De Michel-Ange à Bronzino, du Bernin à Guido Reni : 15 œuvres (avec prix !) à ne pas manquer au BIAF 2024

La Biennale Internazionale dell’Antiquariato de Florence, qui en est à sa 33e édition en 2024 (voici notre reportage en avant-première), ouverte au public du 28 septembre au 6 octobre 2024, s’est imposée comme l’un des événements les plus prestigieux et les plus attendus au monde dédié aux antiquités et à l’art. Située au cœur de Florence, au Palazzo Corsini, la foire n’est pas seulement un point de rencontre pour les collectionneurs et les passionnés, mais aussi une scène extraordinaire où les époques historiques s’entrecroisent, créant un dialogue fascinant entre le passé et le présent. Cette année, quatre-vingts galeries d’antiquités de renommée internationale exposent une sélection d’œuvres d’art, dont des peintures, des sculptures et des meubles, tous choisis pour leur pertinence historique et leur valeur artistique.

Dans ce contexte, les œuvres exposées à la Biennale ne sont pas seulement des objets à admirer, mais de véritables fenêtres sur des époques et des cultures différentes. Chaque œuvre raconte une histoire, reflète les tensions et les espoirs d’une époque et offre un aperçu de l’évolution de l’art au fil des siècles. Dans cet article, nous nous penchons sur les 15 œuvres phares de la Biennale (dont nous avons été autorisés à publier le prix), les pièces incontournables des stands : il est probable que certaines d’entre elles finiront dans un musée. C’est aussi grâce à des œuvres de cette qualité que la Biennale se confirme comme une occasion incontournable de s’immerger dans l’art et la culture.

1. Bronzino, Vierge à l’enfant (1525-1526 ; huile sur panneau, 75 x 62 cm). Présenté par : Canesso. Demande : 2,5 millions d’euros

Cette Vierge à l’Enfant de Bronzino revient à la Biennale Internationale de l’Antiquariat de Florence plus de soixante ans après : elle y a en effet été exposée pour la première fois dès sa découverte, en 1961, bien qu’elle ait été attribuée à Pontormo (même Roberto Longhi pensait qu’il s’agissait de l’œuvre de l’artiste d’Empoli, même après que des hypothèses d’attribution aient été émises en faveur de Bronzino). Depuis quelque temps, cependant, la critique s’est ralliée au nom de l’élève de Jacopo Carucci : il s’agirait d’une œuvre précoce, datable de 1525-1526, époque où Bronzino avait une vingtaine d’années et travaillait en contact étroit avec son maître, à tel point que ses œuvres de cette période ont souvent été confondues avec des œuvres de Pontormo. Plus précisément, il s’agirait d’une œuvre réalisée alors qu’ils travaillaient tous deux à la décoration de la chapelle Capponi de Santa Felicita à Florence. Elle a été exposée en 2022 lors de la grande exposition sur Donatello au Palais Strozzi: la Vierge à l’Enfant de Bronzino se trouvait dans la dernière salle de la section aménagée au musée du Bargello, car la composition (également connue par un dessin conservé au Gabinetto dei Disegni e delle Stampe des Offices) rappelle la Madone du Pugliese de Donatello - Dudley. Toutefois, comme l’a écrit l’érudit Gabriele Fattorini, "contrairement au prototype, alors que la Madone conserve un profil clair de Donatello, le petit Jésus se gonfle de vigueur et les tissus se gonflent, en gardant à l’esprit la leçon de Michel-Ange".

