquelles de grands artistes ont explosé. Donc, en tant qu’artiste, je n’aurais pas de problème particulier sur ce plan. Car je crois que la principale occupation des artistes est de créer, quelles que soient les conditions. Même dans des périodes extrêmement difficiles, un artiste peut produire de grandes œuvres d’art.

Saisissez donc l’occasion d’un moment historique difficile pour créer. Pour conclure, puisque vous avez évoqué la crise culturelle, pensez-vous que nous vivons une période faste pour l’art et la musique?
Étant de nature enthousiaste, je vis mon époque avec beaucoup d’enthousiasme. Je n’ai jamais diabolisé Spotify ou des outils similaires, j’aime autant le vinyle que le streaming, je me considère même comme chanceux, car je peux avoir à la fois le vinyle et le streaming (qui n’existait pas auparavant). À mon avis, nous vivons une époque très créative et intéressante, tant sur le plan musical que dans le domaine des arts visuels: je suis convaincu que l’art et la créativité ne sont jamais vraiment en crise. C’est le schéma qui est en crise, mais l’artiste fait toujours de l’art, un musicien peut composer une chanson même s’il est le dernier homme sur terre, la créativité est innée chez l’homme, et c’est ce qui compte. La créativité, c’est comme la respiration: on ne peut pas s’en passer.

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