Le KMSKA, le Musée royal des Beaux-Arts d'Anvers: une nouvelle idée de musée

Est-ce une pure utopie que d’imaginer un lieu où l’art se mêle étroitement, presque comme s’il n’en reconnaissait pas les limites, au jeu et à la découverte curieuse? L’habitude conduit souvent à concevoir l’espace muséal comme un temple majestueux et silencieux, où l’art est sacré, inaccessible, intouchable et voué à pousser le mécène audacieux hors de son monde étroit. Rares sont les cas où il est perçu comme un foyer, à sa mesure et à sa seule mesure, qui non seulement enseigne, mais écoute et étonne. Et il est étonnant de découvrir que dans une ville européenne, Anvers, se dresse un bâtiment à la façade en calcaire avec des colonnes néoclassiques et des bustes sculptés qui incarne exactement ces valeurs et ces désirs. Le KMSKA (Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen - Musée royal des Beaux-Arts d’Anvers) est une maison de l’art, un lieu qui mêle, avec une continuité naturelle, l’ancien et le nouveau, un trésor de découvertes et d’expériences qui, après une histoire extrêmement mouvementée, a rouvert ses portes au public le 24 septembre 2022 après onze ans de fermeture.

Le quartier sud (Zuid), qui abrite le Musée royal, a connu un développement urbain récent suite à la démolition des anciennes murailles et de la forteresse du duc d’Albe datant du XVIe siècle, mais au beau milieu de ces rénovations majeures se trouve le KMSKA où, avec beaucoup de prudence et de respect pour l’histoire et, en même temps, un esprit d’innovation, quelque chose de nouveau a été créé. Un dialogue perpétuel entre l’ancien et le moderne.

Habituellement, les musées sont agrandis par la création de nouvelles annexes, comme dans le cas célèbre de la pyramide de verre du Louvre, mais ici, le choix s’est porté sur une extension qui exploite au maximum la surface préexistante et la verticalité du bâtiment pour créer un nouvel espace, mais en continuité avec les œuvres d’art moderne et contemporain. Avant sa fermeture, le musée était devenu un bâtiment défraîchi et en ruine, les mosaïques avaient perdu leur éclat naturel et les statues extérieures leur lustre. Avec la nouvelle ouverture, chaque recoin a retrouvé sa splendeur d’origine. Les majestueux plafonds de verre, conçus à la fin du XIXe siècle par les architectes Jacob Winders et Frans Van Dijk, ont été conservés au nom d’une continuité recherchée et le parcours particulier entre l’ancien et le nouveau se développe aussi à travers la recherche de la lumière. La partie “nouveau musée”, créée par KAAN Architects, poursuit la lumière et toutes les facettes infinies de la couleur qui lui correspondent. Les nouvelles galeries aux murs d’un blanc éclatant ne sont interrompues que par les couleurs des œuvres d’art, comme si elles ouvraient une fenêtre sur le monde, et se reflètent, tel un Narcisse contemporain, sur un sol en résine blanche hautement polie.

Photo de Karin

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La lumière du jour dans un musée est une chose si rare de nos jours", a déclaré l’architecte Dikkie Scipio de KAAN Architects lors de la présentation du nouveau musée. "Avec la lumière du jour, c’est Dieu ou la nature qui décide si elle est plus grise ou plus jaune, et l’angle de la lumière change légèrement au cours de la journée. L’angle de la lumière se modifie légèrement au cours de la journée. Vous êtes davantage en contact avec le monde extérieur et j’aime ce principe. C’est précisément sur ce principe et cette force incommensurable que repose la galerie Rubens (salle 2.2), qui n’a pratiquement pas été modifiée.

Cet espace gigantesque a été créé spécialement pour abriter trois peintures monumentales du maître flamand Pieter Paul Rubens: Le Baptême du Christ, La Vierge trônant entourée de saints et L’Adoration des Mages, cette dernière conversant plaisamment avec trois chameaux en tissu rouge antique prélevés sur la toile, sur le dos desquels le visiteur fatigué peut même s’asseoir. La partie “ancienne” du musée a été réaménagée de telle sorte que le visiteur peut se promener dans les salles peintes en rouge antique, en vert olive ou en rouge Pompéi, telles qu’elles étaient en 1890, admirant les toiles de Rubens, aujourd’hui magniloquentes, et les petites études de Van Dyck, aujourd’hui réduites. Au Musée royal des Beaux-Arts d’Anvers, tout a été rénové et restauré, des fauteuils en velours au parquet, des installations techniques aux décorations en plâtre des plafonds. Le musée se concentre bien sûr sur les maîtres flamands, dont il possède une très grande collection, mais il compte également de nombreuses œuvres d’artistes étrangers tels que l’Italien Amedeo Modigliani ou le Français Jean-Auguste-Dominique Ingres.

Pendant la courte période de domination hollandaise, le roi Guillaume Ier offrit au musée de l’académie un tableau du Titien, la seule œuvre du maître italien dans une collection publique belge. laissé en 1841 par le chevalier Florent van Ertborn, ancien bourgmestre d’Anvers, qui comprenait 144 tableaux, dont des œuvres de primitifs flamands tels que Jan van Eyck, Rogier van der Weyden et Hans Memling, ainsi que des pièces internationales telles que la Vierge entourée de séraphins et de chérubins de Jean Fouquet et quatre panneaux de Simone Martini.

