Une exposition collective à la National Gallery sur la façon dont la société humaine conduit à une catastrophe environnementale

La Galerie nationale d’art moderne et contemporain de Rome présente du 24 octobre 2022 au 26 février 2023 l’exposition collective Hot Spot. Caring For a Burning World, dont le commissaire est Gerardo Mosquera.

Le titre fait écho à l’œuvre éponyme de Mona Hatoum(Hot Spot III, 2009) incluse dans l’exposition: une grande installation en fer et en néon représentant la planète Terre éclairée par une lumière rouge qui symbolise les conflits qui la font brûler. L’œuvre raconte comment la manière perturbatrice dont la société humaine s’est organisée semble conduire à une catastrophe environnementale. L’échec du projet moderne et la possibilité même d’un développement harmonieux de l’humanité dans son environnement sont aujourd’hui plus qu’évidents et sont au centre des débats contemporains.

L’exposition de la National Gallery vise à rassembler les multiples réactions des artistes à ces conditions. Les œuvres exposées visent à plonger dans la complexité de la situation actuelle, en proposant un activisme esthétique qui entend stimuler la réflexion et la prise de conscience du désastre, afin d’imaginer une relation différente avec la planète.

“Il est tout à fait naturel que l’art aborde des questions aussi brûlantes: de nombreux artistes l’ont fait tout au long de leur carrière de manière militante, réactive et pertinente, mais cette exposition, en revanche, contribue à la critique écologique et sociale par une voie plus indirecte, mais non moins urgente et opportune”, explique le commissaire de l’exposition. “Le parcours de l’exposition ne considère pas la question comme quelque chose de spécifique, mais l’ouvre et l’amplifie en explorant d’autres aspects, parfois ambigus et contradictoires, ou harmonieux, suggérant la possibilité d’une renaissance de l’environnement naturel, puisque la vie sur Terre a une énorme capacité de résilience”.

Conçue spécifiquement pour les espaces de la National Gallery, l’exposition présente les œuvres de vingt-six artistes du monde entier et appartenant à différentes générations: Ida Applebroog (Bronx, New York, 1929), John Baldessari (National City, Californie, États-Unis, 1931- Los Angeles, Californie, États-Unis, 2020), Johanna Calle (Bogota, Colombie, 1965), Pier Paolo Calzolari (Bologne, Bologne, 1943), Alex Cerveny (São Paulo, Brésil, 1963), Sandra Cinto (Santo Andre, Brésil, 1968), Jonathas de Andrade (Maceio, Brésil, 1982), Filippo de Pisis (Ferrare, 1896 - Milan, 1956), Mona Hatbroog (Bronx, New York, 1929), John Baldessari (National City, Californie, États-Unis, 1931- Los Angeles, Californie, États-Unis, 2020). Milan, 1956), Mona Hatoum (Beyrouth, Liban, 1952), Ayrson Heráclito (Macauba, Brésil, 1968), Ibeyi (Lisa-Kaindé Diaz et Naomi Diaz, Paris, 1994), Chris Jordan (San Francisco, Californie, U.S., 1963), Juree Kim (Masan, Corée du Sud, 1980), Glenda León (La Havane, Cuba, 1976), Ange Leccia (Barrettali, France, 1952), Cristina Lucas (Jaen, Espagne, 1973), Cecylia Malik (Cracovie, Pologne, 1975), Gideon Mendel (Johannesburg, Afrique du Sud, 1959), Raquel Paiewonsky (Puerto Plata, République dominicaine, 1969), Michelangelo Pistoletto (Biella, 1933), Alejandro Prieto (Guadalajara, Mexique, 1976), Davide Rivalta (Bologne, 1974), Andrea Santarlasci (Pise, 1964), Allan Sekula (Erie, Pennsylvanie, U.S., 1951 - Los Angeles, Californie, États-Unis, 2013), Daphne Wright (Longford, République d’Irlande, 1963), Rachel Youn (Abington, Pennsylvanie, États-Unis, 1994).

Si les œuvres de Mona Hatoum et Pier Paolo Calzolari racontent les effets extrêmes que le climat peut produire par contraste visuel et matériel, la force perturbatrice que les éléments, comme l’eau, peuvent manifester est montrée dans Flooded de Kim Juree, où l’on observe la dissolution d’une architecture en argile.

Gideon Mendel, quant à lui, a documenté avec ses photographies les ravages causés par les inondations dans diverses parties de la planète. À mi-chemin entre la documentation et la photographie de scène, l’approche didactique de ces œuvres est renforcée par la composante esthétique. De même, la vidéo d’ Ange Leccia suggère, à travers des images évocatrices d’eau s’élevant au mépris de la gravité, l’idée de l’élévation du niveau des mers.

