Les œuvres interagissent avec le public au Musée Tinguely de Bâle

Au musée Tinguely , les visiteurs de tous âges auront le plaisir de voir les étranges sculptures de machines mobiles créées par l’un des artistes suisses les plus novateurs, Jean Tinguely (Fribourg, 1925 - Berne, 1991), bouger , tourner et jouer pendant quelques minutes après avoir appuyé sur le bouton correspondant à chaque œuvre mécanique. Au rez-de-chaussée, il y a même une sculpture monumentale sur laquelle le public peut grimper en se promenant dans toutes ses parties, comme ces constructions que l’on trouve dans les cours de récréation avec des passerelles mobiles, des échelles et des toboggans. En même temps, les visiteurs découvrent l’ingéniosité et la créativité du sculpteur sur métal, à qui le musée est dédié.

En effet, le musée abrite la plus grande collection au monde d’œuvres de Tinguely, qui retrace les quarante années de sa carrière artistique. Pionnier de l’art de la seconde moitié du XXe siècle, l’artiste était très fasciné par le fonctionnement des machines, leur mouvement et les bruits qui en émanaient. C’est notamment à partir de 1954 qu’il intensifie son travail sur les automates en mouvement et les sculptures en fil de fer: à un rythme très soutenu, il réalise de nombreux ensembles d’œuvres et de sculptures cinétiques. Il invente même des machines interactives avec lesquelles le public peut créer lui-même de véritables œuvres d’art : ses Méta-Matics sont créées en 1959 et remettent en cause la relation classique entre l’artiste, l’œuvre créée et le spectateur. À la Biennale de Paris de la même année, il présente la Méta-Matic n° 1, alimentée par un moteur à essence : la machine se déplace librement dans l’espace dédié et produit des dessins, mais pas seulement : elle émet un parfum de muguet et gonfle un gros ballon jusqu’à ce qu’il éclate. Il est également parvenu à créer la première œuvre d’art autodestructrice: constituée des éléments les plus disparates - tuyaux, moteurs, pièces de bicyclette, radios -, elle a été présentée en 1960 au Museum of Modern Art de New York, sous le titre Homage to New York. Après les Méta-Matics, Tinguely commence à fabriquer des machines (plutôt bruyantes) à partir de ferraille et, à propos de ces dernières, on se souvient qu’à l’occasion d’une exposition parisienne, l’artiste transportait ses œuvres de son atelier au lieu d’exposition, organisant une sorte de parade à laquelle participaient également ses amis. Avec l’exposition de Lausanne en 1964, Tinguely entame une nouvelle phase de sa production : il commence à peindre ses machines entièrement en noir. En général, à partir de 1960, il réalise des projets qui combinent la sculpture et l’architecture et qui, en même temps, sont conçus pour divertir le public. À partir de la seconde moitié des années 1970, il crée également des Méta-harmonies, c’est-à-dire de grandes machines constituées d’engrenages motorisés auxquels il ajoute divers instruments de musique, principalement des instruments à percussion; en ce qui concerne l’introduction d’instruments de musique, il souligne que ses machines ne font pas de musique, mais qu’elles utilisent des sons, jouent avec des sons. Les Méta-harmonies marquent l’aboutissement de l’intérêt de Tinguely pour le son en tant que médium artistique. À partir des années 1980, il intègre des os et des crânes d’animaux dans ses machines : une manière d’aborder, par le biais de l’éphémère, sa lutte permanente avec la mort; l’utilisation de crânes est également rejointe par l’utilisation de produits de consommation et de sources lumineuses colorées dans ses œuvres ultérieures des années 1980. Le thème de la mort l’a conduit à créer sa dernière grande œuvre, la Danse macabre, composée de reliques d’un incendie survenu dans une ferme de Neyruz, la ville natale de l’artiste.

Le Musée Tinguely retrace toutes ces phases de sa production à travers des dessins, des esquisses, des sculptures Méta-mécaniques, des Méta-Matics, des fragments d’Hommage à New York, des sculptures radiophoniques, des machines peintes en noir, des projets de fontaines, des Méta-harmonies, et bien d’autres œuvres.

