La Fondazione Prada présente une exposition consacrée aux dessins préparatoires et aux story-boards utilisés pour les films.

LaFondazione Prada présente l’exposition A Kind of Language : Storyboards and Other Renderings for Cinema du 30 janvier au 8 septembre 2025 dans les espaces de l’Osservatorio de la Galleria Vittorio Emanuele II à Milan.

Osservatorio est l’espace de la Fondazione Prada dédié à l’expérimentation des langages visuels et à la recherche de points de contact et d’intersections possibles entre la technologie et les différentes expressions culturelles. Il s’agit d’une plateforme de libre pensée ouverte à la réflexion sur les différents langages artistiques et médiatiques et leur impact dans un contexte culturel et social en constante évolution.

L’exposition, organisée par Melissa Harris, examine le processus créatif complexe qui précède la réalisation d’un film en explorant des story-boards et d’autres matériaux tels que des moodboards, des dessins et des croquis, des scrapbooks et des carnets de notes, des scripts annotés et des photographies. A Kind of Language comprend plus d’un millier d’éléments créés entre 1930 et 2024 par plus de 50 auteurs, dont des réalisateurs, des directeurs de la photographie, des artistes, des graphistes, des animateurs, des chorégraphes et d’autres personnes impliquées dans la production de films et de vidéos.

Georges Méliès a été l’un des premiers réalisateurs à utiliser des dessins préparatoires détaillés pour concevoir les scènes de ses films fantastiques et de science-fiction, dont le chef-d’œuvreLe voyage dans la lune (1902). Cependant, les origines du storyboard remontent au début du XXe siècle et sont liées au développement de l’animation. À partir des années 1930, les studios Fleischer et Walt Disney Productions, et plus tard dans les années 1940 les United Productions of America, ont demandé à des artistes de créer des séquences de croquis et d’autres éléments visuels pendant le développement de l’intrigue et des personnages. A Kind of Language comprend des dessins de Betty Boop, Popeye, Mr. Magoo, Pinocchio, Blanche-Neige et Mickey Mouse dans le classique avant-gardiste de Walt Disney Fantasia (1940), ainsi que d’autres personnages célèbres des premiers films d’animation. Dans les mêmes années, le storyboard est devenu un outil fondamental dans le développement des œuvres cinématographiques, de l’animation à la prise de vue réelle, une représentation visuelle concrète et systématique du déroulement de l’histoire. Des décennies plus tard, le storyboard continue d’être le précurseur des projets d’animation, comme en témoignent les dessins préparatoires de Hayao Miyazaki et du Studio Ghibli présentés dans l’exposition.

Comme l’explique Melissa Harris : "Pour beaucoup, la création de story-boards fait partie intégrante du processus. La mise en place visuelle d’une scène et la définition de sa progression peuvent aider l’équipe impliquée dans la réalisation du film à réfléchir aux relations entre les personnages, à imaginer comment développer le récit ou à comprendre la meilleure façon de transmettre l’essence d’une séquence particulière. Il peut également aider à corriger des problèmes, par exemple lorsque quelque chose ne semble pas tout à fait convaincant dans un personnage ou une interaction physique, et fournir une référence visuelle aux acteurs. D’un point de vue technique, les storyboards peuvent aider le réalisateur à déterminer les angles les plus efficaces pour l’éclairage et le tournage, ou la meilleure façon d’utiliser les fondus et les effets spéciaux.

