La plus grande exposition Escher jamais organisée à Rome

100 ans après sa première visite dans la capitale en 1923, Escher revient à Rome avec la plus grande et la plus complète exposition qui lui ait jamais été consacrée, au Palazzo Bonaparte. Maurits Cornelis Escher (Leeuwarden, 1898 - Hilversum, 1972), l’un des artistes les plus appréciés au monde, s’est installé à Rome en 1923. Néerlandais inquiet, réservé et sans aucun doute brillant, Escher est l’artiste dont les gravures et les lithographies ont eu et continuent d’avoir la capacité unique de nous transporter dans un monde imaginatif et impossible, où se mêlent l’art, les mathématiques, la science, la physique et le design. Artiste découvert relativement récemment, Escher a conquis des millions de visiteurs dans le monde entier grâce à sa capacité à s’adresser à un large public. Escher est aimé par les connaisseurs de l’art, mais aussi par les passionnés de mathématiques, de géométrie, de science, de design et de graphisme. Un large éventail de thèmes convergent dans ses œuvres, et c’est pour cette raison qu’il est unique dans le panorama de l’histoire de l’art.

L’exposition de Rome est un événement exceptionnel qui présente au public non seulement ses chefs-d’œuvre les plus célèbres, mais aussi de nombreuses œuvres inédites. Une exposition anthologique d’environ 300 œuvres qui comprend la désormais emblématique Main à la sphère réfléchissante (1935), le Lien d’union (1956), Métamorphose II (1939), Jour et nuit (1938), la célèbre série Emblemata, et bien d’autres encore. L’exposition s’enrichit également d’une reconstitution de l’atelier d’Escher à Baarn, en Hollande, qui, ici à Rome, présente les différents outils originaux avec lesquels le Maître réalisait ses œuvres et le chevalet portatif qu’Escher lui-même apportait avec lui lors de ses pérégrinations à travers l’Italie.

Après plusieurs voyages en Italie qui débutent en 1921 par la visite de la Toscane, de l’Ombrie et de la Ligurie, Escher arrive à Rome où il vit pendant douze ans, de 1923 à 1935, au numéro 122 de la Via Poerio, dans le quartier de Monteverde vecchio. La période romaine a une forte influence sur toute son œuvre ultérieure, qui le voit proliférer dans la production de lithographies et de gravures, en particulier de paysages, de vues, d’architectures et de vues de cette Rome antique et baroque qu’il aime explorer dans sa dimension la plus intime, celle de la nuit, à la faible lumière d’une lanterne. Les nuits passées à dessiner, assis sur une chaise pliante et avec une petite torche accrochée à sa veste, comptent pour Escher parmi les plus beaux souvenirs de cette période.

L’exposition au Palais Bonaparte présentera également la série complète des 12 “Nocturnes romains” réalisés en 1934 - dont Colonnade de Saint-Pierre, Saint-Nicolas en prison, Petites églises, Piazza Venezia, Sainte-Françoise romaine,Le Dioscuro Pollux - ainsi que d’autres œuvres dépeignant les splendeurs de l’ancienne Urbe telles que Roma (et le Griffon Borghese) de 1927, San Michele dei Frisoni, Roma (1932) et Tra San Pietro e la Cappella Sistina (1936).

Sections de l’exposition

Première section - Les débuts

Samuel Jesserun de Mesquita (1868 - 1944) était un représentant du mouvement Art nouveau néerlandais. Professeur d’Escher à l’école d’architecture et des arts décoratifs de Haarlem, il l’encourage à devenir graphiste. Les premières œuvres d’Escher sont donc influencées par l’Art nouveau, un courant caractérisé par des formes sinueuses et élégantes et des ornements décoratifs inspirés de sujets naturels. L’artiste a toujours nourri un profond intérêt pour la nature et a exécuté de nombreuses gravures avec des représentations réalistes de fleurs et d’insectes. De 1922 à 1935, Escher entreprend de nombreux voyages en Italie, où il dessine des monuments, des paysages, la flore et la faune, qu’il transforme en œuvres graphiques à son retour à l’atelier. Dans ces œuvres, caractérisées pour la plupart par des perspectives inhabituelles, l’observation méticuleuse de la nature se confond déjà avec des vues d’horizons lointains, anticipant presque les paradoxes de la perspective et les illusions d’optique de sa maturité. Sont également reproduites dans cette section les 28 gravures sur bois qui composent le livre XXIV Emblemata dat zijn zinne-beelden, c’est-à-dire XXIV Emblems, with maxims in verse, l’une des trois œuvres d’Escher en tant qu’illustrateur.

