Miart 2025, les 15 œuvres les plus représentatives de la foire (avec les prix)

Du 4 au 6 avril 2025, Milan revient au centre de la scène de l’art contemporain avec la 29e édition de miart, la foire internationale qui réunit artistes, galeristes, collectionneurs et amateurs du monde entier. Accueillie à l’Allianz MiCo, la manifestation se confirme comme l’un des événements les plus importants du secteur, avec la participation de 179 galeries provenant de 31 pays et des cinq continents. L’édition de cette année se distingue par le thème Among Friends, inspiré par le centenaire de la naissance de Robert Rauschenberg, célèbre pour sa vision artistique axée sur la collaboration et le dialogue entre différentes disciplines et cultures.

La foire, dirigée cette année encore par Nicola Ricciardi, , est divisée en trois sections principales : Established, dédiée aux grands noms du XXe siècle et aux artistes contemporains établis ; Emergent, qui met en lumière des galeries plus jeunes et des voix émergentes sur la scène internationale ; et Portal, une section expérimentale qui explore des projets novateurs capables de transcender les frontières géographiques et disciplinaires.

Identifier les œuvres les plus représentatives de miart n’est pas chose aisée, mais nous avons sélectionné pour vous 15 œuvres à regarder attentivement qui nous semblent incarner l’esprit et les tendances les plus intéressantes de cette édition. Une fenêtre privilégiée sur les orientations de l’art contemporain. Conformément à la tradition des Finestre Sull’Arte, les œuvres publiées avec des prix.

1) Julian Schnabel, White Dog + Little Dog. Proposé par : Enzo Sperone. Prix : 300 000 euros

Les deux œuvres de Julian Schnabel (New York, 1951) qu’Enzo Sperone apporte à miart (l’autre est Untitled - Chinese Painting, exposée à côté de celle-ci) occupent à elles seules un mur entier et sont parmi les plus chères de la foire (toutes deux coûtent 300 000 euros, malgré la différence de taille : Chinese Painting, de 2005, est en effet une œuvre de trois mètres et demi de haut). Elles font partie d’une série, les “Tarp Paintings”, que l’artiste poursuit depuis les années 1970 : c’est l’un des principaux axes de recherche du grand réalisateur-peintre qui crée ces œuvres monumentales sur des bâches trouvées, qui reprennent vie avec des marques, des taches, des peintures, des insertions d’autres objets. L’art de Julian Schnabel est expressif, matériel et monumental, et ses Tarp Paintings en sont un exemple clair. L’artiste américain se distingue par l’utilisation de matériaux non conventionnels, tels que des céramiques écrasées, desbâches industrielles(tarp), des velours et des surfaces recyclées, qui transforment le support lui-même en une partie intégrante de l’œuvre. Schnabel est un artiste qui défie les conventions picturales, combinant des éléments figuratifs et abstraits dans un style gestuel et impulsif, proche de l’expressionnisme abstrait et du néo-expressionnisme. Ses œuvres véhiculent souvent un sentiment de grandeur et de décadence, évoquant des émotions grâce à des matériaux inhabituels, des coups de pinceau énergiques et une utilisation audacieuse de la couleur.

2. Max Ernst, La ville entière. Proposé par : Umberto Verolino. Prix : 280 000 euros

Laville entière est une œuvre de Max Ernst (Brühl, 1891 - Paris, 1976) appartenant à une série de 12 tableaux réalisés entre 1933 et 1937, caractérisés par un paysage surréaliste reflétant le pessimisme croissant de l’artiste dû à la situation politique de l’Allemagne de ces années-là. L’œuvre originale choisie comme modèle pour une tapisserie, celle présentée à miart par Umberto Verolino, est aujourd’hui conservée à la Peggy Guggenheim Collection de Venise, l’un des plus importants musées d’art européen et américain du XXe siècle en Italie. La tapisserie en question a été tissée à la main par Yvette Cauquil-Prince (1928-2005), une célèbre tisserande belge qui a fondé son atelier à Paris dans les années 1950 et s’est ensuite installée en Corse. Elle était célèbre pour ses collaborations avec d’importants artistes du XXe siècle, en particulier avec Marc Chagall, avec qui elle a réalisé 40 tapisseries. La grande tapisserie de Verolino a également été exposée lors de l’édition 2018 d’Arte Fiera à Bologne.

