Reportage à Modenantiquaria 2025 : notre sélection des œuvres les plus intéressantes (avec prix)

Modenantiquaria est l’un des événements les plus importants sur la scène italienne et internationale des antiquités, et l’édition 2025, qui se déroulera du 8 au 16 février, ne décevra pas les attentes des passionnés et des experts du secteur. La foire, qui se tient chaque année à Modena Fiere, a accueilli cette année des œuvres d’art et des objets de collection toujours de grande valeur. Pour les amateurs d’art et d’antiquités, Modenantiquaria représente une occasion importante d’admirer et d’acheter des objets qui racontent l’histoire de notre culture, de la peinture à la sculpture, en passant par le mobilier d’époque et les objets de design. Mais ce n’est pas seulement la beauté esthétique qui retient l’attention : la foire est aussi une fenêtre privilégiée pour découvrir à quel point le marché des antiquités peut être varié et fascinant, offrant chaque année des œuvres de maîtres inconnus, mais aussi de véritables raretés qui risquent d’échapper à la mémoire historique si elles ne sont pas soigneusement conservées.

Dans cette édition, nous avons sélectionné quelques-unes des œuvres les plus intéressantes, en accordant une attention particulière à celles qui racontent l’âme et l’histoire de l’Émilie. L’art de l’Émilie, au cœur de Modenantiquaria, est en fait un univers riche en traditions et influences artistiques allant de la Renaissance au Baroque, mais aussi des techniques modernes à l’art contemporain. Chaque œuvre présentée à la foire a sa propre histoire et sa propre fascination. La sélection de Finestre sull’Arte cherche à mettre en valeur non seulement l’importance historique des œuvres, mais aussi la variété et la richesse des pièces. Voici donc notre sélection, toujours accompagnée, comme le veut la tradition, des prix des œuvres.

1. Giovanni Antonio Bazzi, Vierge à l’enfant avec des saints dite Pala Tacoli (vers 1490 ; tempera sur toile, 224 x 138 cm). Demande : 800 000 euros. Présenté par : Cantore Antique Gallery

L’œuvre probablement la plus chère de la foire, présentée par Cantore Galleria Antiquaria, est l’une des plus importantes de l’Émilie du XVe siècle encore en mains privées : il s’agit du Retable de Tacoli (ou Retable Grossi) de Giovanni Antonio Bazzi (documenté à Bologne, Parme et Reggio Emilia de 1487 à 1518), un peintre émilien portant le même nom que le plus célèbre peintre piémontais de la Renaissance surnommé “il Sodoma”. Le tableau provient de l’oratoire détruit de la Conception de la Sainte Vierge à Reggio Emilia : Il est connu sous le nom de “retable Grossi” parce qu’il appartenait à la famille du même nom qui l’a acheté en 1960, mais il est plus juste de l’appeler “retable Tacoli” car on pense que le commanditaire était le noble de Reggio Emilia Ludovico Tacoli, qui avait le patronage de l’église de San Giacomo, également détruite, près de l’oratoire de la Conception. L’œuvre est l’un des rares témoignages de ce peintre insaisissable qui révèle des dettes évidentes à l’égard de la peinture ferraraise d’Ercole de’ Roberti et de Francesco del Cossa. L’œuvre a été définitivement attribuée à Bazzi en 2014 par l’érudit Antonio Buitoni, qui a comparé le Retable de Tacoli avec deux fresques de San Giovanni Evangelista à Parme portant la signature de l’artiste.

2. Ludovico Carracci, Suzanne et les vieillards (huile sur cuivre, 34 x 24 cm). Demande : 160 000 euros. Présenté par : Les Deux Tours

