Une vaste rétrospective de l'artiste peintre contemporain Sean Scully au MAMbo

Du 22 juin au 9 octobre 2022, le MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna, dans la Sala delle Ciminiere, présente A Wound in a Dance with Love, une vaste rétrospective de Sean Scully (Dublin, 1945), l’un des plus grands représentants de la peinture contemporaine.

Organisée par Lorenzo Balbi avec comme partenaire principal la Kerlin Gallery de Dublin, l’exposition est basée sur l’exposition Sean Scully: Passenger - A Retrospective, organisée par le Musée des beaux-arts - Galerie nationale hongroise de Budapest sous la direction de Dávid Fehér (14 octobre 2020 - 30 mai 2021), qui a ensuite été accueillie au Musée Benaki d’Athènes. Aujourd’hui, elle arrive à Bologne dans une version renouvelée conçue pour le MAMbo. L’artiste est donc à nouveau le protagoniste d’une exposition individuelle à Bologne après 26 ans: en 1996, c’est la Galleria d’Arte Moderna qui lui avait consacré une exposition dans l’espace de la Villa delle Rose.

L’art de Scully réunit à la fois une connaissance approfondie des œuvres des maîtres anciens et contemporains et une sensibilité singulière pour tirer des suggestions visuelles et émotionnelles des faits de la réalité. L’exposition de Bologne présentera 68 œuvres, dont des peintures à l’huile, des acryliques, des aquarelles, des dessins et une sculpture monumentale, afin de mettre en évidence la dialectique constante entre ces deux composantes fondamentales de l’œuvre de l’artiste, retraçant une histoire créative qui s’étend sur plus de cinquante ans.

Depuis les premières expériences figuratives des années 1960 et les œuvres minimalistes des années 1970 jusqu’à l’œuvre actuelle, A Wound in a Dance with Love documentera les développements les plus importants d’une pratique qui est toujours cohérente avec ses propres hypothèses et qui est également capable de varier de manière significative dans le temps, en relation avec des expériences émotionnelles et des évolutions existentielles telles que l’affection et le deuil.

La salle d’ouverture accueillera deux peintures monumentales sur aluminium, What Makes Us Too (2017) et Uninsideout (2018 - 2020), dans lesquelles plusieurs éléments récurrents du travail de l’artiste se rejoignent par contraste: la tripartition, l’insertion d’“ insets ”, l’utilisation de rayures par opposition aux motifs orthogonaux et d’éléments monochromes, l’alternance de zones colorées et d’autres en noir et blanc.

Dans la nef centrale du Hall, l’exposition commencera par Fort #1 de 1978, synthèse rigoureuse de suggestions paysagères et de Backcloth de 1970, année au cours de laquelle Scully avait déjà mûri sa détermination à embrasser l’abstractionnisme. Avec Backcloth, l’artiste pousse à son extrême limite la possibilité d’utiliser la grille comme module unique de composition, avec une série dense de superpositions, tentant une approximation du dripping de Jackson Pollock à travers une utilisation paroxystique des motifs typiques de Piet Mondrian. Dans Crossover Painting #1 de 1974, situé dans la même salle, la texture compositionnelle devient plus détendue, tandis que la texture chromatique apparaît plus raffinée.

Est ensuite exposée la sculpture Opulent Ascension (2019), un exemple monumental des transpositions les plus récentes des intuitions de l’artiste à l’échelle tridimensionnelle. Il déclare lui-même: "J’ai réalisé Opulent Ascension en feutre. Feutre: un matériau qui est pressé dans l’existence, et non tissé à partir d’une ligne. Meret Oppenheim a pris une tasse et une soucoupe et les a doublées de fourrure animale, les rendant ainsi inutiles. Sont-elles donc devenues de l’art? Une tasse et une soucoupe doublées de fourrure doivent être une œuvre d’art, parce qu’elles sont étranges et parce que j’y pense depuis des décennies. La peau d’une chose, d’un être, d’un objet, peut-elle être prépondérante au point de définir ce qu’elle est? Au point que tout ce qui est à l’intérieur devienne subordonné à ce qui est à l’extérieur. J’aime cette question. Parce que je ne peux jamais y répondre" (Sean Scully, New York, 9 mars 2020).

De chaque côté d’Opulent Ascension se trouveront plusieurs œuvres clairement inspirées du paysage de la série Landline, dont celles dédiées à son deuxième fils Oisín : Oisín Green (2016) et Oisín Sea Green (2016), ainsi que le triptyque Arles Nacht Vincent (2015), un hommage à Vincent van Gogh, et, à l’arrière-plan, Black Square (2020), inspiré par Kazimir Malevic.

