Combien coûtent les œuvres d'Artissima 2023 ? Notre sélection de 15 œuvres, avec leurs prix

La 30e édition d’Artissima est sur le point de démarrer: du 2 au 5 novembre, la foire d’art contemporain de Turin attirera des milliers de visiteurs dans la ville. Le thème de cette année est " Relations of Care", un concept développé dans un essai récent de l’anthropologue brésilien Renzo Taddei, professeur d’anthropologie à l’Université fédérale de São Paulo (Brésil), consacré à la formulation d’une hypothèse pour surmonter les crises de notre temps, en s’inspirant de la pensée indigène de l’Amazonie. Quatre sections de la foire(Main Section, New Entries, Monologue/Dialogue et Art Spaces & Editions), trois sections curatées(Drawings, Present Future et Back to the Future), 181 galeries, des centaines d’œuvres.

Le but ultime de toute foire d’art est évidemment de vendre, en réunissant galeristes et collectionneurs. Artissima est l’une des rares foires à disposer d’un catalogue en ligne où l’on peut voir les prix des œuvres, mais pas tous (en effet, pour la plupart des œuvres, le prix est “sur demande”). Nous avons fait le tour des galeries en sélectionnant quelques œuvres intéressantes, dont beaucoup ont un prix sur demande, et nous proposons donc une sélection pour chaque fourchette de prix, en rassemblant les œuvres des galeries qui nous ont permis de publier les demandes (il y a en effet des artistes et des galeries qui n’aiment pas que publie les prix de leurs œuvres). Voici donc notre sélection de quinze œuvres, chacune avec son prix (ou sa fourchette de prix).

1. Camille Benarab-Lopez, Signes (2023). Présenté par la Galerie Chloe Salgado. Demande: 900 euros

Née à Paris en 1989, Camille Benarab-Lopez est l’une des artistes les moins chères de la foire. Sculptrice, elle crée des œuvres mêlant figurativisme et abstraction, façonnant des pièces directement issues de son imagination. “Camille Benarab-Lopez, écrit la critique Margaux Bonopera, ne produit pas d’images mais utilise celles des autres plus par fascination que par facilité. Elle accumule ainsi divers documents dont les différentes sources confèrent à ses œuvres un statut ambigu. Qu’il s’agisse de sculptures ou de peintures, ses œuvres tentent de créer des entités fonctionnelles et cohérentes qui, comme la mémoire, fonctionnent par fragments, réinterprétation et réécriture”. Signes est une nouvelle série de petites œuvres que l’artiste présente pour la première fois à Artissima.

2. Shamilla Aasha, Indelible Marks 2 (2023). Présenté par First Floor Gallery. Demande: 1 500 euros

Shamilla Aasha, née au Zimbabwe en 1977, explore ses origines multiculturelles en tant que femme shona et indienne vivant dans la région du Matabeleland au Zimbabwe en développant des œuvres qui abordent des questions liées à la fusion des cultures et des pratiques traditionnelles et à la manière dont elles affectent l’identité, la spiritualité et le statut social pour elle-même et d’autres femmes de sa communauté. Les œuvres d’Aasha intègrent le tissage, la tapisserie et interagissent avec l’idée et l’histoire de la peinture. Elles prennent la forme de sculptures souples, de tapisseries réalisées à partir d’objets trouvés et de broderies abstraites. Elle les décrit comme des objets sacrés, une métaphore appropriée pour ses récits. Cette métaphore est encore élargie lorsque l’artiste utilise des motifs en papier, des textiles et des coutures. En plus de sa pratique artistique, Shamilla continue de nourrir la créativité par l’intermédiaire de son Asha Children’s Trust, une organisation qui se consacre à la création d’espaces sûrs permettant aux jeunes créatifs de grandir et de s’épanouir en dehors du secteur de l’éducation formelle.

