15 œuvres pour raconter l'histoire de 2020 avec l'art, depuis les salles d'exposition d'Art Basel

Comme on le sait depuis juin dernier, Art Basel, la plus importante foire d’art contemporain au monde, a annulé son édition 2020 en raison des inquiétudes liées à la contagion du Covid-19. Cela n’a pas empêché l’organisation dirigée par Marc Spiegler (directeur d’Art Basel) et Alban Fischer (directeur d’Art Basel Digital) de se mettre en ligne et de lancer ce week-end le projet OVR:2020, une série de salles d’exposition thématiques sur des œuvres créées en 2020: les 100 galeries impliquées ont donc apporté six œuvres chacune à l’Art Basel virtuel, avec un point commun, à savoir qu’il s’agit toujours d’œuvres produites cette année. Il y a des artistes qui ont lu l’actualité, d’autres qui se sont plutôt tournés vers des réflexions intimes, il y a les dernières recherches stylistiques et formelles: une sorte de résumé de la manière dont l’art a entamé cette nouvelle décennie des années 2000. Nous avons sélectionné quinze œuvres, à notre avis significatives et capables de condenser les années 2020, ici racontées à travers l’art contemporain.

1. Lynn Hershman Leeson, Feeling Really Alone (2020 ; aquarelle et encre sur papier ; 45,7 x 35,6 cm)
Soumis par: Altman Siegel. Coût: 35 000

“Le masque a toujours été un moyen de cacher sa vulnérabilité. Aujourd’hui, les masques sont des interfaces qui changent par leur capacité à se connecter, fusionnant le passé et le présent par leur utilisation ”: c’est ainsi que Lynn Hershman Leeson (Cleveland, 1941) l’a exprimé en 2014. La galerie Altman Siegel présente dans l’édition virtuelle d’Art Basel une exposition unique de l’artiste américaine qui applique un “filtre 2020” à un thème récurrent de son art, celui de la femme masquée. Dans ce cas, Hershman Leeson se concentre sur l’évolution de l’importance sociale attachée aux masques, avec laquelle nous nous sommes tous familiarisés cette année. Dans le cas précis de cette œuvre, le titre est en lui-même éloquent pour expliquer la solitude de la femme masquée et son regard attristé.

Lynn Hershman Leeson, Feeling Really Alone (Se sentir vraiment seul)

2. Ludovic Nkoth, 1pm in Montauk (2020 ; aquarelle sur papier ; 50,8 x 40,6 cm)
Présenté par: François Ghebaly. Coût: 5 000

Le très jeune Ludovic Nkoth (Cameroun, 1994), né en Afrique mais élevé à New York où il a déménagé à l’âge de treize ans, est la vedette de l’exposition personnelle de François Ghebaly et apporte des portraits d’amis, de parents, de personnages fictifs et de lui-même dans les salles d’exposition d’Art Basel: l’idée de Nkoth, 26 ans, dans cette série d’œuvres, est de se demander ce qu’est la “maison”, quels sentiments le concept de maison évoque, comment on sait qu’on a trouvé une maison. Ses œuvres parlent donc de la recherche, du déplacement, du bonheur de la découverte, mais elles évoquent aussi les souvenirs d’enfance, les traditions, les vieilles histoires racontées par des personnes âgées.

Ludovic Nkoth, 13h à Montauk

3. Rirkrit Tiravanija, untitled 2020 (2020 ; installation, mixed media)
Présenté par: neugerriemschneider. Coût: 100-250 000

Le projet untitled 2020 (morgen ist die frage) de Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, 1961) a été conçu spécialement pour cette Art Basel virtuelle. Le point de départ est une phrase, “Tomorrow is the question”, empruntée à l’album du même nom du musicien de jazz Ornette Coleman. Pour ce projet, Tiravanija a imprimé cette phrase en neuf langues différentes (celles des pays où l’artiste a vécu et travaillé: allemand, anglais, amharique, espagnol, français, italien, japonais, portugais et thaïlandais) sur un grand nombre de T-shirts. Le processus d’impression (les T-shirts ont ensuite été empilés pour créer une sculpture rappelant le minimalisme de Donald Judd) a été filmé en continu lors d’une émission en direct, où le public pouvait poser des questions, enregistrées par Tiravanija et reproduites sur une grande toile créée à partir de journaux remplis de nouvelles sur les événements sociaux et politiques en pleine pandémie de Covid-19. L’objectif, dit Tiravanija, est d’essayer de comprendre “quel est le problème, si demain est le problème”.