2. Michel-Ange, Étude de Jupiter (vers 1490 ; plume à l’encre brune bicolore et traits de stylet sur papier, 220 x 153 mm). Soumis par : Dickinson. Demande : 2 millions d’euros

Acquise aux enchères à Paris il y a plus de trente ans comme l’œuvre d’une main anonyme, cette Étude de Jupiter est aujourd’hui considérée par de nombreux spécialistes comme le premier dessin connu de Michel-Ange. La figure est basée sur un fragment de marbre romain, la moitié inférieure d’un Jupiter trônant (1er-2e siècle après J.-C.). En raison des éléments stylistiques distinctifs du dessin, un large consensus académique s’est dégagé depuis sa découverte selon lequel l’auteur était un jeune apprenti ou un assistant travaillant dans l’atelier de Ghirlandaio à la fin du XVe siècle à Florence. Michel-Ange est passé par cet atelier : il y a étudié aux côtés d’autres apprentis talentueux, perfectionnant ses compétences et commençant à développer son style de dessin sculptural très reconnaissable. Sur la base de comparaisons avec d’autres dessins anciens et de la présence significative des deux tons d’encre distinctifs, de nombreux éminents spécialistes, dont Paul Joannides, Timothy Clifford, Zoltán Kárpáti, Miles Chappell et David Ekserdjian, ont affirmé que ce dessin est la plus ancienne œuvre sur papier connue du jeune Michel-Ange. Le lien entre le dessin et les premières œuvres de Michel-Ange a d’abord été établi par Miles Chappell, spécialiste des dessins florentins des XVe et XVIe siècles. Après des recherches approfondies, le dessin a été publié pour la première fois en tant qu’œuvre du jeune Michel-Ange en 2019. L’attribution à Michel-Ange repose sur un certain nombre de facteurs, notamment le fait que le sujet, les matériaux et le style du dessin sont tous en accord avec ce que nous savons des débuts de Michel-Ange. Le dessin comporte deux tons d’encre brune : c’est une technique que Michel-Ange utilisait souvent, mais que l’on ne retrouve jamais dans les dessins de Ghirlandaio.

3. Gian Lorenzo Bernini, Quatre têtes grotesques hurlantes (bronze doré sur marbre noir Marquina, hauteur 15,5 cm). Soumis par : Fulvio Gianassi FG Fine Art. Demande : 1,6 million d’euros

Violentes et incisives comme jamais le monde de l’art n’en avait connu avant le Bernin, ces quatre têtes en bronze doré ont toujours été considérées comme un exemple de l’expression de la démesure baroque. Datées entre 1650 et 1655, elles ont été fondues d’après le même modèle et appartiennent au genre du grotesque, entendu exclusivement comme décoration. D’une grande finesse et d’une grande extravagance, chacun doté d’un trou irrégulier dans la nuque pour accueillir les plumes en vogue à l’époque, ils ont été réalisés à l’origine comme éléments latéraux de la calèche personnelle de Gian Lorenzo Bernini. C’est le Bernin lui-même, à une époque indéterminée, qui les a retirés du carrosse pour les inclure dans sa collection personnelle et les placer, comme l’indique le premier inventaire, dans le hall de l’appartement noble de son palais de Via della Mercede. La signification ultime et précise de ces quatre bronzes dorés, une “plaisanterie” très personnelle, n’est pas facile à déchiffrer. Ils auraient pu n’être qu’une ostentation de son génie fantaisiste qui avait changé le visage de la Ville éternelle au fil des ans, ou s’inscrire dans la tradition des marginalia, ces figures marginales difformes, effrayantes ou bizarres du monde à l’envers qui commentent de manière dérisoire mais décorative le sérieux de l’existence terrestre. Quoi qu’il en soit, elles auraient eu la même fonction sarcastique sur le char du sculpteur, un commentaire ironique contre le sérieux de la vie quotidienne ou un cri désespéré et moqueur adressé aux passants qui osaient lever les yeux vers le char du sculpteur.

