L'art contemporain espagnol est vivant: le meilleur d'Apertura Madrid 2023

Pas moins de 56 galeries dans tout Madrid, des expositions d’artistes nationaux et internationaux, quatre jours d’avant-premières, de vernissages, de visites guidées et bien plus encore: la quatorzième édition d’Apertura Madrid Gallery Weekend, le week-end de l’art contemporain dans les galeries de la capitale espagnole, est peut-être la plus fréquentée de tous les temps. Dans le but de faire connaître l’art contemporain au plus grand nombre, Apertura propose un programme d’activités gratuites telles que l’ouverture conjointe de toutes les galeries, un programme d’événements et des visites guidées des expositions. De plus, pendant quatre jours, les galeries s’unissent pour offrir un parcours unique d’expositions dans différents quartiers de la ville tels que Chamberí, Salesas, Lavapiés, Letras et Salamanca, en plus, bien sûr, de celles situées dans le centre.

Une occasion, en somme, de rapprocher l’art contemporain du grand public. Les galeries madrilènes ouvrent leurs portes tout au long de ces quatre jours avec des horaires élargis: jeudi de 12h00 à 22h00, vendredi et samedi de 11h00 à 20h00 et dimanche de 11h00 à 20h00. En outre, un programme d’événements dans les espaces des galeries et d’autres activités visant à mettre en valeur l’art contemporain sont prévus. L’événement madrilène est complété par un programme d’activités accessibles gratuitement au public et comprenant des visites guidées, ainsi que des visites d’espaces publics pour découvrir les œuvres d’art situées dans les rues, les places et les bâtiments de Madrid. Nous avons fait le tour des galeries madrilènes: une scène particulièrement vivante, jeune et ouverte à une dimension internationale s’y dessine.

du vernissage

du vernissage

du vernissage

La visite peut commencer par Maisterravalbuena et l’exposition personnelle Campos poéticos de l’artiste suisse Silvia Bächli (Baden, 1967). Vingt gouaches sur papier, de différents formats et époques, dont des œuvres récentes qui seront exposées pour la première fois. La scénographie de l’exposition, conçue par l’artiste elle-même, emprunte des stratégies de présentation à l’installation en tant que genre artistique et constitue un élément clé de l’œuvre, à travers lequel elle souligne l’importance de l’expérience physique du spectateur. Bächli réalise des interventions subtiles et non invasives en deux dimensions, créant les conditions de la rencontre avec l’œuvre d’art en tant qu’environnement: dans la relation entre les dessins et l’architecture, des lacunes visuelles sont également révélées, qui sont néanmoins chargées d’informations, par exemple le souvenir du mouvement du corps de l’artiste lorsqu’il peint, présent dans la continuité invisible des proportions harmoniques et du rythme des traits. L’œuvre de Bächli est répétition, représentation et présence du corps, où l’artiste utilise la ligne et le plan comme synthèse poétique des bases expressives, et où les dimensions du papier traduisent les limites organiques des gestes physiques au cours du processus créatif, de l’acte performatif à la conception et à la mise en scène de l’exposition. L’Allemand Jürgen Klauke (Kliding, 1943) expose chez Helga de Alvear avec Kreuz & Queer: L’œuvre de l’artiste de Cologne pose la question de la différence des sexes d’une manière souvent radicale, et il le fait ici avec des dessins où tout s’entremêle et s’enchevêtre, basés sur une esthétique du noir et du blanc, de l’espace et du vide, des formes inscrites dans des figurations, qui les chevauchent, les divisent et les relient à la fois et semblent avoir une fonction “transformatrice”: ce qui semble blanc à l’extérieur est noir à l’intérieur et vice-versa. Ils jouent donc le rôle paradoxal de révéler tout en cachant. Considérés dans leur ensemble, les dessins révèlent un jeu complexe de polarités positives et négatives, de corporéité concrète ou fragmentée, de motifs érotiquement chargés et de composants désindividualisés, de l’intérieur et de l’extérieur.