Les storyboards ont un double objectif : d’une part, ils représentent la vision créative du réalisateur telle qu’elle est interprétée par le créateur du storyboard, lorsqu’elle ne correspond pas au réalisateur lui-même, et d’autre part, ils accompagnent parfois la réalisation technique du film. Les storyboards peuvent être considérés comme un véritable langage qui intègre et élabore un concept ou un scénario. Ils représentent la visualisation préliminaire des idées et de la vision du réalisateur avant le début du tournage, quel qu’en soit l’auteur. Outils flexibles et en constante évolution, ils simplifient le partage d’un schéma de travail utile pour coordonner les activités des différents professionnels sur et en dehors du plateau. Ces supports ont une fonction communicative et pratique, ils sont faits pour être copiés, transmis, consultés et modifiés, et sont rarement conçus comme des œuvres uniques. Leur rôle est fondamental à différents stades de la production cinématographique : de la préproduction, au cours de laquelle ils visualisent les idées du réalisateur, à la production, en tant que guide pour l’organisation du tournage, jusqu’à la postproduction, lorsqu’ils contribuent au montage et à l’inclusion d’effets spéciaux.

Le design de l’exposition, conçu par Andrea Faraguna du studio d’architecture Sub à Berlin, s’inspire du storyboard, point de départ de la création d’un film et outil de composition et de communication du processus. En se concentrant sur le rôle de cet outil pour le cinéma, l’exposition présente et réinterprète l’environnement de travail des artistes du storyboard en le traduisant en une expérience spatiale. Les tables d’exposition inspirées des bureaux de dessin sont au cœur de la conception de l’exposition. Chaque table est consacrée à un film spécifique dont la narration visuelle est présentée sous la forme d’une séquence de scènes que l’on peut observer de près. Pour renforcer le rendu spatial, chaque table est associée à un élément inversé correspondant, suspendu au plafond. Ensemble, ils forment un effet visuel en forme d’entonnoir, créant une ligne d’horizon continue de 40 cm de large qui guide les visiteurs à travers l’exposition. Cette perspective encadre la vue du dôme de la Galleria Vittorio Emanuele II au-delà des fenêtres en verre de l’Observatoire, établissant un lien entre les espaces intérieurs et l’architecture historique de Milan. En plan, la disposition des tables évoque la structure séquentielle d’un film de cinéma. L’organisation spatiale vise à générer un rythme fluide et dynamique qui guide les visiteurs à travers l’exposition comme s’ils se déplaçaient à travers les images d’un film. Cette progression permet au public de découvrir les story-boards non pas comme de simples images statiques, mais comme des éléments à part entière du récit cinématographique.

L’un des principaux objectifs des story-boards et autres supports visuels pour la réalisation de films est de définir le sens du lieu, comme le dessin de la séparation des eaux de la mer Rouge dansLes dix commandements (1956) de Cecil B. DeMille ou les études de 1975 du directeur artistique Max Douy pour les décors de Dune, une adaptation du roman de science-fiction qu’Alejandro Jodorowsky devait tourner mais qui est restée inachevée. Dans d’autres cas, une séquence de dessins suggère un décor, comme les storyboards élaborés d’Edgar Clement pour la comédie noireBardo, falsa crónica de unas cuantas verdades (Bardo, fausse chronique de quelques vérités, 2022) d’Alejandro González Iñárritu. Les storyboards, les photographies, les autres éléments graphiques et les notes peuvent suggérer la manière dont le “sentiment” du lieu sera exprimé et traité, en particulier lorsque le décor joue un rôle clé, comme dans le cas du film lyrique et existentiel de Wim Wenders, Le ciel au-dessus de Berlin(Der Himmel über Berlin, 1987). Des réalisateurs tels que Martin Bell et Agnès Varda ou l’artiste Carrie Mae Weems ont utilisé des photographies à la fois comme références visuelles et comme composantes intégrales de leurs œuvres respectives : Ward 81 Voices (2023), Salut les Cubains (1964) et Leave ! Leave Now ! (2022).

Dans d’autres cas, les storyboards sont fondamentaux pour définir l’identité des personnages d’un film, comme l’inoubliable protagoniste de Mamma Roma (1962) de Pier Paolo Pasolini, interprétée par Anna Magnani, les six métamorphoses de Bob Dylan dans I’m Not There (2007) de Todd Haynes, les deux figures féminines qui fusionnent dans la scène cruciale de Persona (1966) d’Ingmar Bergman et les cinq sœurs de Lisbonne dans le premier film de Sofia Coppola,The Virgin Suicides (1999).

