Une exposition au château de Rivoli sur les artistes en guerre, de Goya à l'Ukraine

La nouvelle activité d’exposition 2023 du Castello di Rivoli - Museo d’Arte Contemporanea démarre au troisième étage de la résidence Savoy avec l’exposition collective organisée par Carolyn Christov-Bakargiev et Marianna Vecellio intitulée Artists at War, avec des œuvres d’artistes tels que Francisco Goya, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Lee Miller, Zoran Mušič, Alberto Burri, Iri et Toshi Maruki, Fabio Mauri, Bracha L. Ettinger, Anri Sala, Michael Rakowitz, Dinh Q. Lê (avec des œuvres, entre autres, de Le Lam, Phan Oanh, Nguyen Thu, Truong Hieu, Nguyen Toan Thi, Kim Tien, Quach Phong, Huynh Phuong Dong, Minh Phuong), Vu Giang Huong, Rahraw Omarzad et Nikita Kadan. L’exposition présente plus de 140 œuvres de 39 auteurs par des artistes qui ont été ou sont en guerre. L’exposition, qui se tiendra du 15 mars au 19 novembre 2023, s’inspire de Desastres de la Guerra (Désastres de la guerre), une œuvre de 1810-1815 de Francisco José de Goya y Lucientes, et développe le thème de la guerre et de la subjectivité post-traumatique à travers des œuvres historiques et de nouveaux projets d’artistes contemporains de premier plan.

Artists at War comprend des prêts d’importantes institutions publiques et privées italiennes et internationales, ainsi que deux nouvelles commandes, des œuvres inédites créées pour l’occasion par l’artiste afghan Rahraw Omarzad (Kaboul, 1964) et l’artiste ukrainien Nikita Kadan (Kiev, 1982). Ces deux artistes partagent une pratique proche de celle des promoteurs culturels, offrant un message à fort impact émotionnel et humain, mais aussi social et politique. Issues de scénarios de conflits et de profonds changements géopolitiques, leurs pratiques invitent à réfléchir sur l’importance de trouver des récits de guérison et de paix dans l’expression créative.

"Cette exposition, la dernière du parcours artistique d’Espressioni qui s’est développé au fil des ans, rassemble une réflexion profonde sur la contemporanéité, grâce au travail d’artistes qui, au fil des siècles, ont su raconter les discontinuités du présent et les conflits, interprétés à travers leur sensibilité personnelle à l’époque où ils vivaient", déclare Francesca Lavazza, présidente du Castello diRivoli. “Les œuvres exposées parviennent ainsi à secouer le public sur des questions controversées et difficiles, en représentant les horreurs de la guerre, transversales à tous les conflits. Je tiens à remercier Carolyn Christov-Bakargiev et Marianna Vecellio pour ce projet courageux destiné à faire réfléchir la conscience collective”.

Initialement conçue comme le dernier chapitre du projet pluriannuel d’exposition et de recherche Espressioni“, explique la directrice Carolyn Christov-Bakargiev, ”les récents événements internationaux nous ont amenés à créer une nouvelle exposition ad hoc sur le sens de la guerre, à nous demander comment certains êtres humains particulièrement empathiques, les artistes, traitent la violence organisée et seulement apparemment rationnelle de la guerre en soulignant son horreur ou en contrastant son mystère - suspendue qu’elle est entre l’imprévisibilité maximale et le calcul maximal". Pour le philosophe grec présocratique Héraclite, l’être se révèle dans la guerre, Πόλεμος πάντων μὲν πατήρ ἐστι (polemos pantōn men patēr esti - la guerre est le père de toutes choses). Le philosophe français Emmanuel Lévinas, immédiatement après la Seconde Guerre mondiale, qu’il a passée en partie dans un camp de prisonniers allemand, nous rappelle que l’être se révèle à la pensée philosophique comme guerre, c’est-à-dire dans le contraste entre la finitude de la mort - la plus perceptible dans la guerre - et l’incommensurabilité illimitée de l’existence. Dans cet intervalle ou interrègne entre la vie et la mort, l’artiste trouve dans l’art un moyen de s’extraire du conflit et de la pensée contradictoire et d’élargir à l’infini le temps et l’espace, voire la vie quotidienne. À travers une série d’exemples du passé et de nouvelles œuvres d’artistes en guerre aujourd’hui, cette exposition se propose d’explorer ce thème d’un point de vue culturel, psychologique, esthétique, historique et philosophique. Elle ouvre une réflexion qui va au-delà de la simple suppression de la guerre, au-delà de son explication purement économique, au-delà de la peur ou - revers de la même médaille - de sa célébration en tant que nécessité et moindre mal.

L’exposition débute dans l’atrium du troisième étage, avec une sélection de photographies d’archives provenant des collections de la GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea de Turin - représentant la ville savoyarde détruite par les bombardements pendant la Seconde Guerre mondiale. Cet espace présente également les œuvres d’Iri et Toshi Maruki, témoins directs des effets des explosions nucléaires d’Hiroshima et de Nagasaki.