3. Giulia Poppi, Iridescent Compenetration (2023). Présenté par Fuocherello. Demande: 4 000 euros

Titre de l’œuvre emprunté à Giacomo Balla pour la sculpture de l’artiste modénaise Giulia Poppi, née en 1992. Elle est présentée par Fuocherello, une galerie qui fait ses débuts à Artissima dans la section Nouvelles entrées en présentant de nouvelles œuvres d’Andrea di Lorenzo et, bien sûr, de Giulia Poppi. Les œuvres de Giulia Poppi visent à agir sur la perception de l’espace environnant en travaillant avec des formes sculpturales qui dépassent souvent les limites physiques de l’objet lui-même. À Artissima, Poppi présente une série de sculptures, WEICHWEISSWEICH, réalisées à Carrare et formées sous la pression violente de l’eau et des quintaux de marbre dans leur cycle d’utilisation dans la carrière, où l’artiste les récupère. En contraste avec leur nature violente et leur témoignage de changements profonds et de cicatrices dans le paysage, elles apparaissent, malgré leur fabrication en fer, comme des formes légères, douces et familières. En plus d’être une référence explicite à l’industrie automobile, si pertinente dans le contexte de la ville de Turin et de la réalité industrielle qui est le berceau de la galerie, leur coloration vise à confondre l’ensemble du processus en volant la livrée... des coléoptères.

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4. Coady, Bauhaus 1 (2023). Présenté par Sandwich. Demande: 4 850 euros

Coady est un artiste qui vit et travaille à Melbourne, en Australie, et qui explore des questions socio-psychologiques, remettant en question notre perception de nous-mêmes et la précarité de notre structure mentale moderne. L’exploration de l’humeur et des oscillations entre les états mentaux maniaques et concentrés est au cœur de la pratique de Coady. Son travail remet en question des questions telles que notre dépendance aux drogues et la complexité de la compréhension de nous-mêmes en temps réel. Techniquement complexes et détaillées, les “sculptures-pilules” de Coady reflètent un état d’esprit contrôlé et calme et nous parlent de la frontière entre le contrôle et la perte de contrôle, la réalité et la fiction, le bien-être et la mauvaise santé. Œuvres d’une grande précision technique, elles visent à mettre immédiatement en évidence ce qui aurait pu être négligé auparavant, car malgré la présence courante de pilules dans nos vies pour stopper rapidement toutes sortes de douleurs, l’élégance subtile de leur conception pourrait nous avoir échappé par inadvertance jusqu’à ce que toute la fonctionnalité ait été magnifiée et soumise à un certain degré de parodie.

5. Andrea Sala, National Park Blanket (2023). Présenté par Federica Schiavo. Demande: 6 000 euros

Le dessin a toujours été un élément fondamental de la pratique artistique d’Andrea Sala, compris comme l’outil principal pour explorer les formes qui composent la réalité, mais aussi les possibilités d’abstraction et de compréhension des éléments qui, par leur nature même, ne conviennent pas à la sculpture. National Park Blanket est la dernière série de dessins réalisée par Sala: l’artiste part de l’étude de couvertures appartenant à l’histoire de peuples d’origines différentes. “J’ai été intrigué par le rôle social que l’on peut encore attribuer aux couvertures et j’ai commencé à les imaginer comme un support capable de catalyser des actions, des pensées et des objets qui appartiennent à la vie quotidienne et qui deviennent un paysage compris comme un système dynamique qui a agi dans le temps et agit dans le présent et en porte toutes les traces”, explique l’artiste.

6. Marius Steiger, Nature morte (jouets, fruits, fleurs, cœurs, papillons et sphères) (2023). Présenté par Blue Velvet Projects. Demande: 12 000 euros

Né en 1999, l’artiste suisse Marius Steiger est l’un des jeunes artistes les plus intéressants présentés à Artissima. Il étudie actuellement la peinture au Royal College of Art. Son travail explore les questions de l’identité, de l’authenticité, de l’artificialité, du consumérisme et de la relation de l’être humain à la technologie moderne. Il crée des œuvres qui associent des récits réels à la fiction dans un langage visuel austère mais romantique, remettant ironiquement en question la recherche de la perfection. L’esthétique générale de ses natures mortes particulières... déconstruites, qui rappelle d’une certaine manière les œuvres de l’Américain Wayne Thiebaud, transmet le monde numérique en se référant à l’écran par l’illumination des motifs et la physicalité de la surface. Les prix varient considérablement: la grande nature morte de deux mètres que nous présentons ici est l’œuvre la plus exigeante, tandis que les petits formats (30 x 25) peuvent être emportés à la maison pour 1 800 euros.