4. Giacomo Ceruti, Portaroli jouant certains sur des paniers d’osier (1720-1730 ; huile sur toile, 135 x 151 cm). Soumis par : Salamon. Demande : 1,1 million d’euros

Il s’agit de la seule œuvre du cycle de Padernello de Giacomo Ceruti encore sur le marché. Le cycle de Padernello (ainsi appelé, mais en réalité il ne s’agit peut-être pas d’un cycle conçu de manière cohérente) est un ensemble d’œuvres qui a été découvert en 1931 au château de Padernello (d’où le nom) par l’historien de l’art Giuseppe De Logu : Il s’agit de treize tableaux (auxquels il faut cependant ajouter au moins trois autres de facture identique) que Giacomo Ceruti, l’un des plus grands artistes du XVIIIe siècle, a consacrés à des sujets tirés de la vie populaire de l’époque. Avec ces œuvres, l’artiste atteint l’un des sommets de sa carrière et réalise une série de tableaux qui entraînent l’observateur dans un voyage à travers les bidonvilles de la Brescia du XVIIIe siècle. Le tableau présenté par Matteo Salamon représente deux porteurs, c’est-à-dire deux garçons issus des classes populaires qui, dans le cadre de leur travail, transportaient des marchandises (généralement des denrées alimentaires) dans de grands paniers en osier qui, lorsque cela était nécessaire, comme on peut le voir sur la toile exposée au BIAF, étaient également utilisés pour des moments de loisir : dans ce cas, les deux garçons sont en train de jouer aux cartes. L’œuvre n’a malheureusement pas été prêtée à la grande exposition sur les Ceruti qui s’est tenue à Brescia en 2023, mais elle fait partie des treize que les comtes Salvadego conservaient au château de Padernello. Des événements historiques ont permis de faire remonter l’histoire des tableaux du cycle à 1772, lorsqu’ils faisaient partie de la collection Avogadro : il en va de même pour cette toile, que le public a pu voir pour la dernière fois en 1953, lors d’une exposition organisée au Palazzo Reale de Milan(I pittori della realtà in Lombardia).

5. Bernardo Bellotto, Colisée et arc de Constantin (huile sur toile, 61 x 98,1 cm). Présenté par : Galerie Dys44 Lampronti. Demande : 1 million d’euros

Bernardo Bellotto a exécuté cette représentation typique de l’un des monuments les plus célèbres de la Rome antique au début des années 1740, après sa visite de la ville en 1742. Comme beaucoup d’œuvres de jeunesse de l’artiste, ce tableau était auparavant (et à tort) attribué à son mentor et oncle, Canaletto. Grâce aux études d’Anna Bozena Kowalczyk et de Charles Beddington, cette œuvre a ensuite été correctement attribuée à Bellotto. Reconnue comme l’un de ses premiers chefs-d’œuvre, l’œuvre illustre l’émergence de sa personnalité artistique distincte, démontrant la nature de l’échange artistique entre lui et son oncle et illustrant son talent précoce ainsi que son extraordinaire qualité d’exécution. Un facteur important expliquant l’attribution antérieure du tableau est lié aux nombreuses similitudes qu’il partage avec l’un des dessins de Canaletto (British Museum, Londres), qui représente également le Colisée d’un point de vue occidental. Bien que Bellotto respecte la composition et le point de vue général de Canaletto, il existe également des différences marquées entre les deux dessins, notamment dans la rangée de bâtiments entourant le Colisée et dans une grande partie de la végétation et des personnages. En outre, Bellotto rend la vue avec une perspective plus large, y compris l’arc de Constantin sur la droite et les collines lointaines qui donnent plus d’atmosphère à la ligne d’horizon. En ajoutant ces changements, Bellotto a produit une composition plus frappante et plus intense que celle de son oncle. On pense que Bellotto s’est rendu à Rome au printemps 1742, peu après son mariage avec Elisabetta Pizzorno le 5 novembre de l’année précédente. Il s’est arrêté à Florence, Lucques et Livourne en cours de route et son retour à Venise est attesté le 25 juillet 1742. Cette peinture doit être postérieure à son voyage à Rome, et Kowalczyk a suggéré une date d’exécution peu après le retour de Bellotto de Rome à Venise, vers 1743-442.