Dans l’aile latérale sera exposée La baigneuse (1983), inspirée d’un tableau d’Henri Matisse, évoquée uniquement de manière intuitive par une palette et un rendu vibrant de la lumière. Avec ce tableau, l’artiste entame le rapprochement des recherches de Matisse lui-même, de Piet Mondrian et de Mark Rothko, parmi les sources d’inspiration déclarées de sa peinture.

Mariana (1991) présente les “insets” typiques consistant en des toiles peintes avec des motifs contrastés et physiquement encastrées dans des logements creusés dans le corps du tableau, tandis que Long Light (1998), qui fait déjà partie de la collection permanente du MAMbo, est une répétition des réflexions sur la lumière qui préludent aux œuvres suivantes du cycle Wall of Light, inspirées par l’observation attentive de mutations lumineuses sur des surfaces murales vues et photographiées d’abord au Mexique, puis dans diverses parties du monde: deux œuvres particulièrement intenses sont Wall of Light White Tundra (2009), prêtée par la Galleria d’Arte Moderna de Turin, et Wall Light Zacatecas (2010). Cette section de l’exposition comprend d’autres œuvres plus récentes, chacune caractérisée par sa propre empreinte. Une autre œuvre inspirée du tableau de Vincent van Gogh, Vincent (2002), y figure également, tandis que Empty Heart (1987) évoque l’une des périodes les plus dramatiques de la vie de l’artiste, marquée par la mort de son premier fils Paul, âgé de 19 ans.

Enfin, un dernier espace sera consacré au tournant le plus récent et le plus significatif de l’œuvre de Scully: le retour à la peinture figurative que l’artiste avait brièvement abordée à ses débuts.

Les peintures de la série Madonna, réalisées entre 2018 et 2019, représentent la femme et le fils de l’artiste en train de jouer avec du sable, mettant en lumière un thème qui a toujours été cher à Scully, celui de la mère avec son enfant. Un motif en fait toujours sous-jacent aux mêmes “ insets ” si récurrents dans son œuvre et qui apparaissent à nouveau, s’alignant sur une pratique autoréflexive permanente, dans le tableau qui clôt l’exposition: Figure Abstract and Vice Versa (2019), un diptyque dans lequel la figure d’Oisín, décidée à jouer à droite, trouve un contrepoids dans le panneau divisé en bandes horizontales à gauche, tandis qu’un jeu symétrique d’un morceau de chaque toile dans l’autre offre la clé d’interprétation d’une peinture qui colle à la réalité, en se concentrant sur l’exploration de ses propres moyens constitutifs.

L’exposition est complétée par une sélection d’œuvres sur papier accompagnant chaque phase évolutive de l’ensemble de la carrière de Scully et par un programme de films: Sean Scully: Set in Stone, 2008, réalisé par Michael Doyle ; Sean Scully: Why This, Not That? 2009, réalisé par Michael Doyle ; Sean Scully: Art Comes From Need, 2010, réalisé par Hans Andreas Guttner ; Sean Scully: There are no certainties in my paintings, 2011, réalisé par Laurence Topham et Michael Tait ; The drawing out of the Eleuthera paintings, parts I et II, 2017 et 2018, réalisé par Sean Scully ; A tour of Sean Scully’s studio by Oisín Scully, 2020, réalisé par Oisín Scully.

À l’occasion de sa rétrospective à Bologne, Sean Scully fera don au MAMbo d’une œuvre qui entrera ensuite dans les collections du musée: Aix Wall 4 (2021).

L’artiste a également choisi de rendre hommage à Giorgio Morandi en exposant deux œuvres dans les espaces du Museo Morandi: Cactus (1964), qui appartient à la première phase figurative de l’artiste, une œuvre qui, tout en représentant fidèlement certaines des plantes mentionnées dans le titre, présente déjà des traits caractéristiques de ses recherches abstraites ultérieures et dont le sujet a une valeur symbolique singulière pour Scully, pour qui le cactus est une plante “indestructible et digne d’admiration”. Le second est le diptyque Two Windows Grey Diptych (2000), qui s’insère parfaitement parmi les œuvres tardives les plus rares du maître bolonais.

A Wound in a Dance with Love fait partie des expositions du programme de Bologna Estate 2022, le programme d’activités promu par la municipalité de Bologne et la ville métropolitaine de Bologne - Territoire touristique de Bologne-Modène.

Lors de l’inauguration, le mardi 21 juin à 18h30, le foyer du musée accueillera un concert du maître guitariste Lorenzo Biguzzi, promu en collaboration avec la Fondazione Accademia Internazionale di Imola “Incontri con il Maestro” et conçu pour l’occasion. Une conférence publique avec Sean Scully aura lieu le mercredi 22 juin à 18 heures dans la salle de conférence du musée.

Image: Sean Scully, A Wound in a Dance with Love, vue de l’installation (MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna, 2022). Photo par Ornella De Carlo

Une vaste rétrospective de l'artiste peintre contemporain Sean Scully au MAMbo

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