Alice Pasquini: "Je fais du street art parce que je suis à la recherche d'un art véritable, en contact avec les gens".

Alice Pasquini, alias Alicè (Rome, 1980), est une artiste de rue internationalement reconnue: ses œuvres monumentales d’art urbain sont disséminées dans le monde entier. L’artiste est la protagoniste de Beyond the Wall: Art and Context, un atelier en ligne qui fait partie du projet de la collection Peggy Guggenheim, en collaboration avec Swatch Art Peace Hotel, intitulé Overcoming. Pratiques artistiques pour un nouveau présent. Partant d’une réflexion sur la transformation et la régénération urbaine à travers l’étude de différentes techniques et la conception d’une ou plusieurs œuvres d’art public, l’atelier vise à analyser ce que signifie “faire” de l’art de la rue, sous quelles formes l’art de la rue se manifeste et quelle a été l’évolution de ce langage artistique des années 1950 à aujourd’hui. En attendant, nous avons parlé à Alicè de son art, des principaux thèmes qu’elle aborde dans ses œuvres et de ce qui l’a poussée à peindre dans la rue. L’interview est réalisée par Ilaria Baratta.

Alice Pasquini

IB. Réappropriation des espaces publics: il est de plus en plus courant de revaloriser des lieux de dégradation moins fréquentés par la communauté locale en créant des œuvres de street art à grande échelle dans le but de créer des lieux de partage et de socialisation, en particulier pour les jeunes. Est-ce donc le nouveau présent de l’art ?

AP. Eh bien, c’est le cas depuis les années 1970 maintenant. Je pense que c’était en partie comme ça avant, grâce à des recherches qui ont amené les artistes à sortir, à aller au-delà de l’atelier. Pour ne pas prendre l’exemple classique des graffitis dans les grottes, je dirais en fait que les impressionnistes disaient déjà “ le monde est mon atelier ”: je vois un lien avec toute la recherche dans l’art contemporain. Il y a aujourd’hui un rapprochement avec la peinture qui était presque une chose lointaine, passée, du moins lorsque j’étais étudiant à l’Académie des Beaux-Arts. L’art, c’était plutôt l’art vidéo, l’action, les happenings, et la peinture était quelque chose qui semblait presque dépassé, à part la transavantgarde des années 1980. Mais aujourd’hui, pour la première fois dans l’histoire de l’art et de l’humanité, les artistes du monde entier peignent des surfaces de plus en plus grandes. En ce qui concerne la valeur sociale de l’art public, oui, elle est étroitement liée: il est clair que le mur n’est pas une toile et que la ville n’est pas un atelier, il y a donc une responsabilité et l’inspiration vient aussi de la forme du mur, de sa couleur, de son histoire (ce n’est pas la même chose de peindre à Singapour ou à Moscou). C’est un art que je préfère appeler contextuel, c’est-à-dire qu’il est né pour ce lieu spécifique et c’est tout.

L’art comme antidote à l’exclusion et à la marginalisation: êtes-vous d’accord avec cette définition? Pourquoi l’art de la rue, comparé à l’art traditionnel, semble-t-il mieux adapté à cet objectif ?

Je parle à partir de ma propre expérience. Pour moi, sortir dans la rue pour peindre était une réaction à l’académisme et à l’idée de l’art telle qu’elle était enseignée à l’époque, lorsque j’étais étudiant. Aujourd’hui, je ne sais pas ce qu’il en est, mais en gros, il y a peu de perspectives d’avenir et en partie de la méfiance et une considération de l’art seulement avec un grand A. Dans ce pays où l’art devrait être la première chose et devrait également être protégé, de nombreuses formes d’art sont considérées comme de seconde classe: je parle de l’illustration, de la bande dessinée (en fait, nos meilleurs illustrateurs vont souvent à l’étranger, à Paris ou dans d’autres endroits de ce genre, parce qu’ici il n’y a pas de place pour des formes qui ne sont peut-être pas encore très académiques). Les choses changent, entre le moment où j’ai commencé à peindre dans la rue et aujourd’hui: je suis moi-même mentionné dans l’encyclopédie Treccani sous la rubrique artiste, mais il est clair que le moment de la rupture avec l’académisme est passé, il est révolu, alors que j’ai vécu le moment où le phénomène explosait dans le monde entier. Il est certain qu’il y avait peu de gens, et surtout peu de femmes, dans le monde qui s’y adonnaient. C’était un phénomène qui voulait rompre avec l’académisme, mais surtout qui voulait peindre où l’on voulait, ce que l’on voulait, quand on voulait. Ce genre de réappropriation par les artistes, comme souvent dans l’histoire de l’art, découle de l’invention technique, en l’occurrence le spray, qui permet de faire très vite et très grand. Cela change complètement l’approche. En ce qui me concerne, ce qui m’a poussé à peindre dans la rue, c’est la recherche d’un art en contact avec les gens, un art réel, l’idée d’une représentation intime dans un espace public, travailler sur des surfaces vulnérables plutôt que sur des murs blancs et sur des murs qui ont déjà une histoire (une inscription, un signe), sur des portes rouillées, travailler sur l’abandon pour le rendre plutôt à la ville.... c’est une toute autre forme. Aujourd’hui, le street art est devenu un courant dominant (pensez aux superstars, aux ventes aux enchères, aux galeries) ; ce phénomène a généré pour la première fois un marché parallèle, qui remet en question les règles du marché de l’art, mais ce sont surtout les gens, les citoyens, qui se sont passionnés pour cette forme d’art et en sont devenus les promoteurs par le biais des médias sociaux et d’internet. Aujourd’hui, nous parlons de plus en plus de réaménagement, en utilisant le terme “street art”, mais il y a encore, à mon avis, beaucoup de confusion sur ce qu’est la liberté d’expression, l’art public.