6. Guido Reni, Paysage avec Cupidons au jeu occupés à diverses activités ludiques et enjouées (huile sur toile, 77 x 60 cm). Présenté par : Altomani & Sons

Ce tableau a été récemment offert à Guido Reni par Massimo Pulini et Francesco Gatta, qui sont tous deux parvenus à cette conclusion de manière indépendante. Elle représente quatorze cupidons jouant, certains d’une manière grossière comme on peut facilement l’observer, dans un paysage naturel, à l’intérieur d’un bois dans les collines. L’artiste bolonais aborde la scène comme s’il s’agissait d’un ensemble d’épisodes distincts les uns des autres, dans un style clair et limpide qui anticipe presque la peinture arcadienne du siècle suivant. D’abord attribué à l’école de Francesco Albani, le tableau a ensuite été reconnu comme l’œuvre de Guido Reni en raison de certains éléments (le détail des plantes, les couleurs claires et froides, l’équilibre chromatique et compositionnel, la lumière vitrée) qui semblent être typiques de sa main. Grâce à des découvertes documentaires, il a été possible de retracer l’histoire de l’œuvre, qui appartenait à la collection romaine d’Odoardo Farnese, dont l’inventaire, daté de 1644, mentionne “Un tableau sur toile avec un grand cadre doré, à l’intérieur duquel est peint un Pays avec des Cupidons, de la main de Guido Reni, et à l’intérieur de ce tableau est enfermé le portrait d’une dame”. Le tableau aux cupidons a en effet été utilisé pour dissimuler un Portrait de dame dans les pièces secrètes d’Odoardo Farnese.

7. Fede Galizia, Coupe à fruits en céramique avec raisins, prunes et poires (vers 1610 ; huile sur panneau, 22 x 35 cm). Présenté par : Carlo Orsi. Demande : 700 000 euros

Dans le domaine de la nature morte, Fede Galizia a joué un rôle fondamental dans l’orientation de tous les artistes de la région milanaise : très tôt, en 1602, il signe sa première nature morte, dans laquelle il fixe les traits qui marqueront toute sa production : des compositions régies par des symétries harmonieuses, un rendu très soigné, presque à la manière d’un miniaturiste, des différentes surfaces des fleurs et des fruits et une lumière froide et tranchante qui bat rigoureusement sur le plan. L’artiste propose souvent des compositions très similaires, mais en y apportant à chaque fois des variations, ce qui est également le cas pour le présent tableau ; une coupe à fruits en céramique perforée, remplie de fruits et de poires diversement disposés sur le plan, est le protagoniste de trois compositions. Les événements critiques des trois tableaux ont été reconstitués par Giovanni Agosti et Jacopo Stoppa dans le catalogue de l’exposition de Trente consacrée à Fede Galizia. Il convient de rappeler que Mauro Natale et Alessandro Morandotti, les premiers spécialistes à avoir publié ce tableau dans le vaste répertoire Electa consacré aux natures mortes italiennes, avaient également signalé un possible pendant dans la nature morte Pêches, jasmin, coupe de cristal et pommes de Cotogn de Silvano Lodi, qu’ils attribuaient toutefois à Panfilo Nuvololino. à Panfilo Nuvolone sur la base d’une identification avec un tableau cité comme une œuvre du peintre crémonais dans l’inventaire de la collection de Charles Emmanuel Ier de Savoie, prouvant ainsi la communauté de modèles et d’idées entre les deux promoteurs du genre de la nature morte en Lombardie. L’apparition, au cours des années suivantes, d’autres versions de la même composition a conduit à l’abandon de cette hypothèse et à l’attribution du second tableau à la main de Fede Galizia. La question de la datation des natures mortes de Fede reste extrêmement problématique, notamment en raison de la réutilisation par le peintre des mêmes modules dans différentes compositions. Pour en rester au tableau qui fait l’objet de cette fiche, Mauro Natale et Alessandro Morandotti avaient proposé une date autour de 1610, Flavio Caroli, sans exprimer ouvertement une hypothèse, place le tableau parmi les dernières œuvres de son catalogue raisonné, Giacomo Berra enfin dans les catalogues des deux expositions consacrées à Arcimboldo préfère une date autour du tournant du siècle.