Il s’agit d’une réplique réduite de la grande toile de Ludovico Carracci (Bologne, 1555 - 1619) qui se trouve actuellement dans la collection de BPER Banca. Cette dernière a été attribuée à Carracci par Carlo Volpe : selon l’érudit, il s’agit du tableau que Carlo Cesare Malvasia, dans sa Felsina pittrice, a déclaré avoir vu en 1678 “à Venise, dans la maison Vidman”. Le tableau, qui représente l’histoire biblique de Suzanne, était dès le départ destiné à la dévotion privée et se caractérise par une dramaturgie et une sensualité puissantes. La scène, qui dépeint l’insidiosité des deux vieillards à l’égard de Suzanne dans le jardin, est exécutée avec un réalisme qui souligne la sensualité du corps de la jeune femme, objet de la convoitise des deux vieillards, mais qui contraste également avec sa honte et sa douleur. La position de Susanna, avec sa nudité exposée et son geste défensif, souligne le conflit entre le désir des deux vieillards et la résistance de la jeune fille. Cependant, l’intention moralisatrice est évidente dans le choix d’accentuer l’aspect violent de la scène pour souligner la leçon de vertu que l’histoire de Susanna transmet, un message qui est également renforcé par la présence de l’ange en pleurs. En outre, la référence à la pose de Suzanne par Michel-Ange, semblable à celle d’Ève dans la chapelle Sixtine, montre un emprunt stylistique évident à Michel-Ange.

3. Carlo Bononi, Le génie des arts (1621-1622 ; huile sur toile, 120,5 x 101 cm). Demande : 150 000 euros. Présenté par : Goldfinch Fine Arts

Parmi les œuvres les plus importantes de la production de Carlo Bononi (Ferrare, 1569 - 1632), Le génie des arts, qui figure également en couverture de la grande exposition consacrée à l’artiste ferrarais qui s’est tenue en 2018 au Palazzo dei Diamanti. est représentée par un jeune homme ailé, la tête couronnée de laurier, déposant une autre couronne de laurier sur plusieurs objets, à savoir un instrument à cordes (probablement un alto), un livre, la tête d’un buste, une palette, un luth, un trombone, un livre de musique, une équerre et un compas. Autant d’éléments qui permettent d’identifier le personnage comme le Génie des Arts qui protège et exalte les arts mécaniques et libéraux. Attribuée à Bononi dès les années 1960 par Hermann Voss, elle présente de nettes influences caravagesques et peut donc être datée d’une période postérieure au séjour présumé de Bononi à Rome. Giovanni Sassu l’a qualifiée de “chef-d’œuvre”, “digne de rivaliser en sensualité avec les autres dérivations connues du prototype du Caravage”, à savoir l’Amor vincit omnia, aujourd’hui conservé à la Gemäldegalerie de Berlin.

4. Michelangelo Anselmi, Vierge à l’enfant, Sainte Catherine et Sainte Claire (vers 1530 ; huile sur panneau, 39,8 x 35,7 cm). Demande : 150 000 euros. Présenté par : Carlo Orsi Gallery

Michelangelo Anselmi (Parme, 1492 - Lucques, 1554) est l’un des artistes les plus raffinés et les plus distingués du début du XVIe siècle à Parme. Son œuvre se caractérise par une fusion de styles, d’abord influencée par Corrège et la peinture romaine, puis enrichie par son contact avec Parmigianino. Dans la période postérieure au début des années 1920, au cours de laquelle le langage pictural d’Anselmi devient plus complexe, se trouve le petit panneau apporté à Modenantiquaria par Carlo Orsi, qui témoigne de son évolution vers une phase plus mature et sophistiquée de son art, surtout après le retour de Parmigianino en Émilie à la suite du sac de Rome. Le tableau en question est documenté depuis le milieu du XIXe siècle, lorsqu’il a été signalé dans la collection de Sir Francis Baring, premier baron de Northbrook, membre de la célèbre dynastie bancaire anglaise. À ce stade, la peinture d’Anselmi se caractérise par une grâce et un raffinement stylistique qui le placent parmi les principaux représentants de la Renaissance émilienne, aux côtés du Corrège et du Parmigianino. Son art reflète l’élégance et la finesse des plus grands courants artistiques de l’époque, tout en conservant un lien étroit avec la tradition locale et son évolution.