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7. Simone Forti, News Animation (2012). Présenté par Raffaella Cortese. Demande: 13 000 euros

Né à Florence en 1935, Forti est l’un des grands protagonistes de la performance contemporaine des cinquante dernières années. Artiste, chorégraphe, danseur et écrivain, Forti s’est consacré à la recherche d’une conscience kinesthésique, s’engageant toujours dans l’expérimentation et l’improvisation. En explorant la relation entre l’objet et le corps, par le biais d’études animales, de “news animation” apunto et de portraits de paysages, elle a reconfiguré le concept de performance et de danse. Raffaella Cortese présente plusieurs “animations d’actualité” de Simone Forti, représentant sa façon de voir l’actualité et les questions socio-politiques en général, qui deviennent un prétexte pour explorer le langage et ses intersections avec la danse, les images et la musique.

8. Alessandro Piangiamore, Yesterday Ikebana 080320191 (2019). Présenté par Magazzino. Demande: 16 000 €.

YesterdayIkebana d’Alessandro Piangiamore est une série, commencée en 2018, de sculptures réalisées en coulant du béton sur une composition de fleurs fraîches jetées sur les marchés de la ville et dans les rues. Le résultat final, toujours imprévisible, est censé souligner le contraste entre la fragilité insaisissable des fleurs et la dureté du béton, cristallisant l’éphémère en une sorte de nature morte gravée. La nature sculpturale de l’œuvre est ensuite réinterprétée par une représentation picturale, les “Ieri Ikebana” étant accrochés verticalement au mur.

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9. Marco Cingolani, Maison Nicolas Flamen (2022). Présenté par Thomas Brambilla. Demande: 20 000 euros

Thomas Brambilla présente à Artissima de nouvelles œuvres de Marco Cingolani, protagoniste absolu de la peinture italienne des années 1990 à aujourd’hui. Pour ces nouvelles œuvres, Cingolani part d’une citation des Métamorphoses d’Ovide pour décrire l’âge d’or: “L’âge d’or était le premier, alors il n’y avait ni douleur ni tristesse [...] Les tout premiers hommes, créés par les dieux, vivaient à l’époque de Krónos. C’était l’âge d’or, et le monde était bercé par un éternel printemps. La terre produisait spontanément ses fruits, sans avoir besoin d’être touchée par le râteau, ni déchirée par le soc. Les zéphyrs caressaient les fleurs nées sans semence, les cultures et les champs étaient toujours jaunes d’épis, et des fleuves de lait et de nectar coulaient sur la terre”. L’âge d’or est décrit comme une époque où la souffrance et le travail n’existaient pas, où la nourriture ne manquait jamais et où chacun pouvait vivre en harmonie avec la nature, et il n’a pris fin que lorsque Zeus a détrôné Kronos, provoquant ainsi un lent déclin de l’humanité. L’œuvre d’Ovide s’est emparée de ce sujet pour promouvoir le règne de l’empereur Auguste et diffuser l’idée d’un retour à la splendeur antique après la période de terribles guerres civiles de la fin de la République. De nombreux artistes, au cours des siècles, suivant l’exemple d’Ovide, ont repris ce thème dans un sens allégorique et symbolique et, surtout en peinture, il a été réinterprété de différentes manières et adapté en fonction des conceptions spirituelles et sociales. C’est ce qu’a voulu faire Marco Cingolani dans cette nouvelle série de peintures composées de coulées de pigments dorés et de traces de couleur: à partir du récit d’Ovide, il a repris et réinterprété l’âge d’or et nous présente un nouveau départ. Cingolani s’est en effet éloigné du figurativisme initial qui l’a rendu célèbre dans les années 1980 et 1990, tout en conservant la même maîtrise de la couleur et la présence de silhouettes à peine perceptibles qui ont toujours figuré dans ses œuvres.