8. Lorenzo di Bicci, Vierge à l’enfant trônant entre deux anges qui la tiennent et quatre anges musiciens (panneau, 171,5 x 74,8 cm). Présenté par : Romigioli Antiquités. Demande : 350 000 euros

Le panneau présenté par Romigioli Antichità provient de la collection Moratilla à Paris, mais son histoire ancienne est inconnue. Le panneau, exécuté par Lorenzo di Bicci, présente un travail de sgraffite raffiné avec lequel a été obtenue la décoration du drapé qui recouvre le trône sur lequel est assise la Vierge, soutenue de part et d’autre par deux anges. La robe de la Vierge est décorée d’un motif de couronne répété plusieurs fois, tandis que le manteau est orné d’un racème. Selon l’érudit Angelo Tartuferi, qui a travaillé sur ce tableau, “les dimensions, la richesse et le soin de l’exécution dans chaque détail, ainsi que la grande qualité intrinsèque de la peinture, attestent que nous avons affaire à l’une des commandes les plus importantes et les plus prestigieuses parmi les œuvres de Lorenzo di Bicci qui sont parvenues jusqu’à nous”. À l’origine, le panneau faisait probablement partie d’un grand polyptyque, probablement similaire à celui qui se trouve aujourd’hui au Museo della Collegiata d’Empoli, et appartenant à la même période stylistique. Selon Tartuferi, il existe peut-être un autre élément du même ensemble, un panneau cuspidé représentant saint Nicolas de Tolentino qui se trouvait dans la collection Matteotti à Milan à la fin des années 1960.

9. Francesco Albani, Vierge en gloire avec des chérubins (vers 1646 ; huile sur toile, 196 x 137 cm). Soumis par : Fondoantico. Demande : environ 200 000 euros

La Vierge en gloire avec des chérubins présentée au BIAF par Fondoantico est le plus grand fragment de l’imposant retable représentant la Vierge apparaissant à saint Guillaume, commandé par Mère Maria Agostina Tomaselli pour l’église Jésus et Marie de Porta Galliera à Bologne et achevé par Francesco Albani en 1646. Le tableau réapparaît dans l’édition 2024 du BIAF après un oubli de plus de deux siècles, suite aux spoliations napoléoniennes qui ont également touché l’édifice bolonais, détruit par la suite, et à la fragmentation conséquente de l’ensemble de l’appareil décoratif au cours du XIXe siècle. Suite aux suppressions napoléoniennes de l’église de Jésus et Marie, l’histoire de la collection du tableau est très complexe et n’explique pas entièrement pourquoi, des trois tableaux qui l’ornaient, seul celui-ci a connu un destin aussi peu favorable. En effet, le tableau a d’abord été transféré dans les réserves du couvent de San Vitale, aujourd’hui supprimé, où il est décrit dans un inventaire de 1799. Plus tard, il a été transporté à l’ancienne Pinacothèque royale de l’Académie des beaux-arts de Bologne, où il apparaît dans les inventaires de 1801 et 1820. En 1821, il a été vendu au comte Cesare Bianchetti, l’une des personnalités les plus représentatives de la Bologne aristocratique de ces années-là, qui occupait un poste important en tant que légat pro-président de l’Accademia. En 1821, le noble décide de faire découper le tableau en quatre parties par le restaurateur Antonio Magazzari, en séparant les quatre groupes les plus importants : ainsi, la partie supérieure est divisée en deux morceaux de la Vierge à la gloire avec des angelots, tandis que dans la partie inférieure, il est décidé d’isoler le Saint Guillaume de la Madeleine, dont il ne reste que le fragment avec le crâne. Les fragments dispersés ont ensuite eu des histoires différentes. La Vierge en gloire avec les angelots a été identifiée par Eric Van Schaack dans une collection privée de Bologne, où elle a été documentée par une photographie prise au début du siècle dernier par Felice Croci, retrouvée par la suite et reproduite par Catherine Puglisi dans sa monographie de 1999. Après avoir été découvert par surprise sur le marché de Brescia en 2023, il a été acheté par le Fondantico de Tiziana Sassoli, qui en a confié le nettoyage à Andrea Cipriani de Florence. Le retable est un exemple convaincant de la phase de maturité de Francesco Albani, dont les caractères particuliers sont mieux reconnus dans le grand fragment de Fondantico.