Deuxième section - L’Italie

De 1922 à 1935, Escher séjourne en Italie, s’installant définitivement à Rome à partir de novembre 1923. La Ville éternelle représente une part importante du corpus de ses œuvres ; outre divers monuments et vues de la ville, il nous reste une série de 12 gravures sur bois magistrales, réalisées à partir de croquis esquissés de nuit à l’aide d’une torche et d’un chevalet de voyage. Une autre référence à cette période se trouve dans la célèbre œuvre Main avec sphère réfléchissante, où son atelier du 122 Via Alessandro Poerio est fidèlement reproduit. Chaque année, Escher entreprend un voyage à travers l’Italie et la Méditerranée pour en reproduire les magnifiques paysages : Campanie, Calabre, Sicile, Abruzzes, etc., souvent en compagnie de son ami et artiste suisse Giuseppe Haas Triverio. Suite à l’oppression croissante du mouvement fasciste, il s’installe d’abord en Suisse en 1935, puis en 1937 à Uccle en Belgique, et enfin en 1941 à Baarn aux Pays-Bas. Le lien entre Escher et l’Italie est indéfectible. C’est probablement en Italie qu’il a vécu ses années les plus heureuses: c’est là qu’il s’est marié, qu’il a fondé une famille et qu’il a connu ses premiers succès professionnels, comme en témoignent ses journaux intimes, ses photographies, mais surtout ses œuvres. Même après son virage artistique vers des sujets abstraits, on retrouve fréquemment des évocations du paysage italien dans la composition de ses images.

Troisième section - Tessellations

En 1936, Escher séjourne à Grenade, en Espagne, où il visite à nouveau l’Alhambra, un complexe de palais fortifiés construit entre le XIIIe et le XIVe siècle sur la colline qui domine la ville par les émirs nasrides, célèbre pour la décoration élaborée de ses bâtiments. Cette visite a marqué un tournant dans sa carrière : les décorations géométriques élaborées dans le style mauresque l’ont fasciné et l’ont amené à s’intéresser aux tesselles. En géométrie, les tesselles sont définies comme des façons de subdiviser le plan avec une ou plusieurs figures géométriques répétées à l’infini sans se chevaucher ni laisser d’espaces vides. Ces figures géométriques, appelées “tesselles”, sont souvent des polygones, réguliers ou non, mais peuvent aussi avoir des côtés courbes. Dix-sept types de symétries ont été identifiés pour subdiviser le plan. Parmi ces symétries, Escher a établi un catalogue de 137 aquarelles, numérotées et classées selon une logique qui lui est propre, pour servir de motifs à des tessellations et à des métamorphoses. Comme nous le verrons, l’utilisation des tesselles deviendra une caractéristique de son art, dans lequel fantaisie, géométrie et sujets figuratifs sont habilement combinés. À partir de ce moment, Escher se consacrera, à l’exception de quelques cas sporadiques, à la représentation de scènes abstraites, d’inspiration géométrique et mathématique, paradoxales ou illusoires.

Quatrième section - La métamorphose

Les tessellations sont à la base des cycles et des métamorphoses, thème qu’Escher aborde à partir de 1937. Pour Escher, une métamorphose, c’est-à-dire du grec une transformation, en particulier la transformation d’un être ou d’un objet en un autre de nature différente, commence en effet par la modification puis la concaténation de plusieurs tesselles (processus de division régulière du plan). Escher crée ainsi un monde dans lequel différentes figures donnent lieu à des tourbillons de transformations de formes abstraites en formes animées et vice versa. La gravure sur bois Metamorphosis II (1939-1940), l’un de ses chefs-d’œuvre, est un univers circulaire dans lequel un lézard peut progressivement devenir la cellule d’une ruche ou un poisson se transformer en oiseau, qui à son tour se transforme en cube, puis en toit, etc. Parfois, des éléments antithétiques mais complémentaires interagissent dans des métamorphoses, comme le jour et la nuit ou le bien et le mal, imbriquant les contraires au sein d’une même composition. L’étude des tessellations et la réalisation de cycles et de métamorphoses (qui peuvent d’ailleurs coexister dans une même gravure, comme dans Cycle, Jour et Nuit, Reptiles ou Rencontre) induisent chez Escher le désir d’une représentation de l’illimité par la subdivision infinie du plan. Il y parvient formellement grâce à l’éclairage apporté par le géomètre H.S.M. Coxeter, dans les œuvres Limites du cercle I-II-IV.

Cinquième section - Structure de l’espace

Dès ses premières œuvres, plus encore que pour l’élément pictural, Escher montre une attention particulière à l’organisation de l’espace de composition. Comme nous l’avons vu à partir du milieu des années 1930, Escher se détache progressivement de la représentation euclidienne de l’espace. Son intérêt croissant pour les mathématiques et la géométrie passe par l’étude et la fascination qu’exercent sur lui les sphères, les surfaces réfléchissantes, les solides géométriques ou encore les surfaces topologiques comme le ruban de Möbius, un objet perçu comme une surface à deux faces mais qui, à y regarder de plus près, n’en présente qu’une seule. Nous pourrions paraphraser ainsi l’un de ses commentaires sur la lithographie Main avec sphère réfléchissante de 1935, l’une de ses œuvres les plus célèbres : la sphère, en se reflétant, enferme en elle tout l’espace environnant, au centre duquel se trouve la personne qui la regarde ; l’homme est donc le centre de cet univers. Escher ne cache pas ici une certaine ironie à l’égard de l’ego de l’artiste, immortalisé dans une dynamique autoréférentielle. L’examen de ces concepts conduira Escher à exacerber son goût pour les paradoxes, les distorsions de perspective et les illusions d’optique que permettent ces figures.