5. Giovanni Baglione, La Trinité couronne la Vierge en présence d’anges, de saints et de figures des limbes (huile sur toile, 95 x 135 cm). Demande : 120 000 euros. Présenté par : Giusti Antichità

À l’occasion de Modenantiquaria, la galerie Giusti Antichità de Formigine présente une intéressante œuvre inédite de Giovanni Baglione. Il s’agit d’un modèle à l’huile anticipant une fresque absidiale, probablement destinée à une église importante. La scène, symétrique et solennelle, représente la Vierge couronnée par le Christ, le Père éternel bénissant l’acte. Diverses figures peuplent l’œuvre : on y trouve, par exemple, Adam et Ève au premier plan, Noé élevant l’arche, sa femme Naaman, bref, divers personnages de l’Ancien et du Nouveau Testament, la Vierge jouant le rôle d’intermédiaire entre les deux temps du monde. Selon l’érudit Massimo Pulini, qui a étudié le tableau, “ce déploiement de présences sera utile pour trouver la destination originale de ce modèle, que je crois avoir été exécuté, et habilement inventé, par Giovanni Baglione, un important artiste romain, rival du Caravage (du moins dans le célèbre procès qu’il intenta à Merisi en 1603) et biographe de nombreux artistes travaillant comme lui à Rome au début du XVIIe siècle”. Selon lui, “nous nous trouvons face à une généreuse effusion d’idées qui nous permet de comprendre l’importance de la commande et l’œuvre contient, admirablement, vingt tableaux en une seule toile, sans doute le résultat de nombreux dessins et études individuelles qui ont permis à l’auteur d’aborder la tâche avec beaucoup d’élégance et de professionnalisme”. Dans la liste des œuvres disparues ou détruites avec le bâtiment qui les abritait, ce sujet n’est pas mentionné, mais nous savons que Baglione a réalisé des retables avec un thème similaire ou avec une histoire dont le protagoniste est l’Immaculée Conception". L’œuvre peut être datée de la fin des années 1720 et est apparentée à d’autres créations similaires de l’artiste, comme les tableaux des musées du Capitole, du palais Sorbello de Pérouse et de Gravedona. Le numéro d’inventaire visible sur la toile suggère une provenance d’une prestigieuse collection romaine, peut-être Barberini ou Colonna. L’attribution est confirmée par le spécialiste de Baglione Michele Nicolaci.

6. Giuseppe Molteni, Portrait d’une femme noble (1835-1840 ; huile sur toile, 234 x 172 cm). Demande : 100-150 000 euros. Soumis par : Fallavena

Ce portrait, reconnu comme l’œuvre de Giuseppe Molteni (l’un des plus grands portraitistes du XIXe siècle) par des spécialistes tels que Fernando Mazzocca et Fabio Massaccesi, représente une femme élégante dans son salon. La lumière, filtrant à travers une fenêtre partiellement dissimulée par un lourd rideau aux reflets dorés irisés, l’éclaire avec un effet théâtral, presque comme si elle se trouvait sur une scène. La dame est confortablement installée sur un canapé recouvert de brocart doré, orné de glands verts, tandis que de sa main gauche, recouverte d’un gant, elle se brosse le menton et pose naturellement son coude sur une petite table ovale en bois. Cette dernière, caractérisée par un plateau en marbre et un pied décoré dans le style Empire de cariatides féminines, de festons et de têtes de lion en laiton, abrite également une lampe et un vase de fleurs, parmi lesquelles se distinguent de délicates campanules bleues. Un luxueux manteau de fourrure y a été négligemment déposé. Le visage incliné et l’expression souriante, la femme tourne son regard directement vers le spectateur, semblant parfaitement à l’aise dans l’élégance intime de sa résidence bourgeoise, raffinée mais sans ostentation. L’œuvre présentée par Fallavena a un caractère monumental, ce qui n’empêche pas Molteni de s’attarder sur le rendu méticuleux des matériaux et des objets - du mobilier aux textiles en passant par les fleurs -, illustrant ainsi l’habileté technique acquise au cours d’années d’études académiques. Un détail distinctif est le turban porté par le protagoniste, un accessoire exotique que Molteni utilise dans de nombreuses œuvres, comme dans le Portrait d’Eugenia Attendolo Bolognini Vimercati Sanseverino (Sant’Angelo Lodigiano, château des Attendolo Bolognini), la Rebecca biblique (Milan, musée Poldi Pezzoli) et la plus évocatrice Esclave au harem (collection privée). La datation du tableau peut être placée autour des années 1830, ce qui, selon Fabio Massaccesi, se retrouve dans les comparaisons avec des œuvres telles que le Portrait en demi-longueur de Maria Luigia (collection privée) et le Portrait de Rosina Poldi Pezzoli (Milan, collection Trivulzio).