10. Gustav Fjaestad, La neige (1920-1921 ; huile sur toile, 134 x 174 cm). Présenté par : Antonacci Lapiccirella Fine Art. Demande : 180 000 €.

Gustaf Fjæstad, connu sous le nom de “Maître de la neige”, a consacré sa vie à capturer la beauté des paysages enneigés de sa Suède natale. Il a connu son plus grand succès à l’étranger, notamment en Allemagne et en Italie, où les critiques et les collectionneurs ont apprécié ses délicates représentations de l’hiver. La force des œuvres de Fjæstad réside dans sa capacité à transmettre un sentiment de mysticisme et de puissance émotionnelle à travers des paysages glacés, évoquant une idée d’unicité qui rappelle les nombreux mots utilisés par les Esquimaux pour décrire la glace. L’artiste peint en plein air, recherchant une lumière particulière et capturant la beauté intacte de la nature. Sa créativité a été influencée par le mouvement théosophique, qui recherchait l’illumination universelle, et ses œuvres reflètent une recherche intense d’harmonie avec la nature. Un exemple emblématique de cette approche est le tableau Neige, qui invite le spectateur à un état méditatif, créant une atmosphère de conte de fées. La toile se présente d’abord comme un jeu décoratif de flocons de neige, rappelant l’Art nouveau avec ses courbes gracieuses, mais elle cache un sens plus profond, un désir de paix intérieure et une invocation à la vie en harmonie avec l’environnement naturel. La technique de Fjæstad est particulièrement innovante : il utilise des produits chimiques photosensibles et une technique d’empâtement pointilliste, créant des effets optiques extraordinaires qui rendent le blanc lumineux et vibrant. Sa capacité à superposer d’épaisses couches de couleur lui permet de contrôler de manière exceptionnelle les jeux de lumière, évoquant une riche palette de rouges, de bleus et de gris, clairement influencée par les pointillistes tels que Georges Seurat. En outre, les formes douces et ornementales de la neige soulignent l’empreinte de l’Art nouveau et marquent une transition entre le style du XIXe siècle et un langage artistique plus moderne et novateur. Gustaf Fjæstad a su transformer sa passion pour les paysages enneigés en un art capable d’évoquer des émotions profondes et universelles, se positionnant comme une figure de proue de la scène artistique de son époque et anticipant les formes d’expression contemporaines.

11. David Vinckboons, La fête au village (huile sur panneau, 27 x 43 cm). Présenté par : Caretto&Occhinegro. Demande : 100-200 mille euros

La scène représentée dans ce tableau de David Vinckboons, peintre hollandais qui a travaillé au début de ce que l’on appelle le Siècle d’or, évoque avec force un banquet paysan festif, un moment de joie collective qui contraste avec la vision plus sombre et critique de Bruegel l’Ancien. Ici, au contraire, nous sommes plongés dans une atmosphère de tolérance et d’ironie, où les paysans se livrent à des réjouissances et à des divertissements. La table dressée offre une variété de plats succulents, de la longe d’agneau accompagnée de sauces riches aux moules (un plat typiquement flamand), dont les coquilles sont jetées négligemment sur le sol, créant un sentiment d’abondance et d’insouciance. Le tableau dégage une impression de vitalité et de démesure, accentuée par les couleurs vives et les détails minutieux des expressions des personnages. Les visages des paysans, aux expressions tragicomiques, racontent des histoires de joie et de vie simple, rendant l’atmosphère presque caricaturale mais fascinante. Le rythme de la scène est ponctué par des bras levés vers le ciel en signe d’abandon festif, et évoque presque un carme satirique reflétant les joies et les difficultés de la vie paysanne. Dans ce cadre, la veine grotesque se fait sentir, mais sans occulter la gaieté générale. C’est une ode à la vie, un moment de célébration de la communauté, où chaque personnage, avec sa particularité, contribue à créer un tableau vivant et attachant : une “Grande Bouffe” où la convivialité et la gaieté l’emportent sur tout autre sentiment, mais où la position de l’artiste n’est pas absente.