Une œuvre d’Alice Pasquini

Une œuvre d’Alice Pasquini

Une œuvre d’Alice Pasquini

Quelle est, selon vous, la différence entre le street art et l’art public ?

A part le terme street art que je n’aime pas, il a été inventé parce qu’il fallait rendre acceptable une pratique, comme s’il y avait une différence... En fait, le street art ne signifie rien pour moi. Quand j’ai commencé, cela s’appelait le graffiti, puis il y a eu un moment dans les années 2000 où, après la génération de Basquiat et Haring, on est arrivé à la période post-graffiti, avec le développement des affiches, des pochoirs et de toutes ces formes qui n’étaient plus seulement du lettrage; une figuration qui semblait dépassée et qui, au contraire, renaissait, trouvait aussi un espace. Pour moi, cet art n’est pas le débordement d’un artiste et de son narcissisme, mais devient une interaction avec l’espace public, rappelant qu’un mur est un mur, pas une toile, et qu’il y a des gens qui vivent dessus. Aujourd’hui, alors que depuis plus de quinze ans c’est devenu mon métier et que j’ai été sollicité dans le monde entier pour réaliser de grands murs, maintenir le romantisme initial signifie travailler sur des expériences plus sociales, donc avec les immigrés qui arrivent ici, mais aussi avec les Italiens qui ont émigré à l’étranger, ou à l’intérieur d’une prison ou sur un vrai mur frontalier, ou encore organiser un festival dans un village abandonné de Molise. Disons que pour moi, cet art, aujourd’hui à la mode, sert à mettre en lumière certaines situations. Et sur la raison de la rupture initiale... évidemment, comme toute forme d’art, il y a un reflux, non ?

Le but d’un street artist est donc toujours d’exprimer sa position au monde à travers l’art?

Je ne pense pas, ce qui amène les artistes à travailler dans un espace public est une motivation personnelle qui change. Je parle en mon nom propre, pas au nom de tous les artistes de rue du monde. Mon but était et est toujours de faire de l’art en contact avec des personnes réelles et aussi d’apporter une vision féminine, car souvent la représentation des femmes dans la scène urbaine en général est utilisée et proposée par des hommes. Au risque d’être banale, je voulais parler des sentiments humains et des choses qui nous lient réellement: en voyageant autour du monde, dans de nombreux pays, j’ai réalisé à quel point les choses qui nous unissent sont plus nombreuses que celles qui nous divisent. L’art contemporain est souvent dominé par le cynisme et le langage cynique (où cynique signifie critique et donc... plus attrayant), alors que pour moi, les villes ont besoin de quelque chose de tout à fait différent.

En ce qui concerne votre art personnel, quels sont les thèmes que vous abordez principalement? Beaucoup de vos œuvres représentent des femmes: ce choix est-il lié à une sorte de solidarité avec le monde féminin ou à d’autres raisons ?

Tout mon art parle de sentiments humains et de relations entre les gens, comme je l’ai dit, dans la mesure où il s’agit de représenter quelque chose d’intime et de personnel dans un espace public. Une scène à laquelle on peut s’identifier par humanité, comme c’est souvent le cas pour le spectateur, ce qui est une chose incroyable. Je reçois des mails de gens qui s’identifient à ce sentiment. Quant aux femmes, cela me fait sourire que l’on me demande, à moi qui suis une femme, pourquoi je peins des femmes, alors que tous les peintres de l’histoire de l’art ont toujours peint des femmes. Peut-être est-ce étrange parce qu’il y a un manque de narration d’un point de vue féminin? Qui sait ?

Quelles sont les œuvres que vous appréciez particulièrement? Ou dont vous êtes particulièrement fière ?

Dans mon livre monographique récemment achevé, j’ai compté au moins un millier de murs. Pour moi, ce qui compte dans cet art, c’est le moment où il est réalisé, car contrairement à l’art qui est produit seul dans un atelier, cet art évolue au contact des gens et de l’histoire du quartier. Et il continue d’évoluer même lorsque l’artiste s’en va. Ce type de pratique est toujours lié à la réalité, je crois.

Pour conclure, quels sont vos projets futurs ?

Je peins dans de nombreux endroits. Par une série de coïncidences, une jeune fille m’a vu à la télévision et m’a invité dans un tout petit village isolé de Molise, sans se rendre compte qu’elle m’écrivait depuis le village de mon grand-père. Par cette incroyable coïncidence, j’y suis retourné et je l’ai trouvé complètement abandonné. Molise est une terre qui symbolise l’Italie oubliée et j’ai commencé à peindre des scènes du pays d’autrefois sur les portes des maisons abandonnées. Les touristes ont commencé à revenir. À partir de cette idée, nous avons pensé que l’art pourrait peut-être sauver ce pays et être un symbole pour de nombreux pays d’Italie, comme le Portugal, l’Espagne, pour n’en citer que quelques-uns. Et c’est ce qui s’est passé: pendant plus de six ans, nous avons fait venir plus de trente artistes internationaux pour travailler sur place ; pas seulement sur les murs, mais aussi sur des installations, des interventions, et maintenant le village renaît grâce aux touristes, grâce aux étrangers qui ont acheté des maisons, grâce à la solidarité qui s’est formée autour d’une idée de résistance basée sur l’art, de sorte que tout le village s’est retroussé les manches et a décidé de ne pas disparaître en misant sur les artistes.

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