7. Artiste de l’Adriatique, Dalle avec petits arcs et animaux (fin du XIIIe siècle ; pierre d’Istrie). Demande : environ 100 000 € Présenté par : Santa Barbara Art Gallery

Cette dalle avec des arcs et des animaux, originaire de la région adriatique et réalisée en pierre d’Istrie, vient de réapparaître sur le marché et n’a donc pas encore fait l’objet d’études. La décoration de cette dalle (probablement placée à l’origine pour décorer des fonts baptismaux ou une transenna à l’intérieur d’un édifice de culte) est en effet compatible avec les productions de la Dalmatie, de l’Istrie et de la haute Adriatique en général au XIIIe siècle. Sous les palmes, des couples de paons se font face, animaux qui font allusion à la résurrection du Christ et qui reviennent fréquemment dans les décorations du haut Moyen Âge : une ancienne croyance voulait en effet que la chair des paons soit incorruptible. La représentation de couples se faisant face tout en buvant dans une coupe, la coupe de l’immortalité, est un autre élément commun à ce type d’objet.

8. Simone Cantarini, Saint Jean-Baptiste (huile sur toile, 70 x 52 cm). Demande : 95 000 euros. Présenté par : Altomani & Sons

Le Saint Jean-Baptiste de Simone Cantarini (Pesaro, 1612 - Vérone, 1648) présenté par Altomani & Sons a fait l’objet dans le passé d’études de Massimo Pulini, qui a fait remonter l’œuvre à l’activité du peintre de Pesaro. Le tableau a également été présenté lors d’une exposition à Rimini en 2013 (l’œuvre est également reproduite sur la couverture du catalogue). Le Jeune Baptiste était un sujet souvent fréquenté par Simone Cantarini : un dessin préparatoire au crayon de l’œuvre est également conservé à la Gallerie dell’Accademia de Venise. Le tableau était autrefois attribué au Toscan Ottavio Vannini : “La clarté des surfaces et la texture épidermique du Saint Jean-Baptiste prêtent en effet à confusion avec le naturalisme tempéré du peintre toscan”, écrit Pulini, “mais le classicisme serein qu’il contient a un air bolonais et dialogue plus étroitement avec l’équerre formelle des œuvres de Michele Desubleo”. Lorsqu’on l’écoute sur le vif, l’œuvre entonne l’une des voix les plus limpides de Cantarini, polie et polie, presque ténor, mais si l’éloquence du visage pictural superposé au visage graphique ne suffisait pas, il faut chercher parmi les images de Simone l’écho insistant de la pose du Baptiste. Nombreux sont les cas où l’artiste utilise le même bras, la même main qui serre le pouce à l’articulation de l’index".

9. Bastiano da Sangallo dit Aristotile, Sainte Famille avec saint Jean (huile sur panneau, 70 x 101 cm). Demande : 34 000 euros. Présenté par : Ars Antiqua

Ce tableau, présenté par Ars Antiqua, est donné par Alessandro Delpriori à Bastiano da Sangallo, dit Aristotile (Florence, 1481 - 1551). Jusqu’à ce nouvel éclairage, l’œuvre était attribuée à un maître florentin anonyme, appelé “Maître de la Lamentation de Scandicci”, en raison de sa parenté avec des œuvres telles que la Lamentation sur le Christ mort de l’église de San Bartolomeo à Scandicci. Bastiano da Sangallo, petit-fils des célèbres Giuliano et Antonio da Sangallo, est connu pour sa carrière multiforme d’architecte, de scénographe et de peintre. Élève du Pérugin et de Michel-Ange, sa carrière l’a conduit à Rome puis à Florence, où il a marqué la scène théâtrale et architecturale, notamment par son travail sur la Rocca Paolina à Pérouse et le chantier du Palazzo Pandolfini à Florence. Sa peinture, en revanche, témoigne d’une participation active aux courants artistiques florentins de l’époque, notamment aux influences de Raphaël et d’Andrea del Sarto. Dans ce tableau, qui représente la Vierge à l’enfant avec saint Jean-Baptiste enfant, la douceur des formes typique de la fin du XVe siècle est encore évidente, mais elle est enrichie par une relation plus complexe entre les figures et l’espace, qui est influencée par les premières œuvres de Michel-Ange et de Raphaël. L’utilisation de l’ombre sur les visages, annonçant la Passion, et l’attention portée au portrait, confèrent aux figures une profondeur émotionnelle et une dimension symbolique qui sont des signes de la maturité stylistique de l’artiste.