3. Karel Appel, Flamme Riante. Proposé par : Matteo Lampertico Fine Art. Prix : 260 000 euros

Karel Appel (Amsterdam, 1921 - Zurich, 2006) est l’un des grands noms de l’art du XXe siècle. Peintre, sculpteur et poète néerlandais, connu comme l’un des fondateurs du mouvement artistique CoBrA, il s’est distingué par un art qui fait un usage audacieux de la couleur et utilise des coups de pinceau énergiques et des formes expressives, parfois grotesques. Ses œuvres représentent souvent des figures humaines et animales de manière abstraite et ludique, et témoignent d’un intérêt pour l’art spontané et non conventionnel. L’œuvre Flamme riante présentée à miart par Matteo Lampertico illustre l’un des meilleurs moments de la carrière d’Appel.

4. Mario Schifano, Vue de nuit avec figures. Proposé par Artemisia Fine Art : Artemisia Fine Art. Prix : 150 000 euros

Les œuvres de Mario Schifano (Homs, 1934 - Rome, 1998) sont assez régulièrement présentes dans les foires d’art, car Schifano est toujours l’un des artistes les plus recherchés sur le marché. Cependant, il est toujours agréable de voir l’une de ses peintures monumentales, comme cette Vue de nuit avec figures de deux mètres sur trois, qui est l’une des plus grandes œuvres de cette édition de miart.

5. Alex Katz, Yvonne et Carmen. Proposé par : Monica de Cardenas. Prix : 85 000 euros

Une nouveauté intéressante pour les foires italiennes. Monica de Cardenas présente à Miart deux grandes bandes dessinées d’Alex Katz (New York, 1927) : l’autre, plus petite, coûte 62 000 euros. Connu comme l’un des principaux maîtres du réalisme contemporain américain, Katz est célèbre pour ses représentations à grande échelle de paysages, de fleurs et de portraits, qui se distinguent par l’aplatissement des formes et des détails. Il utilisait souvent des planches de dépoussiérage pour ses toiles, comme celles présentées par Monica de Cardenas, une technique ancienne : elles ont également fait l’objet d’une exposition que la galerie milanaise a proposée au public entre novembre 2024 et février 2025. C’était la première fois que le public italien pouvait voir les dessins humoristiques de l’artiste américain.

6. Atanasio Soldati, Composition. Proposé par : Cardelli et Fontana. Prix : 50 000 euros

Atanasio Soldati (Parme, 1896 - 1953) est considéré comme l’un des pionniers de l’abstractionnisme italien, avec des œuvres caractérisées par des formes géométriques, des couleurs vives et un lyrisme métaphysique. Né à Parme en 1896, il obtient son diplôme d’architecte en 1920 et s’installe à Milan en 1925. À partir de 1931, il entre en contact avec des artistes abstraits et commence à exposer à la galerie Il Milione, se confrontant au cubisme de Léger et de Picasso et étant influencé par Klee, Kandinsky et Mondrian. Après une phase néo-métaphysique, il développe un style autonome après la guerre, proche d’Osvaldo Licini et de Fausto Melotti. Il expose à la Quadriennale de Rome (1936) et aux Biennales de Venise (1948, 1950, 1952). L’œuvre présentée par Cardelli et Fontana est l’un des exemples les plus clairs de la poétique de Soldati, en particulier de sa méditation sur les œuvres de Mondrian.

7. Greta Schödl, Or asémique. Proposé par : Richard Saltoun. Prix : 20-30 000 euros

Fraîchement arrivée à la Biennale de Venise, à laquelle elle a participé en 2024, l’artiste autrichienne Greta Schödl (Hollabrunn, 1929) est une poétesse visuelle qui crée des peintures imitant l’écriture afin d’en saisir la progression, le rythme et les variations. Sur des fonds faits de pigments purs, Schödl utilise des feuilles d’or pour appliquer son écriture particulière. Il s’agit d’une écriture où il n’y a pas de mots distincts : le sens est ainsi simultanément effacé et réécrit, pour symboliser le fait que le langage n’est au fond rien d’autre qu’une construction sociale qui peut être diversement rendue ou interprétée.