L’étude de ces exemples et de bien d’autres similaires peut aider à comprendre les différences méthodologiques entre le cinéma européen et le cinéma américain. Alors que les storyboards réalisés en Europe incarnent généralement une approche plus artistique et artisanale, les productions et les matériaux de l’industrie d’outre-Atlantique sont le résultat d’une vision davantage axée sur l’efficacité et la productivité.

Si presque tous les story-boards servent dans une certaine mesure à expliquer ou à faire avancer la narration d’un film, certains, souvent accompagnés de notes de tournage, indiquent la progression de l’intrigue image par image, comme les story-boards de Piccolo Buddha (1993) de Bernardo Bertolucci ; les story-boards du réalisateur Tan Chui Mui pour Barbarian Invasion(Ye man re ru qin, 2021) ; les story-boards de J. Russell Spencer pourLe Grand Dictateur(1940) de Charlie Chaplin; les dessins de Pablo Buratti pour Julieta (2016) de Pedro Almodóvar; et les dessins de Terry Gilliam pourFear and Loathing in Las Vegas (1998) etL’homme qui tua Don Quichotte (2018). Ce sentiment de progression est intensifié dans les animatics, des story-boards animés qui intègrent le son et le mouvement et suggèrent ainsi la chronologie d’une scène. Buratti a utilisé cette technologie pour la série télévisée d’horreur Thirty Deniers(30 Monedas, 2020-23) réalisée par Álex de la Iglesia. Jay Clarke et Edward Bursch ont collaboré avec Wes Anderson, développant cet outil pour The Grand Budapest Hotel (2014).

Les storyboards et les dessins préparatoires ont parfois la qualité d’œuvres d’art, comme dans le cas des dessins naturalistes à l’encre de Satyajit Ray pour le classique de 1955 La complainte sur le sentier(Pather Panchali). Le réalisateur Jia Zhang-Ke a étudié la dimension artistique de ces matériaux avec l’installation vidéo à trois canaux Telling from the Images, dans laquelle il explore l’évolution créative de son propre film Caught by the Tides (2024) à travers différentes étapes : des images originales à la version finale, en passant par le montage. Dans les dernières décennies de sa production, des Histoire(s) du cinéma (1988-98) à son dernier long métrage Le livre d’image (2018), Jean-Luc Godard a transformé en cinéma des idées transposées sur des storyboards ou des scrapbooks grâce à une démarche originale de collagiste et d’essayiste qui a donné naissance à un “ phrasé d’instants ” et soulevé des questions sur la production d’images, l’art, la religion, la représentation et le droit.

Les story-boards, dessins et diagrammes annotés sont également utilisés dans les films de musique et de danse, comme Stop Making Sense, le film-concert des Talking Heads réalisé par Jonathan Demme en 1984, ou le projet collaboratif et expérimental Torse (1976) du chorégraphe Merce Cunningham et de l’artiste vidéo Charles Atlas. L’exposition étudie la combinaison du mouvement chorégraphique et du processus filmique en présentant la séquence de dessins de Matthew Barney intitulée Choreographic Suite, qui documente une phase cruciale de la conception de la chorégraphie du chœur dans son chef-d’œuvre Cremaster 1 (1996).

Le deuxième chapitre de A Kind of Language : Storyboards and Other Renderings for Cinema se tiendra au Prada Rong Zhai à Shanghai de novembre 2025 à janvier 2026. L’exposition de Milan est accompagnée d’une publication illustrée de la série Quaderni, éditée par la Fondazione Prada, qui comprend un texte de la commissaire Melissa Harris et un essai visuel de Sub.

Pour plus d’informations, veuillez consulter le site officiel de la Fondazione Prada.

La Fondazione Prada présente une exposition consacrée aux dessins préparatoires et aux story-boards utilisés pour les films.

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