Au cours du XIXe siècle, l’Académie d’Anvers est devenue un centre de renommée internationale et l’une des conditions d’admission était le don d’un exemple représentatif de son œuvre et d’un autoportrait. C’est ainsi que des noms célèbres comme Jean-Auguste-Dominique Ingres, Alexandre Cabanel et August Kiss ont été intégrés dans un “Musée des Académiciens” et, plus tard, dans la collection.

Rapidement, les œuvres deviennent trop nombreuses pour le bâtiment, qui est déplacé dans le centre actuel, plus spacieux, après un très violent incendie. Mais une fois encore, l’espace est rapidement épuisé grâce aux dons continus de grandes familles, suivis d’achats par le musée lui-même. Une autre figure particulièrement importante du XXe siècle fut le conservateur Walther Vanbeselaere, qui acquit des tableaux d’expressionnistes flamands tels que Constant Permeke, Frits Van den Berghe et Gustave De Smet, mais aussi des œuvres de la scène artistique internationale comme Edgar Degas, Hans Hartung, Karel Appel, Ben Nicholson et Giacomo Manzù.

“Trois œuvres symbolisent les trois piliers de notre collection”, explique Siska Beele, conservatrice du KMSKA: "La Madone de Jean Fouquet, L’Intrigue de James Ensor et Le Dernier Jour de Pierre Alechinsky. Et c’est précisément de James Ens or que le musée possède la plus grande collection au monde, qui a été placée dans la blancheur des nouvelles salles, représentant la transition entre les temps anciens et modernes. Trois salles monographiques sont consacrées au peintre et graveur belge et le visiteur découvre qu’il n’est jamais un simple spectateur passif, mais qu’il est invité à participer aux œuvres, en jouant, par exemple, d’un piano inséré dans l’espace, qui, se reflétant dans le sol avec les peintures colorées, contribue à devenir une nouvelle et unique grande œuvre d’art. Il en va tout autrement du monde de 1890 des masques inquiétants, L’intrigue, que l’on découvre seul sur un immense mur blanc.

Comme L’Intrigo, La Madone de Jean Fouquet se trouve également sur un mur solitaire, peint cette fois d’un rouge antique puissant, et dialogue avec Der diagnostische Blick du contemporain Luc Tuymans, une œuvre représentant en gros plan un visage masculin au regard perdu. La Madone de Jean Fouquet fait partie du Diptyque de Melun, peint vers 1455 pour la collégiale Notre-Dame, à cinquante kilomètres de Paris: au musée d’Anvers, seule la partie droite représentant la Vierge à l’Enfant entourée d’angelots est présente.

Dans ce lieu, à mi-chemin entre le jeu et le rêve, de nombreuses œuvres contemporaines dialoguent avec les anciens, créant des suggestions totalement nouvelles. Dans la conversation continue entre l’ancien et le moderne, des moniteurs sont sereinement insérés, tant pour les jeunes que pour les moins jeunes, qui expliquent avec légèreté l’œuvre devant laquelle ils sont placés. Le KMSKA abrite à ce jour une collection de plus de 9 000 objets, dont environ 650 sont exposés, répartis dans les salles selon un ordre très particulier et innovant.

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Au lieu de suivre un ordre chronologique ou par auteur, les commissaires ont créé un parcours thématique en fonction de ce que les œuvres véhiculent ou représentent. Ainsi, dans la salle de l’Impuissance, un Rodin de 1884 communique avec un tableau de Jan Coulet de la première moitié du XVIe siècle ou un Basquiat très moderne. “Nous avons rapidement pris la décision de présenter la collection de manière thématique plutôt que chronologique”, écrit Nico van Hout, conservateur et responsable de la collection, dans le catalogue du musée. “De cette manière, nous pouvons montrer un ensemble merveilleux de la plus haute qualité, avec seulement quelques chefs-d’œuvre dans chaque pièce. Nous avions prévu que nos visiteurs s’attendraient à une nouvelle façon de présenter les œuvres. L’expérience a montré que les connaissances historiques des gens sont de moins en moins complètes et qu’ils ne parviennent pas à situer facilement dans le temps des personnages clés tels que Charles Quint ou Napoléon. Il en va de même pour la connaissance des styles artistiques, tels que le gothique, la Renaissance et le baroque. En outre, notre collection présente des forces et des faiblesses: nous sommes très forts pour la période allant du 15e au 17e siècle et, grâce à notre vaste collection Ensor, nous assurons une bonne transition vers la modernité. Mais nous ne possédons pas plus d’une poignée de bonnes œuvres du 18e siècle”.

Parcourir une galerie après l’autre et découvrir de nouveaux thèmes en essayant de les deviner est un jeu qui vous permet de redevenir un enfant et de remplir vos yeux de nouvelles découvertes et de nouvelles façons de voir le monde. Le spectateur curieux, redevenu enfant, pourrait même être tenté de fixer une scène de taverne d’Adrien van Ostade suspendue de travers pour suivre la chute du protagoniste du tableau et errer presque sans but entre “loisir”, “abondance”, “célébrité”, “souffrance” et “rédemption” et apprendre de nouvelles “leçons de vie”. Ce que propose le musée n’est finalement rien d’autre qu’un voyage dans la vie de chacun parmi les différentes émotions et sentiments que nous sommes amenés à éprouver tôt ou tard, d’une manière ou d’une autre. Et découvrir que la vie peut prendre les couleurs et les formes d’une œuvre d’art la rend plus intéressante et encore plus digne d’être vécue.

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