Rirkrit Tiravanija, sans titre 2020

4. Elisabeth Neudörfl, Five (2020 ; photographie c-print, 51 x 76 cm)
Présenté par: Barbara Wien. Coût: moins de 10 000

La photographe allemande Elisabeth Neudörfl (Darmstadt, 1968) s’est rendue à Hong Kong au plus fort de l’épidémie de coronavirus (entre le 25 février et le 5 mars 2020) pour réaliser le projet Five, dont le titre fait référence aux cinq questions clés soulevées par le mouvement de protestation contre le gouvernement chinois. Pendant la semaine où Neudörfl a pris les 96 photos qui composent le projet, les rues de Hong Kong étaient désertes en raison du verrouillage imposé par le gouvernement, et les traces laissées par le mouvement de protestation (par exemple les graffitis) avaient déjà été en grande partie effacées.

Elisabeth Neudörfl, Five

5. Alicja Kwade, MatterMotion (2020 ; acier laqué et pierre, 600 x 518,2 x 94,8 cm)
Présenté par: kamel mennour. Coût: 250-500 000

MatterMotion est une sculpture de l’artiste germano-polonaise Alicja Kwade (Katowice, 1979) qui vise à réfléchir sur le temps, la perception et la recherche scientifique. L’œuvre, empreinte de poésie, se compose d’une structure en acier, ordonnée et géométrique, qui maintient quelques pierres informes en équilibre précaire: on peut y lire des tentatives d’ordonner le monde, qui reste cependant toujours subordonné aux lois de l’univers et à l’incertitude, l’exploration du doute, la possibilité de comprendre s’il existe d’autres façons de mesurer les phénomènes naturels. Avec ses œuvres, Kwade veut souligner le mystère et l’absurdité de la condition humaine afin de stimuler notre capacité à réfléchir sur nous-mêmes.

Alicja Kwade, MatterMotion

6. Mitch Epstein, Robert E. Lee Memorial / Marcus David Peters Circle, Richmond, Virginie, 2020 (2020 ; photographie, tirage chromogénique, 147,3 x 114,3 cm)
Présenté par: Yancey Richardson Gallery. Coût: 25 000

Le monument Robert E. Lee à Richmond, la capitale de la Virginie, est devenu célèbre dans le monde entier lors des manifestations Black Lives Matter et a fait l’objet d’innombrables photographies, dont celle-ci de l’Américain Mitch Epstein (Holyoke, 1952), qui a représenté le monument couvert de graffitis et de signes laissés par les personnes qui se sont rassemblées ici pour manifester et protester, mais aussi pour se souvenir, prier, étudier et danser, dans un moment de participation collective à un moment d’une importance historique significative. L’œuvre fait partie d’une série intitulée Property Rights dans laquelle Epstein étudie les États-Unis compris à la fois comme un lieu et comme une idée: le récit se concentre ainsi sur certains aspects tels que la citoyenneté, les droits, les libertés fondamentales et la relation avec le territoire.

Mitch Epstein, Robert E. Lee Memorial / Marcus David Peters Circle, Richmond, Virginie, 2020

7. Etal Adnan, Satellites 14 (2020 ; huile sur toile, 22 x 33 cm)
Présenté par: Galerie Lelong & Co. Coût: 50-100 000

La Galerie Lelong & Co., basée à Paris, se présente dans les salles d’exposition d’automne d’Art Basel avec un projet intitulé Cosmic Dancer, nommé d’après une célèbre chanson du groupe T. Rex de Marc Bolan: une ligne dit “la peur qui habite un homme / ce que c’est que d’être seul”. Les œuvres de cette petite exposition se concentrent donc sur le couple peur-optimisme. L’œuvre du grand poète et artiste libanais Etel Adnan (Beyrouth, 1925), qui, à l’âge de 95 ans, ne cesse de produire des œuvres pleines de lyrisme, doit également être lue dans ce sens. Ses “satellites”, au style typiquement radieux et coloré, réalisés dans sa maison à Paris, représentent un nouveau sujet dans sa production et renvoient à une dimension onirique, aux souvenirs d’un temps passé, lorsque l’artiste voyait les lumières des étoiles et de la lune dans le désert du Moyen-Orient.