Dans la salle 34, la guerre d’indépendance espagnole (1808-1814) sert de toile de fond aux Desastres de la Guerra (désastres de la guerre), 1810-1815, première édition 1863, le célèbre cycle de 83 gravures réalisées pendant la période marquée par le conflit avec les envahisseurs français napoléoniens. Les gros plans de corps et de visages en souffrance représentés par Goya sont mis en dialogue avec les œuvres de l’artiste slovène Anton Zoran Mušič, qui eut l’occasion d’admirer et d’étudier les œuvres de Goya à Madrid dans les années 1930, avant la guerre. Dans cette même salle 34, un aperçu de la peinture la plus récente de l’artiste et psychanalyste Bracha L. Ettinger, Medusa - Rachel - Pieta, 2017-2022, d’où émergent des visages hallucinés mais aussi une profonde beauté.

La Seconde Guerre mondiale est également explorée dans la salle 35 à travers une sélection d’œuvres mises en dialogue avec le tableau Tête de femme, 1942, de Pablo Picasso , réalisé en plein conflit et en partie dérivé du célèbre tableau Guernica, 1937, avec lequel il partage l’utilisation d’une palette de noirs et de gris. Le visage déchiré et fendu de l’artiste et amie Dora Maar, sujet probable du portrait, ressemble également aux figures féminines représentées dans Guernica. La grande toile a été réalisée au printemps 1937 en souvenir du tragique bombardement aérien de la ville basque par l’aviation nazie-fasciste le 26 avril 1937. Picasso y dénonce les horreurs de la guerre civile espagnole et critique sévèrement la conduite du général Francisco Franco.

Les livres aux reliures rares et uniques de Pierre-Lucien Martin de la collection Cerruti Solidarité. Poème, 1938, et Au rendez-vous allemand, 1944, du poète surréaliste français Paul Éluard sont également exposés. Solidarité a été publié en avril 1938 avec un ensemble de sept aquatintes et gravures d’artistes antifascistes, dont Pablo Picasso, Joan Miró et Yves Tanguy. Dans la même salle se trouve également l’œuvre de Salvador Dalí Composition avec tour, datant d’environ 1943: cette peinture est une esquisse pour l’un des rideaux qu’il a réalisés pour la chorégraphie de son amie connue sous le nom de La Argentinita, la célèbre danseuse et chorégraphe Encarnación López Júlvez, une républicaine qui s’est réfugiée aux États-Unis en 1936. Cette chorégraphie, créée en pleine guerre, se voulait un hymne à la joie et à la liberté du monde d’avant la dictature franquiste.

Une partie de la salle 35 est consacrée à l’œuvre d’Alberto Burri, l’un des principaux artistes italiens du XXe siècle qui, grâce à une recherche sans précédent sur les matériaux, a révolutionné le langage artistique de l’après-guerre en créant un art abstrait d’une matérialité saisissante. Médecin de formation, il a servi dans l’armée italienne en Afrique du Nord, où il a été fait prisonnier et transféré aux États-Unis. Au cours de sa détention dans le camp de prisonniers de guerre de Hereford, au Texas, de 1943 à 1946, il décide d’abandonner la profession médicale pour se consacrer exclusivement à l’art. Dans le camp de Hereford, il y avait de nombreux Italiens qui étaient écrivains, artistes et artisans, et il est possible que l’idée de se consacrer à l’art soit née avec eux. L’exposition présente la première peinture de Burri, l’huile sur toile Texas, 1945, l’une des rares œuvres réalisées dans le camp de prisonniers et qu’il a ramenées dans sa ville natale de Città di Castello, en Italie. Cette œuvre est fondamentale, bien qu’elle n’appartienne pas à la période de maturité de l’artiste, qu’il datait d’environ 1948.

Dans la même salle sont également exposées les photographies militaires extraites de magazines de l’époque qui composent l’œuvre conceptuelle Linguaggio è guerra (La langue, c’est la guerre), 1974, de Fabio Mauri. Choqué par la découverte de l’Holocauste, l’artiste italien a été interné dans un asile immédiatement après la guerre et a été en proie à des crises mystiques jusqu’au début des années 1950. À partir de la fin des années 1950, il développe un art fondé sur la recherche de la beauté, du mal, de l’idéologie et du pouvoir. Dans Language is War, il réfléchit, au début des années 1970, à la relation entre la manipulation idéologique (le langage) et la guerre en général. L’exposition de la salle est complétée par des photographies en noir et blanc d’Elizabeth (Lee) Miller, une photographe surréaliste, élève de Man Ray, qui devint plus tard photographe de mode et reporter. Pendant la Seconde Guerre mondiale, elle est devenue une correspondante de guerre acclamée pour le magazine Vogue, accompagnant l’armée américaine en Allemagne et documentant ainsi la première entrée dans les camps de concentration de Buchenwald et de Dachau. Dans cette exposition, pour la première fois, les photographies de Dachau de Lee Miller peuvent être comparées aux dessins et aux témoignages de Mušič.

