Lugano, une exposition de gravures et de dessins des plus grands artistes de tous les temps, de Dürer à Warhol

D’Albrecht Dürer à Rembrandt van Rijn, de Francisco de Goya à Maria Sibylla Merian, Pablo Picasso et Edvard Munch sont présentés aux côtés d’œuvres d’artistes vivants tels que John M Armleder, Olivier Mosset, Candida Höfer, Susan Hefuna, Shirana Shahbazi ou Christiane Baumgartner. Une comparaison entre les maîtres anciens et les créations plus contemporaines est proposée par l’exposition Da Albrecht Dürer a Andy Warhol. Chefs-d’œuvre de la Graphische Sammlung ETH Zürich, organisée par Linda Schädler, directrice de la Graphische Sammlung ETH Zürich.

L’exposition, prévue du 10 septembre 2023 au 7 janvier 2024 au Masi (Museo d’arte della Svizzera italiana) à Lugano, offre au public la possibilité de découvrir 300 chefs-d’œuvre de l’une des plus importantes collections d’estampes et de dessins de Suisse. Il s’agit de la Graphische Sammlung ETH Züric, une institution connue et reconnue en Suisse et à l’étranger, qui promeut activement la médiation et la compréhension de l’art sur papier, tant analogique que numérique.

Dans l’exposition " D’Albrecht Dürer à Andy Warhol. Chefs-d’œuvre de la Graphische Sammlung ETH Zürich, les techniques, les motifs, les styles et les conceptions de l’art au cours des siècles se succèdent dans une séquence chronologique, dans laquelle les œuvres des principaux représentants de l’histoire de l’art européen - d’Albrecht Dürer à Rembrandt van Rijn, de Francisco de Goya à Maria Sibylla Merian, Pablo Picasso et Edvard Munch - sont présentées en parallèle avec des œuvres d’artistes vivants tels que John M Armleder, Olivier Mosset, Candida Höfer, Susan Hefuna, Shirana Shahbazi ou Christiane Baumgartner. Des liens inattendus et surprenants émergent de cette confrontation rare et exceptionnelle entre les maîtres anciens et des créations plus contemporaines : des thèmes tels que le processus de création de l’œuvre d’art, la relation entre la copie et l’original, la transmission de motifs et d’iconographies, mais aussi la collaboration entre différents professionnels dans le domaine de l’art traversent l’histoire du graphisme depuis ses débuts et touchent à des aspects qui sont toujours d’actualité. Outre la mise en valeur du large spectre des techniques graphiques- de la gravure sur bois et au burin à l’eau-forte et à la sérigraphie - l’exposition présente également des dessins, des photographies et des multiples. Le projet d’exposition propose également des informations et des curiosités sur les origines, les fonctions et l’importance des œuvres à travers les siècles.

Face à face avec des siècles d’histoire de l’art : le parcours de l’exposition

Le parcours de l’exposition s’ouvre sur un grand mur sur lequel sont accrochés, dans le “style pétersbourgeois”, des autoportraits ou des portraits d’artistes. Dans cet aperçu suggestif, à travers différentes époques, les visiteurs de l’exposition se retrouvent face à des siècles d’histoire de l’art : du regard intense de la gravure de Rembrandt dans l’autoportrait avec sa femme Saskia, aux autoportraits plus festifs d’Anton van Dyck ou de Maria Sibylla Merian; des photographies d’autoportraits en noir et blanc d’Urs Lüthi ou de Fischli/ Weiss à l’autoportrait synthétique de quelques lignes de Max von Moos ou à la simple bouche de Meret Oppenheim dans la gravure de Markus Raetz, pour n’en citer que quelques-uns. L’exposition se poursuit avec la présentation d’œuvres historiques de la collection, de la fin du XVe siècle à nos jours, dans l’ordre chronologique. À une époque où la photographie n’avait pas encore été inventée, la gravure dite “de traduction”, qui reproduisait des peintures et des œuvres d’art, a été, à partir du XVIe siècle, un moyen fondamental de faire connaître les chefs-d’œuvre à un large public.

Les chefs-d’œuvre étaient également réinterprétés par l’imprimerie : dans l’exposition, la Caricature de la copie du Laooconte de Niccolò Boldrini est un exemple de la manière dont une estampe vénitienne du XVIe siècle pouvait adapter un motif ancien, en le transformant en une image nouvelle et irrévérencieuse : les figures anciennes étaient en effet remplacées par des singes. L’estampe a également été utilisée comme outil de représentation scientifique et naturaliste, comme en témoigne la célèbre gravure sur bois Rhinocerus d’Albrecht Dürer présentée dans l’exposition. Bien que l’artiste n’ait jamais vu cet animal exotique, il en a fait une représentation qui a longtemps été considérée comme réaliste et qui a donc été réimprimée dans plusieurs éditions.