10. Alfonso Lombardi, Saint Jérôme pénitent (1522-1525 ; terre cuite, 48 x 33 x 20 cm). Demande : 90 000 euros. Présenté par : Ossimoro Galleria d’Arte

La belle terre cuite d’Alfonso Lombardi (Ferrare, 1497 - Bologne, 1537) présentée sur le stand d’Ossimoro est définie par l’érudit David Lucidi comme un “témoignage inédit et précieux d’une parenthèse de travail du célèbre sculpteur émilien dans le territoire de Faenza entre 1520 et 1530”. L’œuvre provient de la collection de la villa des comtes Morsiani à Bagnara di Romagna, l’une des plus anciennes familles nobles de la région. La sculpture présente une ressemblance frappante avec un Saint Jérôme similaire à Castel Bolognese et présente une coupe régulière à la base du ventre, une technique typique utilisée dans la statuaire en argile pour faciliter la cuisson et l’assemblage. Cela suggère que l’œuvre faisait à l’origine partie d’une statue en pied, probablement placée dans une niche ou insérée dans un retable. La sculpture n’a pas été conçue pour être vue de chaque côté, comme le montre le dos creusé et modelé en haut-relief. La technique d’exécution employée, avec l’utilisation d’un noyau éphémère et de trous pour la cuisson, est typique de la Renaissance et est décrite par Baldinucci. Certaines parties plus délicates, comme le bras gauche aujourd’hui manquant, ont pu être modelées séparément et ajoutées ultérieurement. L’œuvre présente des traits distinctifs du style d’Alfonso Lombardi, connu pour réutiliser des modèles physionomiques et anatomiques dans plusieurs œuvres. En effet, le visage de saint Jérôme présente de fortes similitudes avec d’autres de ses figures, comme l’Apôtre du Transit de la Vierge et le San Rocco de Faenza. Cette pratique est confirmée par l’inventaire de l’atelier de Lombardi, qui conservait à sa mort plusieurs têtes en terre cuite, probablement des prototypes destinés à être reproduits dans différentes compositions.

11. Louis Dorigny, Danaé (huile sur toile, 151 x 236 cm). Demande : 40 000 euros. Présenté par : Fondantico di Tiziana Sassoli

Louis Dorigny (Paris, 1654 - Vérone, 1742), peintre français actif entre le XVIIe et le XVIIIe siècle, fut un grand protagoniste de la décoration baroque, surtout en Vénétie. Issu d’une famille d’artistes, il se forme à Paris à l’Académie de Charles Le Brun avant de s’installer à Rome en 1672, où il étudie les grands cycles baroques, influencé notamment par Giovan Battista Gaulli (Baciccio). Après avoir voyagé entre l’Ombrie et la Romagne, il s’installe à Venise en 1677, puis à Vérone à partir de 1690. Il travaille également à Padoue, Vicence, Trévise, Udine et Vienne. Son style initial est influencé par la peinture vénitienne sombre, mais il évolue rapidement vers un classicisme élégant, comme en témoignent ses œuvres véronaises pour la chapelle du Collegio dei Notai (telles que l’Annonciation de 1697). Dans les premières années du XVIIIe siècle, sa peinture devient plus abstraite et décorative, comme en témoigne La récolte de la manne dans le désert (1704) peinte pour l’église San Luca de Vérone. La Danaé présentée par Fondantico, comparable à La Cueillette, montre l’influence du Titien, de Michel-Ange et du Tintoret. Selon Pietro Di Natale, qui a étudié cette œuvre, la Danaé était probablement destinée à un mur d’un grand salon, et constitue un ajout important au catalogue de Dorigny, reconnu comme l’un des meilleurs décorateurs baroques et le peintre français le plus influent à Venise à l’époque.