Le Ballet des pauvres de 1961 est particulièrement frappant : des objets défectueux et mis au rebut de la vie quotidienne, tels qu’une chemise de nuit, une bouilloire cassée, une fourrure de renard, un plateau, sont suspendus au plafond par des fils et des élastiques. Déclenchés par une minuterie, tous ces éléments se mettent soudain à trembler sous les yeux du spectateur, qui est également étonné par le grand bruit de cliquetis provoqué par la collision des objets métalliques. Avec un effet de surprise. Le Plateau agricolel(1978) favorise également un jeu entre les différentes parties pour un effet d’ensemble saisissant : il est composé de pièces de machines agricoles, de rouge, de ferraille et de nains de jardin ; outre les bruits mécaniques, le spectateur a l’impression d’assister à une scène de théâtre, où s’entremêlent travail, danse et théâtre. La Fatamorgana (1985) est une Méta-harmonie, une grande machine à engrenages composée de hauts cadres sur lesquels Tinguely monte de vieilles roues, de la plus grande à la plus petite, avec divers objets, des instruments de percussion et une cloche à vache entre les deux. On peut facilement imaginer le son qu’il produit lorsqu’il met le tout en mouvement. Enfin, la Méta-harmonie déjà mentionnée, sur laquelle les visiteurs peuvent monter, dans un véritable parcours avec des escaliers, des toboggans, etc. : il s’agit de la Méta-Maxi-Utopia (1987), créée dans le droit fil de la volonté obsessionnelle de donner vie à des mondes entiers de machines pour une coexistence pacifique et joyeuse avec les hommes. À propos de cette œuvre, Tinguely déclare dans une interview : “Je veux créer quelque chose d’amusant, quelque chose sur lequel les enfants peuvent grimper et sauter [...] Quelque chose avec des entrées, beaucoup d’entrées, de sorties et de passages, et que l’on peut traverser par le haut et par le bas [... ] Je veux que tout le monde oublie qu’il s’agit d’une sculpture : l’essentiel pour moi est qu’elle amuse le visiteur, pour qu’il se sente chez lui”.

Musée Tinguely, salle des collections permanentes. Ph. Crédit Daniel Spehr

Musée Tinguely, salle des collections permanentes. Ph. Crédit Daniel Spehr

Deux projets d’exposition sont actuellement en cours au Musée Tinguely, qui s’imbriquent bien avec certaines œuvres de la collection permanente du bâtiment muséal bâlois.

Jusqu’au 15 novembre 2020, l’exposition Returnto Sender de Pedro Reyes peut être visitée. Organisée par le directeur Roland Wetzel, cette exposition est la cinquième d’une série de projets d’exposition consacrés à des aspects particuliers de la Danse macabre de Tinguely (en 2017, Jérôme Zonder s’est concentré sur la critique du totalitarisme ; en 2018, Gauri Gill s’est concentrée sur le concept de vanité du Memento Mori entre la naissance et la mort ; en 2019, Lois Weinberger a entamé une comparaison entre la superstition et le catholicisme, tandis que la Danse macabre et le Théâtre de la mort de Tadeusz Kantor ont été comparés à l’œuvre éponyme de Tinguely).

Pour l’exposition actuelle, Pedro Reyes a créé une nouvelle œuvre basée sur une œuvre antérieure de 2012 : pour la série d’œuvres Disarm, l’artiste a utilisé 6700 armes confisquées lors de la guerre de la drogue au Mexique et les a transformées en instruments de musique. Dans une première version, il a fabriqué des instruments qui pouvaient même être joués en direct par ses amis musiciens ; cela a été suivi par Disarm (Mechanized I) en 2012-13 et Disarm (Mechanized II) en 2014, qui consistait en l’union de plusieurs parties d’armes et d’instruments, capables de jouer des pièces musicales percussives mécanisées et automatisées.

La seconde des deux versions de Disarm (Mechanized) est mise en dialogue avec la Danse macabre de Tinguely, installée dans une salle à l’aspect presque sacré récemment aménagée dans le musée en 2017. Dans les salles voisines, la critique du totalitarisme par Tinguely et l’examen critique par Reyes des processus d’échange socialement destructeurs de drogues et d’armes sont liés dans une tragique danse macabre.

En 2007, Reyes a attiré l’attention internationale avec son projet Palas por Pistolas, en collaboration avec les autorités locales de Culiac>án, au Mexique, pour échanger les armes détenues par la population contre des bons d’achat d’appareils électriques et ménagers. Les armes ont été fondues et transformées en 1527 pelles qui serviront à planter le même nombre d’arbres. Parallèlement à l’exposition Return to Sender, ce projet se poursuit devant l’entrée du Musée Tinguely avec la plantation d’un marronnier. Disarm et Palas por Pistolas sont donc des projets qui trouvent leur origine dans le contexte spécifique de la lutte contre la drogue au Mexique. Avec sa nouvelle œuvre Disarm Music Box (2020), Reyes attire à nouveau l’attention sur la commercialisation et la diffusion des armes: d’un point de vue pacifiste, l’artiste critique l’augmentation constante des armes dans le monde en les transformant en boîtes à musique. Les armes fabriquées dans presque tous les pays du monde sont emportées et détruites afin de créer, à partir des canons des armes, des corps sonores qui sont ensuite insérés dans les nouvelles boîtes à musique. Ces dernières jouent également des morceaux célèbres de musique classique qui caractérisent les pays d’origine des fabricants d’armes : le morceau de Mozart est joué par une boîte à musique avec des pièces de pistolet Glock, Vivaldi avec des canons de Beretta, tandis que des morceaux de l’auteur-compositeur-interprète suisse Mani Matter sortent d’une boîte à musique avec des fusils. Le but de l’artiste est de recycler, de transformer un instrument de mort en instrument de musique, symbole de dialogue et d’échange. “Les armes incarnent la règle de la peur, tandis que la musique incarne la règle de la confiance : toutes deux font appel à la créativité et à la technologie, mais l’une vise à supprimer les autres, tandis que l’autre est une forme de libération. Ces œuvres sculpturales ne sont pas seulement destinées à transformer la matière, mais aussi à provoquer une transformation psychologique et, espérons-le, une transformation de la société”, a souligné l’artiste en parlant de ses œuvres exposées.