L’artiste Belén Rodríguez (Valladolid, 1981), originaire de la région de Juan Silió , présente I danced myself out of the womb (J’ai dansé pour sortir de l’utérus), des œuvres qui naissent du contact de l’artiste avec la nature. Nombre de ses œuvres sont composées de tissus teints avec des éléments naturels de la forêt: chêne, eucalyptus, châtaignier, bouleau, noyer, laurier... À travers le journal de chaque essai de couleur, à mi-chemin entre un herbier et un livre d’échantillons textiles, et au moyen d’œuvres dans lesquelles les tissus tissent délicatement le cadre, Rodríguez crée un portrait de la forêt et, en même temps, son travail reprend l’héritage de la peinture et de la sculpture en tant qu’art, en le traduisant à ce qu’il considère comme des besoins actuels, racontant une vie qui doit rester sauvage et libre. Encore de l’art espagnol à la galerie Silvestre , où nous visitons Los cuerpos inesperados de Vicente Blanco (La Coruña, 1974), une exposition dans laquelle l’artiste présente son nouveau travail qui continue d’explorer les questions liées aux changements du territoire, du paysage et de la nature du monde rural dans lequel il vit. Dans son travail, ces questions sont également soulevées par une perspective sur la construction de l’identité masculine qui, au-delà d’une vision de domination, la réexamine afin de créer d’autres imaginaires pour faire face à une résistance à son environnement. Ses dessins présentent un monde sensoriel interconnecté, où le trait de crayon accueille, comme une peau, les êtres et les liens, mais aussi la violence qui l’habite.

pos poéticos

L’exposition Mecanismos del humor de Pere Llobera (Barcelone 1970), à F2 Galería, est unique: une exposition qui est une “libération comique”, comme le définit l’artiste, quelque chose de “très similaire à ces blagues inappropriées dans les dernières rangées des funérailles avec lesquelles nous soutenons la réalité dans les moments de désordre”. Selon Llobera, une journée sans humour est une journée perdue, comme le disait Buñuel: l’exposition explore donc les raisons de l’humour, tente de comprendre pourquoi il est si important, non seulement pour l’artiste (“lorsque mon fils a ri pour la première fois, j’ai pu respirer à l’aise”, dit-il), mais aussi pour chacun d’entre nous. De l’Espagne, nous passons à l’Amérique du Sud avec l’artiste chilienne et péruvienne (mais portugaise de naissance) Ivana de Vivanco (Lisbonne, 1989), qui présente son exposition personnelle La yegua de Santiago à la galerie Ryder: l’exposition part du principe que les récits historiques ont toujours été alimentés par l’épopée d’une classe guerrière et aristocratique (des héros gagnant des batailles à cheval, des rois se battant contre d’autres rois et ainsi de suite). Peu à peu, cette épopée de la violence et de l’abus s’est installée dans notre histoire du passé, nous laissant penser que cette façon de “faire de l’histoire” était la seule possible. Avec La Yegua de Santiago, Ivana de Vivanco nous invite à penser que.... que nous avions peut-être tort. Et elle le fait avec des peintures qui rappellent le baroque latino-américain, mêlant des scènes théâtrales à des atmosphères mystérieuses pleines de métaphores et de références sociopolitiques.

La galerie Marta Cervera , quant à elle, présente un artiste du passé, l’Américain Bob Smith (Robert B. Smith ; Springfield, 1944 - Miami, 1990): l’exposition Días de oro y plata présente des dessins, des gravures, des objets et des toiles réalisés pendant le long séjour de Bob Smith à Madrid, dans lesquels se cristallisent des expériences et des émotions personnelles issues de ses voyages à travers l’Europe et le Proche-Orient. Après avoir voyagé en Europe et passé un an au Maroc où il a appris l’art de la marqueterie de bois et d’argent, Bob Smith a décidé de s’installer et de travailler à Madrid. C’est ainsi que son travail a été présenté à la Galeria Vandrés, un important centre d’avant-garde dans les années 1970. Au cours de cette décennie, l’artiste expose régulièrement en Espagne, en France, en Allemagne et en Italie et participe à la Biennale de Paris 1973 au Musée d’Art Moderne. Il a reçu de nombreux prix, dont la bourse de la Fondation Pollock-Krasner, et en 2022, une rétrospective de son œuvre a eu lieu à la Martos Gallery de New York. D’autre part, c’est Inmaculada Salinas (Guadalcanal, 1967) qui est la protagoniste à la Galerie 1 Mira Madrid avec l’exposition La voz a ti debida, qui parle de thèmes chers à l’artiste, à commencer par celui du travail. En effet, Salinas souhaite soulever des questions fondamentales sur l’émancipation du travail et la violence, en utilisant des éléments et des images tirés de la réalité ainsi que des dessins et des exercices calligraphiques qui, répétés à l’infini, forment un récit sur les facteurs qui ont conduit à cette situation et sur ses conséquences. Ces œuvres, qui représentent l’une des séries les plus vastes et les plus complexes de l’ensemble de sa production, sont des exercices de mémoire et d’autobiographie. Elles parlent du travail manuel comme mode de pensée, de la résistance à toute logique de production du capital, des conditions économiques qui y sont associées, de la dynamique de l’étude en dehors de l’atelier et du temps passé à travailler. Ils parlent aussi du droit à la paresse et du gribouillage comme chef-d’œuvre.

