Venise, à Ca' Pesaro, première rétrospective italienne d'Arshile Gorky, grand représentant de l'expressionnisme abstrait.

La première rétrospective italienne consacrée à Arshile Gorky (Vostanik Manouig Adoian ; Khorkom, 1904 - Sherman, 1948), le grand artiste arménien naturalisé aux États-Unis et l’un des principaux représentants de l’expressionnisme abstrait, se tient à Venise à Ca’ Pesaro - Galleria Internazionale d’Arte Moderna du 8 mai au 22 septembre 2019. L’exposition s’intitule Arshile Gorky. 1904 - 1948 et expose quatre-vingts œuvres qui permettent d’explorer l’art de Gorky de manière globale. De sa remise en question des maîtres modernes dans les années 1920 à ses dernières peintures dans les années 1940, il y a toujours une vision particulière dans l’œuvre de Gorky qui le distingue comme l’une des figures pivots de l’art américain du XXe siècle, aux côtés de Willem de Kooning, Jackson Pollock et Mark Rothko. Gorky a quitté l’Arménie pour se réfugier aux États-Unis à l’âge de quinze ans : il devait échapper au génocide arménien, et aux États-Unis il a vécu entre Boston et New York, où son art a connu un grand succès, qui s’est terminé par son suicide en 1948, qui a mis fin à une vie pleine de satisfactions mais aussi d’amertume et de problèmes personnels.

L’exposition est organisée par Edith Devaney, conservateur à la Royal Academy of Arts de Londres, et est réalisée en étroite collaboration avec la Fondation Arshile Gorky et les membres de la famille : grâce à ces collaborations, il sera également possible d’admirer des œuvres qui ont rarement été exposées en public. L’exposition bénéficie également de prêts de musées prestigieux : National Gallery of Art, Washington ; Tate Modern, Londres ; Centre Pompidou, Paris ; Whitney Museum of American Art, New York ; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington ; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo ; Calouste Gulbenkian Foundation, Lisbonne ; Diocèse de l’Église arménienne américaine, New York.

Gabriella Belli déclare : “L’extraordinaire personnalité de Gorky, présentée pour la première fois en Italie dans le cadre d’une exposition monographique”, déclare Gabriella Belli, directrice des musées civiques de Venise, “éclairera des zones encore obscures de l’histoire de l’art de notre pays, en nous permettant d’explorer en profondeur l’osmose entre la peinture européenne et la peinture américaine, dont Gorky a été sans aucun doute l’un des plus importants innovateurs”.

"Les œuvres les plus importantes de la carrière de Gorky, ajoute Edith Devaney, seront réunies dans une exposition qui nous permettra de réaffirmer la valeur de son expérience dans le développement et la définition de l’art américain du XXe siècle, en soulignant comment son influence se poursuit encore aujourd’hui.

“Il y a environ un siècle, le jeune Arshile Gorky, explique Saskia Spender, la petite-fille de l’artiste, est passé aussi près de Venise qu’il ne l’avait jamais fait en personne, lorsque le bateau qui devait l’emmener en Amérique a fait escale à Naples. En réalité, il n’a jamais été loin, du moins spirituellement, de l’art de Pompéi, de Paolo Uccello et de De Chirico, parmi ses prédécesseurs préférés. Il aimait travailler aussi vite que le célèbre Tintoret car, comme il l’a dit un jour, ”quand on est en phase avec son temps, on fait les choses plus facilement“. Nous espérons que cette exposition permettra aux visiteurs d’apprécier la valeur de la position particulière de Gorki ainsi que son énergie prolifique, et nous espérons également que pour la première fois en Italie, nous pourrons voir son œuvre à une telle échelle. Gorki était un homme qui rejetait les frontières et les étiquettes de toutes sortes, de son propre nom aux catégories de l’histoire de l’art. L’exposition de Venise ne peut que confirmer qu’une telle expression individuelle ne pouvait émerger que dans le New York du milieu du siècle dernier”.

Arshile Gorky. 1904 - 1948 suit l’évolution du vocabulaire artistique caractéristique de Gorky, qui découle de son engagement artistique et intellectuel avec les mouvements européens, bien qu’il soit autonome par rapport à leurs directives. Gorky a intégré les paysages de Paul Cézanne, la ligne d’Ingres, la composition de Paolo Uccello, la logique de Picasso et même les formes vives de Joan Miró. En fait, Gorky, en absorbant et en réagissant au travail des maîtres du passé et des artistes modernes, a pu développer sa propre vision et sa propre imagination. L’exposition commence donc par les premiers portraits de l’artiste, période au cours de laquelle il a rencontré de nombreux artistes de l’avant-garde new-yorkaise, dont Stuart Davis, John Graham et David Smith. Il s’agissait d’un environnement créatif dans lequel Gorki lui-même était une figure de proue. L’œuvre centrale est l’Autoportrait (vers 1937), qui fait référence aux portraits néoclassiques de Picasso des années 1920. Les portraits de Gorki n’étaient pas seulement une façon d’explorer le présent (portraits de sa famille, de ses amis proches et de ses pairs), mais aussi une façon de rendre hommage à la famille qu’il avait perdue.