Dans sa production artistique, Pedro Reyes a utilisé diverses formes d’art, de l’architecture à la sculpture, de la vidéo à la performance, pour aborder des questions politiques, sociales, écologiques et éducatives.

Pedro Reyes, Disarm Music Box (Glock/Mozart), Disarm Music Box (Beretta/Vivaldi), Disarm Music Box (Karabiner/Matter) (2020 ; installation). Copyright Musée Tinguely, Bâle. Ph. Crédit Daniel Spehr, avec l’autorisation de l’artiste

Pedro Reyes, Désarmer (mécanisé) II (2014 ; installation). Copyright Musée Tinguely, Bâle. Ph. Crédit Daniel Spehr, avec l’autorisation de l’artiste

Outre l’exposition Pedro Reyes, une grande exposition consacrée à l’artiste japonais Taro Izumi est ouverte au public. Un artiste qui a su créer un univers unique, où sculpture, vidéo, installation et performance se côtoient dans un véritable écosystème, qui se transforme sans cesse. Une sculpture peut devenir une installation qui, à son tour, constitue la toile de fond d’une performance visible sur de nombreux écrans. Pour réaliser ses œuvres, Izumi utilise du bois, des textiles, des plantes, de la fourrure, des meubles et toutes sortes d’éléments recyclés, et les combine pour créer des structures qui, à première vue, semblent être constituées d’éléments en vrac, mais qui sont en réalité agencées avec précision et logique. L’univers d’Izumi, maître des contraires, est ludique et divertissant car il introduit l’absurde dans ses œuvres.

Au musée, Tinguely présente un parcours rempli d’illusions d’optique et de mirages: un théâtre sans public, des œuvres invisibles, des robots flottant dans l’air. L’artiste réalise des combinaisons souvent surréalistes d’ objets opposés, dont la signification reste parfois mystérieuse. Ces objets représentent les absurdités de la vie quotidienne et racontent le chaos du monde d’aujourd’hui.

La série Tickled in a dream...maybe ? symbolise l’esprit de l’absurde qui traverse l’art de Taro Izumi : il s’agit de sculptures et de vidéos imbriquées qui forment des structures composées d’éléments communs, tels que des chaises, des tables, des tabourets, des coussins, qui visent à reproduire une position particulière d’un corps en mouvement. Chaque structure est accompagnée de photographies d’athlètes, principalement des footballeurs, immortalisés dans des actions acrobatiques. Ces structures “architecturales” particulières sont censées rappeler, dans leur conception et leur design, les œuvres interactives de Tinguely et son esprit ludique.

Partant du principe que les théâtres du monde entier étaient fermés pendant l’urgence sanitaire, l’artiste a créé uneinstallation sonore composée de bruits blancs, recueillant les sons des théâtres vides du monde entier. Ce silence, vibrant à l’unisson, devient une trace tangible, bien qu’extrêmement petite.

Le visiteur trouvera également seize boules de billard de seize couleurs différentes disséminées dans l’exposition. Elles ne bougent pas, ne roulent pas, mais sont piégées et enfermées dans d’étroites boîtes de plexiglas transparent, pour refléter le sentiment d’isolement du monde, d’être comme dans une vitre transparente où l’on voit tout mais où l’on est contraint à l’immobilité. Un sentiment que le monde a connu pendant la pandémie.

Pour plus d’informations sur le musée, Jean Tinguely et les expositions temporaires : tinguely.ch

Taro Izumi, Cloud (pillow/raised-floor storehouse); Cloud (goodbye) (2020 ; installation). Copyright Musée Tinguely, Bâle. Ph. Crédit Gina Folly

Taro Izumi, Chatouillé dans un rêve... peut-être ? (Le nuage est tombé) (2017 ; installation). Copyright Musée Tinguely, Bâle. Ph. Crédit Gina Folly

Les œuvres interagissent avec le public au Musée Tinguely de Bâle

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