Bob Smith,

Bob Smith, Días de oroata

Rosa Santos présente l’exposition Y septiembre es claro y azul de nuevo de la jeune María Tinaut (Valladolid, 1991): il s’agit de la deuxième exposition personnelle de María Tinaut à la galerie Rosa Santos, la première à Madrid. À cette occasion, l’artiste présente ses nouvelles œuvres qui se situent quelque part entre la photographie et la peinture. Dans cet ensemble d’œuvres, le déplacement et le brouillage des fondements de la représentation dans les langages photographiques et picturaux visent à soulever des questions sur la paternité de l’œuvre. D’autre part, Santiago Giralda (Madrid, 1980) est l’artiste qui expose au MPA Moisés Pérez de Albéniz avec l’exposition Los años luz. L’artiste peint des paysages à partir d’images qu’il prend avec son appareil photo ou qu’il collecte sur Internet. Les compositions de Giralda mettent en évidence l’idée du paysage contemporain en tant que construction culturelle, où la multitude d’images, de textes et de références qui le définissent sont plus importants que sa nature même. “Le projet, explique l’artiste, réfléchit à la place qu’occupe la nature dans le contexte contemporain, où les espaces pré-conçus remplacent les conditions naturelles. Dans l’environnement urbain, le naturel devient artificiel. En peinture, je représente des paysages pour établir des hypothèses sur la manière dont ce changement a affecté notre perception de l’environnement et des artefacts qui le traversent. La peinture me permet de relier mes images à l’histoire. Grâce à un processus de peinture intense, je mets l’accent sur l’aspect physique et temporel de la peinture, en tant que matière modulée manuellement au fil du temps. J’ai donc l’intention de provoquer une expérience dans laquelle le spectateur trouve un moment de contemplation loin du bruit des médias”.

Mexican Moris (Israel Meza Moreno ; Mexico, 1978) expose à NF / Nieves Fernández avec La cárcel a cielo abierto, la troisième exposition personnelle de Moris à la galerie. L’artiste utilise la base sociale de son travail pour mettre en lumière des problèmes tels que la migration, la pauvreté, l’impunité et la corruption. Ces problèmes, malgré leur gravité, ont été normalisés au point de paraître naturels, ce qui remet en question la notion commune de liberté. Ces dernières années, la pratique de Moris s’est orientée vers l’opposition, ce qui a permis à son travail de se situer sur un nouveau terrain de convergence choquante entre des siècles de pouvoir, de pauvreté et des sociétés en cours de reconstruction. L’exposition présente une collection d’images issues de différentes généalogies dans le but de rendre visible le multivers et d’élargir la signification du langage visuel. C’est plutôt un duo d’artistes féminines qui expose à la galerie Lucía Mendoza: Barbara Fluxá (Madrid, 1974) et Lucía Loren (Madrid, 1973) sont les protagonistes de Producir mundo entre redes y marañas, une exposition dans laquelle les deux artistes étudient comment les processus humains qui produisent le “monde” sont absolument interdépendants des relations systémiques qui soutiennent le réseau de la vie. Fluxá et Loren proposent, à travers une perspective relationnelle, de voir le paysage comme ce réseau d’organismes, d’écosystèmes et de cycles géochimiques qui composent la Terre. Leurs installations pluridisciplinaires produites à partir de vidéos, de dessins, de photographies, d’interventions, de sculptures et de matériaux naturels visent à promouvoir et à revendiquer ce réseau d’interdépendances. Un réseau élargi de créativité entre humains et non-humains qu’il est plus que jamais nécessaire de maintenir en équilibre.