8. Emanuele Cavalli, Figure avec Maria Letizia. Proposé par : Carlo Virgilio & C. Prix : 26 000 euros

Figure centrale dans les événements de l’École romaine, Emanuele Cavalli (Lucera, 1904 - Florence, 1981) oriente dès le début ses recherches sur l’étude de la couleur. Auteur, avec Giuseppe Capogrossi et Roberto Melli, du Manifeste du Primordialisme plastique de 1933, il aboutit à une vision toute personnelle de la peinture de l’entre-deux-guerres, dans laquelle le concept de “ton” joue un rôle fondateur et est chargé d’une double fonction : évoquer des résonances musicales et articuler des formes, des volumes et des profondeurs. L’œuvre présentée à Miart a été intitulée par Cavalli lui-même sous le titre générique Figure with Maria Letizia. Il s’agit en fait de sa fille Maria Letizia Cavalli (Anticoli Corrado, 1936 - Pietrasanta, 2021), modèle favori tant en peinture qu’en photographie. Le tableau, dominé par le contraste entre les modulations de violet du chapeau et du fond, la draperie qui vire au rouge et le vert vif du perroquet, appartient à un noyau d’œuvres réalisées entre la fin des années 1960 et le début des années 1970, unies par la présence de la figure féminine flanquée d’un petit animal domestique. L’exécution du tableau est bien documentée dans le journal de l’artiste, conservé dans le “Fonds Emanuele Cavalli” des archives de la Galerie nationale d’art moderne, qui a été reçu en 2020 grâce à une donation de sa fille. L’œuvre a été commencée le 3 mai 1968 : en quatre jours, après “de nombreuses heures de travail continu”, elle a été achevée à l’entière satisfaction de l’auteur. Les entrées du journal, transcrites ici dans leur intégralité, offrent une preuve précieuse de la place centrale qu’occupait l’élaboration de l’accord tonal dans le processus créatif de Cavalli.

9. Luca Bertolo, Sans titre 17#06. Proposé par : SpazioA. Prix : de 9 000 à 22 000 euros

Le stand de la galerie SpazioA, basée à Pistoia, propose plusieurs œuvres de Luca Bertolo (Milan, 1968), à des prix allant de 9 000 à 22 000 euros. Bertolo, l’un des principaux peintres italiens contemporains, est connu pour sa polyvalence stylistique et sa profonde réflexion sur les genres picturaux. Son style se caractérise par une exploration continue du potentiel et des limites de l’image peinte, entre figuration et abstraction, nature morte et paysage. C’est ce qu’illustrent ces paysages sans titre, qui prennent la forme d’une réflexion sur le paysage lui-même et sur la façon dont nous le voyons, car les images de la nature semblent être filtrées à travers un verre sur lequel se déposent des gouttes et des taches de peinture. C’est une recherche que Bertolo mène depuis plusieurs années.

10. Aldo Fiozzi, Pissing Man. Proposé par : ED Gallery. Prix : 20 000 euros

Aldo Fiozzi (Mantoue, 1894 - Milan, 1941) est l’un des très rares dadaïstes italiens : en 1921, il participe avec Julius Evola et Gino Cantarelli à la première exposition du groupe Dada italien qui se tient à la Casa d’Arte Bragaglia de Rome. On peut donc dire que Fiozzi n’a pas eu beaucoup de compagnie. L’œuvre présentée par la galerie ED, avec ses sujets anti-classiques et irrévérencieux, est un exemple typique de la poétique Dada, qui visait à briser toutes les conventions. Fiozzi ne s’est pas privé de cette intention : outre le sujet, les formes géométriques et angulaires, proches de celles des cubistes, étaient également nouvelles pour l’art italien de l’époque. Une véritable rareté. La dernière fois que le public italien a pu voir cette œuvre, c’était en 2009, à l’occasion d’une exposition consacrée aux rapports entre le futurisme et Dada qui s’est tenue à Mantoue, à la Casa del Mantegna.

11. Carlo Prada, Autoportrait. Proposé par : Aleandri. Prix : 20 000 euros

Carlo Prada (Milan, 1884 - Santa Margherita Ligure, 1960) est l’un des noms les moins connus, mais non moins intéressants, du divisionnisme italien. Né dans une famille milanaise, il choisit une carrière artistique contre l’avis de son père et s’inscrit à l’Académie de Brera en 1902. Il débute en 1904 et, en 1906, le marchand Alberto Grubicy remarque son talent et l’intègre à sa galerie. Il participe à d’importantes expositions en Italie et à l’étranger, notamment à Paris en 1912 et 1921, et développe un divisionnisme raffiné et personnel. Après la Première Guerre mondiale, au cours de laquelle il est emprisonné en Allemagne, son art évolue : en 1922, la Galleria Pesaro de Milan lui consacre une exposition qui marque la fin de sa phase divisionniste. Dans les années 1920, il se rapproche du mouvement Novecento et, dans les années 1930, du Chiarismo. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il se réfugie à Santa Margherita Ligure et revient à Milan en 1946. Il expose régulièrement à la Biennale de Venise (1924-1948) et à la Quadriennale de Rome (jusqu’en 1960), recevant de nombreux prix et récompenses. Cet autoportrait aux accents nordiques, où le peintre se représente avec une perspective audacieuse, dans un paysage enneigé et avec un réalisme singulier, est une rareté dans sa production.