10. Itamar Gov, Refuge bien-aimé de tous les étrangers (2023). Présenté par Zilberman. Demande: 25 000 euros

L’installation d’Itamar Gov, artiste israélien né en 1989, reprend les mots de l’historien byzantin Niketa Choniates, qui s’insurgeait contre la dévastation de Constantinople par les croisés lors de la quatrième croisade en 1204: “Ô ville impériale, ville fortifiée, ville du Grand Roi, tabernacle du Très-Haut, louange et chant de ses serviteurs et refuge bien-aimé des étrangers, reine des reines des villes, chant des chants et splendeur des splendeurs, et de la plus rare vision des rares merveilles du monde, qui nous a arrachés à toi comme des enfants chéris à leur mère adoratrice ? Qu’allons-nous devenir ?” L’installation monte les mots de Choniates sur un échafaudage, rappelant les enseignes sur les toits des vieux hôtels. L’enseigne, cependant, est censée conserver une ambiguïté sous-jacente: son emplacement - détaché de toute fonction pragmatique et placé dans une pièce fermée au lieu de briller sur un toit élevé - atteste d’un certain échec, d’un engagement qui ne peut être pleinement réalisé, soulignant le fossé entre la promesse d’un refuge pour tous les étrangers et la réalité concrète qui attend ces étrangers, loin de ce qui était autrefois leur maison. Abordant les relations complexes entre l’histoire, l’idéologie et l’esthétique, la pratique d’Itamar Gov se concentre sur des installations sculpturales et spatiales, ainsi que sur des œuvres graphiques et vidéo, et communique avec diverses formes de mémoire personnelle, collective et institutionnelle. Travaillant avec un ensemble varié d’outils visuels et théoriques, le point de départ de ses projets est un scepticisme investigateur à l’égard des traditions culturelles, des conventions et des gestes considérés comme évidents. Les œuvres de Gov sont basées sur une recherche permanente et tournent autour de l’intersection de l’art et de la politique, soulignant la tension entre le connu et le supposé et remettant en question une frontière claire entre le fait et le mensonge, la mémoire et l’imagination.

11. Massimo Bartolini, Rosée (2022). Présenté par Magazzino. Demande: 30 000 euros

Dans cette sélection d’œuvres d’Artissima, nous ne pouvions pas laisser de côté l’artiste qui représentera l’Italie à la prochaine Biennale de Venise: Massimo Bartolini. Un des rares “ big names ” dont les prix sont publiés dans le catalogue Artissima: crédit à Magazzino qui est l’une des rares galeries (mais aussi l’une des très rares à proposer des artistes confirmés) à miser sur cette stratégie. Plusieurs œuvres sont proposées à Magazzino: l’une des plus récentes est Rugiada, une œuvre de 2022 réalisée en émail sur aluminium, mais qui appartient à une série sur laquelle Bartolini travaille depuis plusieurs années et qu’il a également exposée récemment lors de la grande exposition personnelle Hagoromo qui s’est tenue l’année dernière au Centro Pecci de Prato. Rugiada est une série de peintures dans lesquelles une feuille d’aluminium est recouverte d’une couleur iridescente, puis d’une émulsion artificielle qui simule la rosée. “Bien qu’ils puissent sembler être des formes abstraites, ces monochromes renvoient à l’un des principaux thèmes de l’œuvre de Bartolini: le paysage naturel”, explique le commissaire Luca Cerizza dans les textes de Hagoromo. “Comme le suggère le titre, les ’rosées’ peuvent en fait être lues comme des fenêtres sur lesquelles la rosée s’est déposée et d’où l’on peut voir un paysage changeant, tout comme la couleur des peintures change avec le mouvement du spectateur. Ces œuvres mettent en scène une tension entre la bidimensionnalité de la peinture et la tridimensionnalité de la sculpture, entre l’arrière-plan (le paysage) et le premier plan (la rosée), entre le mouvement et la stase”.