aro y azul de nuevo

La lumière des années

Morisciel ouvert

Un artiste espagnol de renommée internationale expose chez Daniel Cuevas: il s’agit de José Manuel Ballester (Madrid, 1960), avec Universo Bipolar, créé à la suite des récents voyages de Ballester dans des pays tels que le Brésil, la Chine, Cuba et la Russie (tous, par conséquent, dans l’orbite communiste). Il a remarqué que ces lieux semblent marqués par une situation politique, sociale et économique qu’il définit comme “bipolaire”. En d’autres termes, il s’agit de pays en quête constante de changement, d’évolution dans toutes leurs sphères institutionnelles, mais qui, vus de nos yeux, semblent être en perpétuelle “involution” dans toutes leurs sphères. Dans cette exposition, Ballester présente donc sa vision de la situation de ces pays en construction/destruction continue à travers l’architecture et l’infrastructure des villes qu’il a visitées au fil des ans, telles que La Havane, Brasilia ou Moscou. Un autre peintre reconnu, le Cubain Ariel Cabrera (Camagüey, 1982), expose à Álvaro Alcázar avec Zonas húmedas, une exposition monographique dans laquelle l’artiste présente toutes les séries qu’il a produites simultanément tout au long de sa carrière et où le plaisir apparaît comme un leitmotiv. L’œuvre de Cabrera contient une infinité d’histoires et de significations issues de l’imagination de l’artiste, toujours basées sur le thème de l’histoire cubaine. Grâce à une réinterprétation des archives historiques, plus proche du cinéaste que du peintre, Cabrera compose ce qui pourrait sembler être un collage entre des “coupures” de vieilles photographies et des scènes d’insouciance. De ce dualisme naît ce que l’on appelle son “néo-historicisme”: ses personnages ont des désirs ludiques et charnels, sont moins militaires et plus humains, plus proches des cartes postales pornographiques que des héros de la peinture cubaine traditionnelle. L’œuvre de Cabrera repose sur une connaissance approfondie de l’histoire de son pays natal, ainsi que sur son passé de collectionneur de tablettes du XIXe siècle, de journaux et de photographies d’époque, de livres de voyage, auxquels s’ajoute sa grande passion pour le cinéma italien. Tous ces ingrédients servent de ressource formelle pour développer un style basé sur un chromatisme riche, des contrastes de lumière et de couleur, et des plans différents.

La galerie We Collect , quant à elle, présente un jeune artiste: Romain Blanck (Düsseldorf, 1995), avec Faux raccord, présente des peintures récentes dans lesquelles l’artiste sélectionne des formes graphiques familières, des lignes, des signes, des visages et des symboles trouvés sur des feuilles de papier collectées dans des magasins de fournitures d’art et d’autres directement sur des applications de médias sociaux. Il y a partout un sentiment d’urgence, dicté par les éléments basés sur Internet et la répétition de la même image et des mêmes formes dans plusieurs peintures, qui renforcent la spontanéité artificielle des œuvres. Dans l’espace d’exposition, deux murs verts accueillent un certain nombre de peintures, rappelant la couleur d’un écran vert sur lequel peut être inséré n’importe quel élément provenant d’une autre source, comme cela se produit dans les peintures. On peut reconnaître dans la peinture de Romain Blanck quelque chose de très familier, mais aussi quelque chose de défaillant, comme c’est le cas avec l’expression “faux ami” qui prévient que l’on pourrait mal traduire un mot en raison de sa similitude formelle avec notre langue. Enfin, un espace a été accordé à la photographie avec Artist as clown de l’artiste finlandaise établie Elina Brotherus (Helsinki, 1972) à Camara Oscura: “Après vingt ans d’”utilisation de moi-même“ dans mes photographies, j’ai eu l’impression d’avoir fait toutes les poses que je pouvais faire avec mon corps”, dit l’artiste. La redécouverte de Fluxus a permis de sortir de cette impasse. En 2016, à l’occasion de sa nomination au Prix Élysée, Brotherus a commencé à utiliser les partitions des événements Fluxus et autres instructions pour les artistes comme base de son travail. La série Meaningless Work sur laquelle se base cette exposition est toujours un projet en cours: la série lui permet de faire de nouvelles découvertes, tout en continuant à faire ce qu’elle sait faire de mieux. Brotherus compte aujourd’hui parmi les artistes finlandais les plus connus: son travail a alterné les approches autobiographiques et historiques de l’art.

rera, Zonas húmedas

Romain Blanckaux raccord

Elina Brotherusown

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