Le livre Metamorphosis Insectorum Surinamensium, publié en 1705 par Maria Sibylla Merian, est né de l’observation minutieuse d’insectes au Surinam, en Amérique du Sud. Entrepreneuse et enseignante, Merian comptait parmi les plus grands spécialistes des insectes de son époque et fut, entre autres, la première artiste à représenter les différents stades de développement d’un insecte, ainsi que les plantes qui lui servaient de nourriture. Grâce à la vaste étendue chronologique de l’exposition, il est possible d’observer la transmission des techniques de gravure au fil du temps, mais aussi les différentes méthodes de travail des artistes. Chez un grand maître comme Rembrandt, cet aspect est évident dans les deux versions de la gravure Ecce Homo, d’où il ressort que l’artiste a continuellement retouché et perfectionné son œuvre. Cela était également possible grâce à la technique de la pointe sèche, qui permettait de graver la plaque à l’aide d’un outil en acier en forme d’aiguille pointue, que l’on pouvait manœuvrer librement comme un crayon. Au fil du temps, la technique historique de la pointe sèche a souvent été reprise et revisitée, par exemple par un artiste contemporain comme Miriam Cahn qui, dans sa série de 1995 “soldaten, frauen + tiere”, intervient directement sur la plaque avec des gants recouverts de papier émeri, créant des visages, des regards et des physionomies d’une grande force expressive avec les mouvements de sa main. La transmission de sujets iconographiques à travers les siècles se retrouve dans de nombreux exemples, et même jusqu’aux époques les plus récentes, comme dans les représentations dramatiques de la tauromachie par Francisco de Goya en 1816, un thème repris par les figures sveltes de Pablo Picasso dans son aquatinte Salto con la Garrocha (Sauter avec la pique) de la série La tauromachia et, ensuite, de manière plus plastique et stylisée dans la gravure sur bois de Bernhard Luginbühl sur un tissu de coton.

La représentation de la figure et donc du corps est également un thème qui apparaît dans son développement tout au long de l’exposition, particulièrement condensé au tournant du XXe siècle chez les expressionnistes, dans les estampes d’Edvard Munch et de Käthe Kollwitz, et dans les dessins en filigrane d’Egon Schiele et de Ferdinand Hodler. En revanche, les gravures sur bois de la série Intimités (1891) de Félix Vallotton nous font pénétrer dans les plis les plus intimes de la relation homme-femme. Cette œuvre est un exemple intéressant de l’évolution de la diffusion des estampes d’art, qui a vu l’introduction de l’édition limitée, un modèle commercial à succès, à la fin du 19e siècle. Dans le cas de la série Vallotton, par exemple, une fois le processus d’impression terminé, toutes les plaques de bois utilisées par l’artiste étaient découpées en petites parties et imprimées sur une feuille supplémentaire afin de donner à l’acheteur la certitude qu’il n’y aurait pas d’autres éditions.

Plusieurs exemples de l’exposition témoignent du développement de l’estampe en tant que forme d’art graphique dans la seconde moitié du 20e siècle, comme la série de diptyques composés d’images et de textes créée en 1999 par l’artiste Louise Bourgeois. À travers la question " Quelle est la forme de ce problème ?", placée sur la page de titre, l’artiste stimule le raisonnement du spectateur par le biais de réponses et de contre-questions possibles, en essayant de donner une forme visuelle aux émotions. Dans les risographies évocatrices avec une touche vintage, Camping The Two Shirana Shahbazi explore plutôt le genre classique de la photographie de voyage, laissant de côté le caractère documentaire pour capturer des moments fugaces de situations quotidiennes. Même l’image de la soupe Campbell d’ Andy Warhol est inspirée de la vie quotidienne. Emblème de la culture et de l’art pop, la boîte de soupe rouge et blanche la plus célèbre de l’histoire de l’art est immortalisée dans l’exposition par une sérigraphie issue de la célèbre série créée par Warhol en 1968.

À l’occasion de l’exposition, un catalogue sera publié en trois éditions distinctes (italien, anglais et allemand) éditées par Scheidegger&Spiess et Edizioni Casagrande avec un essai introductif de Linda Schädler, des notices approfondies sur une sélection d’œuvres par Linda Schädler et Patrizia Keller et des textes de John M Armleder, Stephanie Buck, Andreas Fichtner, Pia Fries, Candida Höfer, Jane Munro, Nadine M. Orenstein, Philip Ursprung, Lenny Winkel, ainsi qu’un glossaire des techniques graphiques de Saskia Goldschmid.

Lugano, une exposition de gravures et de dessins des plus grands artistes de tous les temps, de Dürer à Warhol

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