12. Mario De Maria : La Luna batte sulle cancrene dei muri (1906 ; huile sur toile, 56 x 73,5 cm). Demande : 50 000 euros. Présenté par : Fin de Siècle par Edoardo Battistini

Récent protagoniste de l’exposition monographique sur Mario De Maria, alias “Marius Pictor” (Bologne, 1852 - 1924), organisée au Museo Ottocento Bologna, La Luna batte sulle cancrene dei muri est l’un des plus grands chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art. l’un des plus grands chefs-d’œuvre de la production de cet artiste singulier, amoureux de la lune, protagoniste de nombre de ses compositions les plus intéressantes et les plus reconnaissables, mais aussi amoureux de Venise, où se déroule la toile (l’œuvre est en effet également connue sous le nom de Serenata a Venezia). L’œuvre est signée et datée “Venice, 1906”.

13. Giacomo De Maria, Lamentation sur le Christ mort (années 1890 ; terre cuite polychrome, 65 x 100 x 55 cm). Demande : 38 000 euros. Présenté par : Iotti Antiquities

Récemment réapparue sur le marché des antiquités, cette Lamentation sur le Christ mort de Giacomo De Maria (Bologne, 1762 - 1838), en excellent état de conservation, sculpture singulière en terre cuite néoclassique, est composée d’un seul bloc, formé par une plate-forme en terre cuite soutenue par un plateau en bois, sur lequel se déploient les six personnages : le Christ mort au centre, Joseph d’Arimathie (ou Nicodème) le soutenant, la Vierge pleurant son fils, Marie-Madeleine et deux cinquièmes putti tenant deux instruments de la passion, à savoir l’éponge et la lance. Dans l’Antiquité, l’œuvre pouvait être contenue dans un scarabée ou un coffret de verre et se trouvait probablement dans une résidence aristocratique, sans doute dans une chapelle domestique ou au-dessus d’un petit autel ou d’une niche. Selon Andrea Bacchi et Davide Lipari, qui ont étudié l’œuvre, cette Lamentation peut être comparée à des compositions similaires des années 1880 et 1890 trouvées dans le sanctuaire de la Sainte Vierge de San Luca à Bologne et dans l’église de San Bartolomeo à Bondanello, qu’Antonella Mampieri a fait remonter à De Maria lui-même. La composition, écrivent Bacchi et Lipari, est dominée par des éléments tels que “les lignes perpendiculaires, le contrôle émotionnel des personnages, le traitement à l’ancienne des coiffures et des barbes”. Autant de caractéristiques qui “trahissent l’arrivée du goût néoclassique à Bologne et témoignent de l’expérience de formation de De Maria à Rome entre septembre 1786 et août 1787, grâce à laquelle il a pu entrer en contact avec l’œuvre d’Antonio Canova”.

14. Fabio Cipolla, Le modiste (1891 ; huile sur toile, 112 x 163 cm). Prix : 30 000 euros (vendu). Soumis par : Paolo Antonacci

Le tableau de Fabio Cipolla (Rome, 1852 - 1935) présenté par Paolo Antonacci (et déjà vendu) est une œuvre typique de la production de cet artiste de la fin du XIXe siècle qui s’est spécialisé dans la peinture de genre, préférant les sujets quotidiens. L’œuvre, datée de 1891 et dont une esquisse signée est apparue récemment sur le marché des antiquités romaines, représente cinq jeunes femmes dans un décor d’intérieur, réunies autour d’une table dans une atmosphère animée et joyeuse. Les jeunes filles, manifestement des modistes, sont occupées à orner de plumes, de nœuds et de fleurs des chapeaux de dames, exécutant leur travail avec légèreté tout en conversant et en souriant dans leur atelier. Avec une extraordinaire habileté, l’artiste les a représentées dans différentes poses : certaines assises, d’autres debout, l’une d’entre elles vue de dos. Sur le côté droit du tableau, on aperçoit de hauts perchoirs sur lesquels sont disposés les chapeaux terminés. L’éclairage est saisissant : la lumière douce qui filtre à travers la grande fenêtre de droite contraste avec la lueur chaude d’une lampe qui éclaire la scène principale. Les jeunes femmes, les cheveux ramenés sur la nuque, portent des vêtements typiques de la mode de la fin du XIXe siècle : de longues jupes en tissu sombre serrées à la taille par des ceintures et d’élégants chemisiers aux manches larges et aux cols hauts.

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