Etal Adnan, Satellites 14

8. Ramiro Gomez, Deux personnes marchant devant l’Abbaye, 9 juin 2020, 10h30 (2020 ; acrylique sur toile, 30,5 x 22,9 cm)
Présenté par: P.P.O.W. Coût: 10 000

“J’ai toujours peint des personnes qui devraient être au centre de l’attention, mais qui ne l’étaient pas auparavant. Et puis j’ai réalisé, avec mes dernières expositions, que je devais montrer davantage mon identité. Et cela complique les récits que je présente. Je suis le fils homosexuel d’immigrés mexicains, et je ne devrais pas éviter de le dire par peur des réactions”. C’est ce que dit le jeune artiste californien Ramiro Gomez (San Bernardino, 1986), protagoniste de l’exposition personnelle à la galerie P.P.O.W., avec des œuvres sur les environnements dans lesquels Gomez vit lui-même et qui racontent donc sa vie quotidienne, en particulier celle des travailleurs hispaniques: employés de maison, éboueurs, travailleurs de la santé. Un échantillon de la communauté mexicaine de Californie dans les mois de la pandémie.

Ramiro Gomez, Deux personnes marchant devant l’Abbaye, 9 juin 2020, 10h30

9. Sam Durant, Remember in November (2020 ; enseigne électrique avec texte en vinyle, 193 x 241 x 20,3 cm)
Présenté par: Blum & Poe. Coût: 65 000

L’artiste américain Sam Durant (Seattle, 1961) a créé cette œuvre, Remember in November, comme un monument à la période de forte division que vivent actuellement les États-Unis et qui deviendra encore plus évidente lors de la prochaine élection présidentielle, qui appellera les Américains aux urnes en novembre 2020. L’œuvre fait partie d’une série de caissons lumineux qui fusionnent ce support, typique des enseignes de magasins et de centres commerciaux, avec le langage des panneaux de protestation (le lettrage est entièrement fait à la main, avec un lettrage typique des panneaux d’affichage), comme un symbole de la période de tension que nous vivons actuellement.

Sam Durant, Remember in November

10. Namsal Siedlecki, Deposition VIII (2020 ; cristaux de calcite, jute, acier inoxydable, 51 x 36 x 5 cm).
Présenté par: Warehouse. Coût: 9 000

Cette œuvre de l’artiste américain, mais italien d’adoption, Namsal Siedlecki (Greenfield, 1986), qui vit et travaille à Seggiano, dans la région de la Maremme de Grosseto, est présentée dans les salles d’exposition d’Art Basel par l’une des rares galeries italiennes présentes (la galerie romaine Magazzino) et constitue un exemple intéressant de la recherche technique complexe de l’artiste, l’une des plus prometteuses de la scène internationale. La série, intitulée Deposition, est réalisée à partir d’un processus de sédimentation de matériaux calcaires trouvés dans l’eau d’une fontaine à Saint-Nectaire, en France: Siedlecki accumule les matériaux en les laissant sous l’eau pendant une période de quatre à six mois, au cours de laquelle la calcite subit une transformation pour devenir une surface cristallisée et brillante. Le long processus nécessaire à la création de l’œuvre, qui fait référence aux recherches menées sur le matériau par divers artistes italiens à partir des années 1950 (par exemple Alberto Burri), revêt également des aspects symboliques, déclenchant une réflexion sur le temps, la lenteur et l’action des éléments.

Namsal Siedlecki, Déposition VIII

11. Mickalene Thomas, Jet Blue #14 (2020 ; photographie couleur, fragments de papier, strass et cristaux Swarovski sur papier, 123,2 x 92,1 cm)
Présenté par: Lévy Gorvy. Vendu

Le travail de Mickalene Thomas (Camden, 1971) explore les identités des femmes noires, tout en évoquant leur histoire. Cette œuvre, Jet Blue #14, fait partie d’une série créée à partir d’images de calendriers de pin-up des années 1970, produits par le magazine Jet, qui cherchait déjà à l’époque à s’éloigner des concepts eurocentriques de “beauté”. Dans cette œuvre, Thomas recontextualise les femmes de Jet pour donner au modèle une apparence sculpturale résultant du mélange des matériaux qui composent l’image et pour actualiser l’image. “J’ai toujours réfléchi à la façon dont, en tant que femme noire, j’ai grandi pour devenir la femme que je suis, et à la façon dont je me vois dans les autres”, explique l’artiste.