12. Romina Bassu, Transfert. Proposé par : Studio Sales. Prix : de 3.500 à 11.000 euros

Le prix indiqué se réfère à toutes les œuvres de Romina Bassu (Rome, 1982) présentées sur le stand de Studio Sales : l’artiste romaine est en effet la seule à exposer sur le stand qui domine la section Portal, la nouvelle expérience de Miart. Des œuvres de différentes tailles, toutes créées spécialement pour l’occasion. Les nouvelles œuvres poursuivent sa recherche artistique qui se concentre principalement sur la représentation des stéréotypes féminins, en analysant comment la culture patriarcale et la société de consommation ont façonné l’image de la femme. À l’aide d’aquarelles et d’acryliques sur toile, Bassu explore des figures féminines inspirées d’images d’époque, souvent dépourvues de traits distinctifs, les transformant en symboles d’une expérience collective et universelle.

13. Francesca Banchelli, Bonfire. Proposé par : Vistamare. Prix : 2 000 € à 10 000 €.

Le stand de Vistamare présente quatre œuvres de Francesca Banchelli (Montevarchi, 1981), dont les prix vont de 2 000 euros pour les plus petites à 10 000 euros pour Bonfire, la plus grande des nouvelles œuvres de l’artiste toscane. Connue pour ses peintures, mais aussi pour ses performances et ses expositions qui mêlent ces deux moyens d’expression de manière toujours surprenante et inattendue, Banchelli se distingue par son expressionnisme onirique qui mêle des éléments réels et surréalistes. Ses œuvres présentent des rencontres entre des figures humaines, des animaux et des éléments naturels, créant des paysages visionnaires qui remettent en question les conventions temporelles et spatiales. Cette fusion de la réalité et de l’imagination invite le spectateur à explorer des dimensions émotionnelles et psychologiques profondes.

14. Cecilie Norgaard, Size matters 1. Demande : 3 600 euros. Proposée par : Matteo Cantarella et Shahin Zarinbal

Cecilie Norgaard (Aarhus, 1991) fusionne l’abstraction et la figuration dans des tableaux qui utilisent des techniques de peinture traditionnelles et explorent les implications entre l’esthétique, la production artistique et les conditions de vie socio-économiques. Dans sa pratique, l’artiste danois construit un vocabulaire de signes et d’images récurrents. Norgaard aborde la peinture comme une discipline structurelle, un système qui se reflète exclusivement à travers lui-même. Il fait preuve d’un calme ironique car, plutôt que de thématiser son travail, il interroge les conditions du médium et ses implications sémantiques par le biais de ses propres formats conventionnels.

15. Edward Kay, Red Delicious. Proposé par : Roland Rosso. Prix : 3 500 euros

Le stand de la Roland Ross Gallery de Margate, Royaume-Uni, se distingue dans la section Emergent avec les œuvres d’Edward Kay (Chester, 1980), qui présente à Milan une série de dix peintures de pommes (elles semblent identiques, mais il s’agit de dix variétés de pommes différentes). La répétition, pour Kay, est symbolique d’un processus en cours, car chaque itération de sa pomme n’est pas une simple copie, mais quelque chose de nouveau qui reconfigure l’espace d’interprétation. Pour Kay, la peinture existe en tant qu’objet discret, en tant que partie d’un flux dans lequel le sens est continuellement renégocié par le jeu des différences. Encore une fois, l’artiste britannique veut suggérer, à travers ces fruits, qu’il n’y a pas de vérité unique, mais un champ de perception ouvert : la peinture devient donc aussi un outil critique, un moyen par lequel l’artiste manifeste son propre engagement. Pour ses pommes, Kay s’est inspiré de la peinture de la Renaissance mais aussi de la sérialité d’une grande partie de l’art contemporain.

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