12. Niccolò Cannicci, La bénédiction des champs (Le Rogazioni) (1886 ; huile sur toile, 100 x 220 cm). Présenté par : 800/900 ArtStudio. Demande : 160 000 euros

Il s’agit d’un chef-d’œuvre de Niccolò Cannicci qui a une longue histoire : il a été exposé en 1887 à l’Exposition nationale artistique de Venise, puis en 1888 à l’Exposition nationale des beaux-arts de Bologne et la même année à l’Exposition de la Société des promoteurs de Florence, et a fait l’objet de plusieurs publications. Pour cette œuvre, Cannicci a également obtenu un prix au Promotrice de Florence en 1888. Ce tableau, très apprécié à l’époque de sa création, est l’un des points culminants de la carrière de l’artiste : il représente un moment de la vie simple dans la campagne toscane, le moment où, au cours d’une cérémonie religieuse sobre et presque spartiate, les champs dans lesquels les paysans allaient travailler sont bénis. Une revue de l’époque a déclaré que dans ce tableau, Cannicci avait “dessiné et imprégné de grâce rurale et de suavité les plus belles figures de ses paysannes dévouées”, avec un “sentiment évident et accessible à tous”. Niccolò Cannicci appartenait à la deuxième génération des peintres Macchiaioli et ce tableau, provenant de la collection de la comtesse Gargallo de Syracuse, est l’un des meilleurs exemples de sa peinture : un art de la vie, empreint de sensibilité, très lumineux et riche en couleurs, avec certaines solutions stylistiques qui anticipent le divisionnisme (voir par exemple les petites touches de couleur avec lesquelles Cannicci donne la sensation du ciel au coucher du soleil dans ce tableau) et qui seront largement étudiées par tout le mouvement post-Macchiaioli.

13. Giovanni Paolo Panini, Prédication d’une sibylle (1751-1755 ; huile sur toile, 100 x 137 cm). Présenté par : Roberto Campobasso. Montant demandé : 90 000 euros

Le tableau, cité par Ferdinando Arisi comme autographe, est une autre version, authentique et entièrement de la main du maître, du tableau de dimensions presque similaires (98 x 134,5 cm), signé et daté de 1751, qui est aujourd’hui conservé, avec le pendentif de la Prédication d’un Apôtre, dans la collection des comtes Harrach au château de Rohrau, en Autriche. Les deux tableaux conservés à Rohrau ont été achetés directement à l’atelier de Panini par le comte autrichien Ernst Guido von Harrach lors de son voyage en Italie, par l’intermédiaire de l’abbé Crivelli. Le tableau présenté au BIAF, inédit, se caractérise, écrit Francesco Leone, “par un dessin méprisant d’une qualité remarquable dans le rendu de l’architecture et, à l’inverse, par un grand raffinement dans les nombreuses figures qui peuplent la scène, comme dans les meilleures œuvres de Panini des années 1750. De manière assez uniforme sur l’ensemble de la toile - qui est en bon état de conservation - la couleur brune de la préparation est visible dans la correspondance des ombres car Panini, avec la virtuosité du grand maître, a modulé toutes les ombres du tableau avec une technique savante en utilisant précisément le brun de l’imprimitura de la toile”. Sur ces zones d’ombre obtenues en laissant visible la préparation de la toile, de minces voiles de couleur foncée devaient à l’origine être peints, pour donner à l’œuvre un plus grand état d’achèvement, qui aujourd’hui, comme cela arrive souvent dans ces cas-là, ont été en grande partie perdus. D’un point de vue technique, le tableau constitue donc un témoignage extrêmement intéressant de la manière d’exécuter du grand maître de Plaisance, l’un des peintres les plus connus de la scène artistique cosmopolite de Rome à l’époque. Conformément à la poétique la plus typique de Panini, ce grand tableau combine le genre de la fantaisie architecturale - selon une poétique du pittoresque qui aime rassembler de manière imaginaire les vestiges de la Rome antique - avec une série de personnages remarquables par leur quantité, leur qualité, leur monumentalité et leur état de conservation.qualité, leur monumentalité et leur état de conservation, qui attribuent à l’œuvre, malgré la référence au monde classique identifiée dans le thème de la Sibylle, un caractère anecdotique typique de la culture arcadienne romaine du milieu du XVIIIe siècle. Le tableau a été exécuté d’après la toile de la collection Harrach.