12. Marinella Senatore, Make it shine (2023). Présenté par Mazzoleni. Demande: 50 000 euros

Parmi les plus grands noms de l’art contemporain italien, Marinella Senatore est présente chez Mazzoleni avec des installations et de nombreux polyptyques comme ce Make it shine. Les interconnexions entre les espaces dédiés à la rencontre, comme les places, et le pouvoir transformateur de l’engagement social sont quelques-unes des clés du travail de Marinella Senatore, qui fonde sa pratique créative sur l’esthétique de la résistance. Ses œuvres lumineuses et néon se concentrent sur la communauté et le pouvoir de transformation de l’art et de la participation. Ce sont des œuvres qui visent à célébrer les individus et les communautés par le biais de l’autonomisation et du pouvoir de la lumière, comme dans le cas de ses plafonniers. La tentative de capturer l’énergie de la lumière s’incarne également dans ses collages: des partitions musicales, des photographies, des croquis et des silhouettes en mouvement sont extrapolés à partir de moments de la School of Narrative Dance, son projet participatif le plus connu, lancé en 2012, qui, depuis plus d’une décennie, a impliqué 8 millions de personnes dans 23 pays.

13. Gilberto Zorio, Mémoire en parchemin (2021). Présenté par Lia Rumma. Demande: entre 120 et 150 000 euros

Lia Rumma présente, comme toujours, l’un de ses artistes phares, Gilberto Zorio, grand représentant de l’Arte Povera. Gilberto Zorio crée des œuvres d’art qui capturent des processus chimiques, des transformations mécaniques et des échanges d’énergie faisant allusion à l’évolution et à l’existence humaine. Zorio utilise un vocabulaire visuel spécifique et très reconnaissable, celui des étoiles à cinq faces, qui deviennent dans son art des symboles de mouvement, d’énergie et de transformation. Conformément aux principes de l’Arte Povera, il utilise dans ses œuvres des matériaux traditionnellement non artistiques, tels que le métal d’échafaudage, la mousse et la peau de vache. Memory in Parchment, dans lequel la désormais classique étoile d’acier est fixée sur un fond irrégulier de parchemin, est l’une des œuvres les plus récentes de l’infatigable maître piémontais né en 1944.

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14. Leandro Erlich, Le nuage - le cheval (2023). Présenté par Galleria Continua. Demande: € 175 000

L’un des désormais célèbres Nuages de Leandro Erlich, présent à la foire suite au succès de l’exposition de Milan, est également exposé cette année à Artissima. La série des Nuages “a évolué au fil du temps, changeant et se transformant comme le font les nuages”, explique Erlich. “À l’époque, je travaillais sur un projet pour un bâtiment au Japon et je devais créer des écrans qui arrêteraient le vent. Mes premières tentatives ont abouti au premier Nuage, un assemblage de plusieurs feuilles de verre qui, lorsqu’elles sont regardées sous le bon angle, apparaissent comme une image tridimensionnelle. Bien qu’il m’arrive de planifier une œuvre dès le départ et de savoir où je vais au fur et à mesure que je travaille, cette série a été une expérience continue au cours de laquelle le nuage a émergé. Je ne pense pas qu’une approche soit supérieure à une autre, le processus intuitif de création par rapport au plan complet, mais il y a quelque chose dans cette expérience plus nébuleuse et fortuite que j’apprécie en tant qu’artiste. Comme une idée, le nuage est à la fois totalement réel et illusoire. Les nuages atmosphériques ont toujours été un écran pour les projections humaines, mais en même temps, ils ne sont rien de plus qu’un événement momentané, ce que l’écrivain Jon Mooallem appelle une ”conspiration de vapeur“. Pourtant, nous continuons à regarder le ciel à la recherche de signes, de signaux. Nous voyons ce que nous imaginons et ressentons en lien avec notre interprétation, comme le test de Rorschach, les intentions des autres ou tant d’autres choses que nous nous approprions avec notre esprit”.

15. Lucio Fontana, Concepts spatiaux. Présenté par Tornabuoni Arte. Demande: entre 800 000 et 2 600 000 euros

Terminons par un nom qui n’a plus besoin d’être présenté. Tornabuoni Arte apporte à Artissima le grand art du XXe siècle, et il y a aussi trois splendides pièces de Lucio Fontana, accrochées ensemble sur le même mur: trois Concepts spatiaux, appartenant à la série des Coupes (le Attese) et des Trous. Les prix sont évidemment parmi les plus élevés de la foire.

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