L’exposition se poursuit dans la salle 36 avec une section consacrée à la représentation artistique de la guerre du Viêt Nam. L’installation Lumière et croyance. Voix et croquis de vie de la guerre du Viêt Nam, 2012, de l’artiste vietnamien Dinh Q. Lê, qui vit et travaille aujourd’hui à Ho Chi Minh Ville (anciennement Saigon), est présentée pour la première fois à la dOCUMENTA (13) de Kassel. L’artiste a fui le Sud-Vietnam en 1978, à l’âge de 10 ans, après la prise de Saigon par les troupes nord-vietnamiennes (1975) et l’unification du pays en juillet 1976, et a rejoint les États-Unis parmi les “Boat people” à la fin des années 1970. Une œuvre de Vu Giang Huong, un important artiste nord-vietnamien, est également exposée.

Dans la salle suivante (36a), un témoignage est consacré à la guerre en Ukraine, qui dure depuis l’invasion russe de février 2022. Cette guerre prolonge le conflit déjà en cours depuis 2014, lorsque la Russie a annexé la Crimée et certaines parties du Donbass, et est élaborée du point de vue de l’artiste ukrainien Nikita Kadan dans la grande installation The Shelter II, 2023, qui est une suite naturelle de l’œuvre du même nom The Shelter créée par l’artiste en 2015 pour la 14e Biennale d’Istanbul et consacrée au Donbass. La nouvelle œuvre au Castello di Rivoli s’inspire d’images documentant la guerre en Ukraine que l’artiste a trouvées sur Internet. Elle exprime le drame et la douleur du conflit russo-ukrainien et ressemble à un abri antiaérien divisé en deux étages.

La salle 37 est consacrée à l’élaboration artistique de la guerre dans les Balkans (1990-2001), avec la vidéo de l’artiste albanais Anri Sala, Nocturnes, 1999, qui utilise des techniques documentaires d’association entre des histoires personnelles et des réalités historiques pour attirer l’attention sur l’expérience de la solitude et de la pression sociale en temps de guerre.

Dans la même salle, les conflits au Moyen-Orient sont racontés à travers le film The Ballad of Special Ops Cody, 2017, de l’artiste américain d’origine irakienne Michael Rakowitz, dont le travail étudie les contradictions des guerres en Irak.

L’exposition au troisième étage du Château s’achève dans la salle 38 et la salle des combles du musée avec des échos des guerres les plus récentes en Afghanistan. Ce conflit, avec ses renversements continuels, est évoqué dans les œuvres de l’artiste afghan Rahraw Omarzad, fondateur du centre d’art contemporain CCAA à Kaboul et d’une école destinée à permettre aux femmes d’accéder à l’éducation artistique, qui s’est enfui à l’automne 2021 grâce en partie à l’engagement du musée et du gouvernement italien. L’installation Every Tiger Needs a Horse, 2022-2023, est un environnement créé à partir de l’explosion d’un cube contenant de la dynamite et de la peinture, explosion réalisée de manière contrôlée à l’intérieur d’une base militaire du Piémont grâce à la collaboration de l’armée italienne. Les six toiles qui en résultent et en portent les traces sont montrées pour la première fois dans cette exposition.

Le parcours de l’exposition est Le parcours de l’exposition est complété par la présentation, dans le théâtre du musée, d’un programme vidéo conçu par l’artiste ukrainien Nikita Kadan et Giulia Colletti, intitulé A Letter from the Front, avec des œuvres des artistes ukrainiens contemporains AntiGONNA (Vinnitsa, 1986), Yaroslav Futymsky (Poninka, 1987), Nikolay Karabinovych (Odessa, 1988), Dana Kavelina (Melitopol, 1995), Alina Kleytman (Kharkiv, 1991), Yuri Leiderman (Odessa, 1963), Katya Libkind (Vladivostok, 1991), Yarema Malashchuk & Roman Himey (Yarema Malashchuk, 1991). Roman Himey (Yarema Malashchuk: Kolomyia, 1993 / Roman Himey: Kolomyia, 1992), Lada Nakonechna (Dnipropetrovsk, 1981), R.E.P. (2004), Revkovsky / Rachinsky (Daniil Revkovsky: Kharkiv, 1993 / Andriy Rachinsky: Kharkiv, 1990), Oleksiy Sai (Kiev, 1975), Lesia Khomenko (Kiev, 1980), et Mykola Ridnyi (Kharkiv, 1985).

Pour plus d’informations, veuillez consulter le site web du Castello di Rivoli.

Image: Francisco José de Goya y Lucientes, Desastres de la Guerra (1810-1815 ; Collection Fondazione Francesco Federico Cerruti per l’Arte long-term deposit Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Turin)

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