Sixième section - Paradoxes géométriques

La connaissance mathématique d’Escher était avant tout visuelle et intuitive. Ses architectures et compositions géométriques se caractérisent par des distorsions de perspective qui, à première vue, semblent parfaitement plausibles mais qui, après un examen plus approfondi, se révèlent impossibles. Un tournant important se produit en 1954, lorsque certaines des gravures d’Escher sont exposées au Congrès international des mathématiciens à Amsterdam. À partir de ce moment, son travail est de plus en plus apprécié par la communauté scientifique et l’artiste entame un dialogue étroit avec les mathématiciens et les cristallographes, qui s’avère être une vaste source d’inspiration pour ses recherches sur les structures impossibles, les illusions d’optique et la représentation de l’infini. Cette section analyse la manière dont Escher a tenté de forcer la représentation de situations impossibles,apparemment cohérentes, au-delà de toute limite, à travers une sélection de quelques-unes de ses œuvres les plus célèbres : Ascension et descente, Belvédère, Cascade, Galerie d’estampes, ou Relativité. Ces chefs-d’œuvre reflètent un aspect essentiel de l’art du graphiste néerlandais : sa relation complexe avec les mathématiques, la géométrie et le thème de la reproduction graphique de l’infini.

Septième section - Œuvres de commande

Comme tous les artistes qui vivent de leur travail, Escher, en tant que graphiste, a reçu diverses commandes au fil des ans. Cette section donne un aperçu de quelques-unes de ces œuvres : ex libris (marques à insérer dans les livres de collections privées ou de bibliothèques pour certifier leur propriété et éviter qu’ils ne soient perdus ou échangés contre des copies identiques), cartes de vœux ou dessins pour des logos, timbres-poste, objets publicitaires, etc. Pour ces œuvres, Escher utilise abondamment et habilement les tessellations, qui sont non seulement un trait caractéristique de son œuvre, mais qui se prêtent aussi parfaitement à l’utilisation : idéales pour optimiser le temps du processus créatif grâce à l’utilisation répétée d’un même élément figuratif.

Huitième section - Eschermania

À partir des années 1950, la popularité d’Escher ne cesse de croître. Grâce également à ses relations avec le monde scientifique et académique, plusieurs magazines commencent à lui consacrer des articles et des critiques. De plus, à partir du milieu des années 1960, une grande visibilité lui est offerte, surtout aux États-Unis, par le mouvement hippie qui s’approprie ses œuvres, les modifie et les reproduit sur des affiches et des T-shirts, dans une tonalité psychédélique. Cette huitième et dernière section présente une série d’œuvres d’art et d’objets qui montrent comment Escher a été non seulement un artiste enfant de son temps, mais aussi comment, aujourd’hui encore, à travers son œuvre avant-gardiste et son langage actuel, il exerce une forte influence sur le processus créatif de nombreux artistes, musiciens, publicitaires et dessinateurs, pour ne citer que quelques exemples. Sa passion pour les tessellations ainsi que la création de formes impossibles et paradoxales n’ont certainement pas cessé d’être une source d’inspiration pour de nouveaux développements et remaniements, dans les domaines les plus divers.

L’exposition, placée sous le patronage de la Région du Latium, de la Municipalité de Rome - Département de la Culture et de l’Ambassade et du Consulat général du Royaume des Pays-Bas, est produite et organisée par Arthemisia en collaboration avec la Fondation M. C. Escher et Maurits. Son commissariat est assuré par Federico Giudiceandrea - l’un des plus grands experts mondiaux d’Escher - et Mark Veldhuysen, PDG de la M. C. Escher Company. L’exposition est parrainée par Generali Valore Cultura, le partenaire spécial Ricola, le partenaire mobilité Atac et Frecciarossa Treno Ufficiale, le partenaire média la Repubblica et Urban Vision, le partenaire Mercato Centrale Roma et le partenaire hospitalité Hotel de Russie et Hotel de la Ville.

L’exposition Escher fait partie du projet “L’art de la solidarité” réalisé avec Komen Italia, le partenaire caritatif de l’exposition. Associer l’art à la santé, la beauté à la prévention : telle est l’essence d’un projet qui voit la couleur rose de Komen Italia se confondre avec les chefs-d’œuvre présentés dans l’exposition. Concrètement, une partie des recettes de la vente des billets de l’exposition sera dévolue par Arthemisia à la réalisation de projets spécifiques pour la protection de la santé des femmes. Avec ce partenariat, Komen Italia clôture le mois d’octobre, mois de la prévention, et se prépare au grand événement national qui célébrera le 25e anniversaire de la “Race for the cure” en mai 2024.

Le catalogue est publié par Skira.

Informations et réservations T. + 39 06 87 15 111 Site www.mostraescher.it www.mostrepalazzobonaparte.it www.arthemisia.it Social et hashtag officiel @arthemisiaarte @mostrepalazzobonaparte

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