Mickalene Thomas, Jet Blue #14

12. Thomas Hirschhorn, Home (Chat-Poster) (2020 ; carton, bois, impressions, marqueur, autocollants, cristal, 240 x 125 cm)
Présenté par: Galerie Chantal Crousel. Coût: 60 000

L’artiste suisse Thomas Hirschhorn (Berne, 1957) réfléchit à la technologie en imaginant un chat sur Whatsapp avec l’une des figures marquantes de la pensée du XXe siècle, l’écrivaine et philosophe Simone Weil. Un dialogue impossible qui prend forme grâce à l’art et transcende le temps. “J’ai été frappée par ses positions, son courage, sa détermination, son engagement, son style (brut, direct, mystique, logique)”, explique l’artiste. J’aime le fait qu’elle ait été un soldat, une guérisseuse, une sainte laïque, une extrémiste, une penseuse, une lumière. La philosophie de Simone Weil est vraiment artistique, elle est plastique, elle est physique, elle est en mouvement, elle est une nouvelle forme. Elle a agi en activiste, dans son travail et dans sa vie, et sa capacité à être absolue, que j’admire, donne de la beauté à sa pensée".

Thomas Hirschhorn, Home (Chat-Poster)

13. Mark Manders, Composition with Two-Colours (2005-2020 ; bois peint et impression sur papier, 46,7 x 33,8 x 3,7 cm)
Présentée par: Zeno X Gallery. Coût: 18 000

Cette composition en deux couleurs de l’artiste néerlandais Mark Manders (Volkel, 1968) est la dernière d’une série commencée il y a quinze ans, Notional Newspapers, créée à partir de journaux contenant des mots anglais disposés dans un ordre aléatoire. Il s’agit d’une réflexion sur le langage: le journal contient des mots qui peuvent avoir des significations infinies, mais il n’y a pas de mots pour décrire les couleurs utilisées pour les deux panneaux de bois. En conséquence, les couleurs dépassent le langage: à une époque caractérisée par des conflits identitaires, Manders, dans la salle d’exposition de la galerie flamande Zeno X, montre des œuvres qui ont effacé toute référence à la race et au sexe, créant des archétypes au lieu de personnages ou de récits.

Mark Manders, Composition avec deux couleurs

14. Paul Anthony Smith, Untitled (2020 ; picotage sur impression à l’encre et peinture en aérosol sur panneau, 196,5 x 264,2 cm)
Présenté par: Jack Shainman Gallery. Coût: 50-100 000

Le jeune Paul Anthony Smith (St. Ann’s Bay, 1988) présente à Art Basel six œuvres qui découlent de son expérience en tant qu’immigrant jamaïcain aux États-Unis, ce qui donne lieu à des œuvres axées sur l’identité culturelle. La plage fait partie de l’identité culturelle jamaïcaine: “comme je viens des Caraïbes”, explique l’artiste, “je pense souvent à la plage: l’odeur de l’eau salée, la chaleur du soleil, les palmiers, les moments de calme sur le sable, les établissements de bains, la contemplation de ce qui pourrait être l’espace personnel de chacun”. Cette œuvre parle de liberté: la liberté dont les gens jouissent lorsqu’ils sont à la plage.

Paul Anthony Smith, Sans titre

15. Sophie von Hellermann, Fairy Dance (2020 ; acrylique sur toile, 140 x 160 cm)
Présenté par: Pilar Corrias. Coût: 10-25 000

L’artiste allemande Sophie von Hellermann (Munich, 1975) a créé cette œuvre pendant l’enfermement, qu’elle a passé en Angleterre, à la campagne. Il s’agit d’une danse de fées, inspirée de l’imagerie shakespearienne du Songe d’une nuit d’été: les peintures de Sophie von Hellermann incluent souvent des images et des personnages issus de son imagination. Une imagination qui, cette année, revêt une signification particulière: l’artiste a déclaré avoir ressenti l’urgence de peindre une telle scène à une époque où la maladie et l’isolement, l’incertitude et la mort sévissent dans le monde entier. Un scénario auquel opposer la joie du printemps et de l’été, avec une danse née d’un rêve.

Sophie von Hellermann, Danse des fées

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