Gorki a ensuite synthétisé les questions et la structure cubistes avec le contenu et les techniques surréalistes, en particulier en isolant et en élaborant des formes biomorphiques dans ses paysages et ses natures mortes des années 1930. Les séries de dessins intitulées Nighttime, Enigma et Nostalgia représentent un moment charnière dans le développement de l’abstraction de l’artiste, dont le vocabulaire est perfectionné par des motifs issus de son questionnement sur le cubisme et le surréalisme. Le dessin a joué un rôle fondamental dans la pratique de Gorki, façonnant ses idées et précédant presque chaque peinture. La créativité de Gorky est explorée dans l’exposition à travers des œuvres sur papier qui documentent l’ensemble de sa carrière.

Dans les années 1940, Gorky entre en contact avec les surréalistes, notamment André Breton, Wifredo Lam, Max Ernst et Roberto Matta. Ces nouvelles connaissances contribueront au développement de l’automatisme et du subconscient dans ses peintures. Des œuvres comme Apple Orchard (c. 1943 - 1946) témoignent non seulement de son habileté et d’une nouvelle ligne précise et fluide, mais aussi d’un changement d’approche. Le travail de Gorky a été revitalisé par une reconnexion avec la nature, cimentée par les étés 1942-1945 passés dans le Connecticut et à Crooked Run Farm en Virginie. Cette période passée en plein air et non dans son atelier ou dans les musées new-yorkais lui permet d’extraire des symboles et des motifs universels basés sur l’observation. Gorky examine attentivement les formes botaniques et biologiques et traduit les métaphores visuelles qu’il voit dans la nature en de nouvelles formes métamorphiques capables d’exprimer sa psyché la plus profonde.

Le dernier chapitre de l’exposition se concentre sur les derniers chefs-d’œuvre tels que Le foie est le peigne du coq (1944), Une année l’asclépiade (1944) et Peinture vert foncé (vers 1948). Dans ces œuvres, les symboles instinctifs de Gorky se transforment en un vocabulaire personnel de formes fantastiques récurrentes qui aboutissent, comme l’a noté Clement Greenberg en 1947, à “quelques-unes des meilleures peintures modernes jamais réalisées par un Américain”. L’artiste a imprégné ces œuvres de souvenirs d’enfance évocateurs, de sa profonde affinité avec la nature et des complexités et contradictions qu’il ressentait dans sa propre existence. Le lexique particulier de Gorky (un mélange de sa propre énergie et de son empathie, de son subconscient et de l’imagerie abstraite) fait de lui un précurseur de l’expressionnisme abstrait en Amérique. Gorky a vécu à une époque extraordinaire de bouleversements historiques et culturels, caractérisée par un mouvement de population sans précédent pendant les deux guerres mondiales, suivi de la montée en puissance de New York en tant que capitale artistique par rapport à Paris. Ce contexte historique est documenté dans l’exposition par des archives prêtées par la Fondation Arshile Gorky, et décrit non seulement la chronologie de la vie de Gorky, mais aussi les événements de cette période qui ont eu un impact profond sur sa vie. L’œuvre de l’artiste a exercé une influence durable sur plusieurs générations, notamment sur des artistes tels que Willem de Kooning, Cy Twombly, Helen Frankenthaler et Jack Whitten. L’exposition présentera également un film réalisé par Cosima Spender, la petite-fille de l’artiste, qui réunit plusieurs voix artistiques contemporaines pour réfléchir à la vie, à l’œuvre et à l’héritage de Gorki, ainsi que des images inédites de l’artiste.

Un catalogue illustré contenant des essais des commissaires (Edith Devaney et Gabriella Belli) et de Saskia Spender, avec des textes en anglais et en italien, accompagnera l’exposition. Pour plus d’informations, visitez le site web de la Ca’ Pesaro.

Photo : Arshile Gorky, Year the Milkweed (1944 ; huile sur toile, 94,2 x 119,3 cm ; Washington, National Gallery of Art, Ailsa Mellon Bruce Fund) © 2018 The Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York.

Source : communiqué de presse

Venise, à Ca' Pesaro, première rétrospective italienne d'Arshile Gorky, grand représentant de l'expressionnisme abstrait.

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