La croissance vertigineuse de la population humaine, son expansion incontrôlée et l’exploitation des ressources environnementales qui en découle mettent également en évidence la relation avec les autres êtres vivants qui peuplent la Terre et qui, pendant la période de fermeture, se sont vus reconquérir des espaces vitaux. Ces apparitions se retrouvent dans les sculptures de Davide Rivalta, dont les gorilles en voie de disparition accueillent le public à l’entrée de la galerie.

La crise de la biodiversité, l’extinction vertigineuse des espèces animales et végétales et la critique du développement violent des zones urbanisées sont au centre des œuvres de Daphne Wright et d’Ida Applebroog, et émergent avec une ironie subtile dans le petit coucou arrêté à la frontière américano-mexicaine représenté par Alejandro Prieto. Les contradictions ne manquent pas, comme dans l’image de la vidéo de Jonathas de Andrade où le pêcheur embrasse et caresse le poisson sur lequel il agonise.

L’augmentation de la population sur la planète va de pair avec la surproduction de biens et, par conséquent, avec l’augmentation des déchets et des ordures: ce sont les ordures que Chris Jordan représente dans leur massivité. Les processus croissants d’urbanisation et de technologisation du monde font peu de cas de l’environnement naturel, donnant lieu à des phénomènes tels que les marées noires dépeintes par Allan Sekula. Les plantes agitées par des machines dans les sculptures de Rachel Young, qui bougent follement, semblent commenter ce phénomène, tout comme les manipulations génétiques et le passage aux cyborgs et à la robotisation. Le lyrisme visuel de Johanna Calle agit à l’inverse: elle construit un arbre avec une machine à écrire.

Les arbres sont également les protagonistes des œuvres de Cecylia Malik, qui entend réfléchir à la déforestation aveugle qui a eu lieu en Pologne, en opposant les troncs coupés à la vie, aux mères qui, assises sur ce qui reste de la forêt, allaitent leurs enfants. Avec cinq troncs d’arbres en miroir, Michelangelo Pistoletto crée une image ouverte de la relation entre la présence humaine et l’environnement. Dans sa peinture, Alex Cerveny transforme la silhouette humaine en un arbre fruitier entouré d’oiseaux.

D’autres œuvres rappellent que l’homme se place trop souvent dans une position de supériorité par rapport à la nature, comme le fait John Baldessari dans sa vidéo en s’imposant à elle. Cristina Lucas réagit précisément à la dimension patriarcale par un féminisme radical: dans sa vidéo-performance classique, elle détruit une copie du Moïse de Michel-Ange, se rebellant contre les tables de la loi dictées par le pouvoir.

Le clip vidéo du duo Ibeyi semble exprimer le contraire du contrôle hiérarchique sur la nature dans une chanson adressée à la rivière, comme s’il s’agissait d’Ochún, la déesse yoruba de l’eau douce, à qui les artistes chantent en langue nigériane. Sur un mur entier de la galerie, les eaux flottent dans le ciel, dans une cosmologie liquide et poétique, peinte spécialement pour cette exposition par Sandra Cinto. L’œuvre d’Andrea Santarlasci peut plutôt être considérée comme une expression du contraste entre la nature et le monde construit. Ayrson Heráclito et Joceval Santos, artistes et prêtres candomblé, réalisent un grand ebbó, une cérémonie de “nettoyage” du monde soigneusement préparée selon les traditions Yoruba au Brésil. L’œuvre hybride ainsi la ritualité sacrée afro-brésilienne avec la performance, dans une tentative imaginative de débarrasser la sphère terrestre des maux qui l’affligent.

D’autres artistes font allusion à une coexistence harmonieuse avec la nature, comme dans la photographie mise en scène par Raquel Paiewonski de doigts de yucca, où la main devient une racine comestible qui était le principal aliment cultivé par les Tainos dans les Caraïbes précolombiennes et qui continue d’être important dans le régime alimentaire de la région aujourd’hui. Glenda León suggère une renaissance dans son piano fleuri.

Ces œuvres sont basées sur la pluralité méthodologique, le pouvoir communicatif de l’image, la poésie et la dynamique sémantique. Certaines œuvres ont été créées sans l’intention de commenter les questions écologiques, mais ont été incluses pour leur capacité à contribuer à l’articulation du thème. Chaque œuvre est polysémique et toujours ouverte à l’interprétation. L’exposition n’a pas pour but de diffuser des slogans, mais de prendre soin du monde à travers l’art, en nous invitant à réfléchir de manière différente et subjective aux graves problèmes de la planète dans leur complexité, et pas seulement au niveau écologique et social.

Image: Daphne Wright, Stallion (2009), poussière de marbre et résine, 160 x 380 x 140 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Frith Street Gallery, Londres. Photo de Stephen White

Une exposition collective à la National Gallery sur la façon dont la société humaine conduit à une catastrophe environnementale

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