14. Luca Giordano, Diane avec une nymphe et Actéon (huile sur verre, 25,5 x 33 cm). Présenté par : Giorgio Baratti Antiquario. Demande : 80 mille euros la paire

Giorgio Baratti Antiquario présente au BIAF deux très rares tableaux-miroirs, vendus en paire (ci-dessous dans la photo celui avec Diane avec une nymphe et Actéon), en excellent état de conservation. Les sujets sont classiques : dans le premier, on distingue les figures d’Hercule et d’Onphale, dans le second, comme mentionné, Diane avec Actéon et une nymphe. Selon Sandro Bellesi, ces œuvres peuvent être datées des années 1780, car elles présentent des caractéristiques stylistiques et typologiques étroitement liées à diverses œuvres réalisées par Luca Giordano lors de son séjour à Florence à cette époque, son âge d’or : ces caractéristiques attestent de références à ses diverses compositions sûres sur toile et à ses fresques. En particulier, les comparaisons avec certaines figures de la galerie du Palazzo Medici Riccardi et de diverses toiles exécutées pour d’importants collectionneurs florentins, comme le Viol de Deianira dans les collections du Palazzo Pitti, L’Histoire écrit les annales sur le temps aujourd’hui au Musée des Beaux-Arts de Brest, et Bacchus et Ariane au Chrysler Museum de Norfolk, apparaissent significatives. Les figures peintes par Luca Giordano sur les deux miroirs, tournées avec des coups de pinceau doux et denses, témoignent d’une culture éclectique, empruntée principalement à la leçon tardive de Pietro da Cortona et de ses disciples les plus proches, ainsi que de réflexions sur la culture bolonaise classiciste dérivée de l’école des Carracco et de Domenichino.

15. Giuseppe Molteni, Portrait féminin (huile sur toile, 63 x 50 cm). Présenté par : Callisto Fine Arts. Demande : 20 000 euros

Le portrait exposé au BIAF par Callisto a été précédemment identifié comme étant celui de la chanteuse d’opéra Giuditta Pasta, et a été publié par Sergio Rebora dans le catalogue de l’exposition Giuseppe Molteni e il ritratto nella Milano romantica qui s’est tenue à Milan en 2000. Giuseppe Molteni a commencé sa carrière comme restaurateur de tableaux, travaillant pour le Louvre, le British Museum et d’importants collectionneurs. Son atelier milanais est devenu un lieu de rencontre pour les collectionneurs et les marchands et Molteni s’est également consacré au commerce d’œuvres d’art. Son amitié avec Charles Eastlake, directeur de la National Gallery de Londres, est très importante à cet égard. Parallèlement, l’activité de Molteni en tant que peintre de scènes historiques et surtout en tant que portraitiste prend de l’ampleur. Dans ce genre de peinture, il devient, avec Hayez, l’artiste le plus en vogue à Milan.

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