La Fondation Golinelli rend hommage à son fondateur. Elle présente des œuvres issues de sa collection aux multiples facettes

La Fondation Golinelli rend hommage à son fondateur, l’entrepreneur et philanthrope Marino Golinelli, avec l’exposition I preferiti di Marino. Chapitre I, présentée jusqu’au 2 juin 2024 au Centre des arts et des sciences Golinelli de Bologne, quarante œuvres d’importants artistes modernes et contemporains issues de la collection d’art privée de Marino Golinelli: une occasion de voir de près, pour la première fois, des peintures, des sérigraphies, des installations et des photographies d’artistes de renommée internationale.

Ces œuvres reflètent le dialogue étroit entre l’art et la science, à l’image de la personnalité aux multiples facettes, de la curiosité scientifique et de la passion pour l’art de Marino Golinelli lui-même. Dans une approche pluridisciplinaire et multiculturelle, Golinelli a rassemblé avec son épouse Paola plus de 700 œuvres provenant des quatre coins du monde, de l’Afrique à l’Asie, en passant par les grandes capitales de l’art contemporain, de Francfort à Bâle, de New York à Mumbai, sur une période de trente ans.

L’exposition présente des œuvres des maîtres de l’ avant-garde du XXe siècle, tels que Giacomo Balla et Kazimir Malevich, ainsi que des œuvres des artistes les plus importants de l’art contemporain international, tels que David Hockney, Tony Oursler, John Baldessari, Lucy et Jorge Orta, Ronald Ventura, Bjarne Melgaard, Warren Isensee, Terence Koh, Chen Ke, Sandeep Mikherjee, et Alfred Haberpointner. L’exposition présente également des œuvres des principaux acteurs de la scène artistique italienne, comme Emilio Isgrò, Nicola Samorì, Alberto Di Fabio, Loris Cecchini, Giorgio Celiberti, Davide Nido, Giuseppe Santomaso, et de la photographie, avec des œuvres de Candida Höfer, Maurizio Galimberti et Giovanni Bortolani.

“I preferiti di Marino est une initiative de grande envergure, une pièce de la mosaïque qui, entre art, science et innovation, compose le parcours du projet et le travail de la Fondation et de l’Opificio ”, a déclaré Andrea Zanotti, président de la Fondazione Golinelli. “L’exposition ne sera que la première étape d’un projet d’exposition qui, dans les années à venir, offrira au public du Centre des Arts et des Sciences l’opportunité d’apprécier, à travers des lectures critiques et des perspectives différentes, la richesse du patrimoine culturel et la vision multidisciplinaire de Marino Golinelli. Ces expositions, explique Zanotti, permettront également de réaliser des parcours éducatifs cohérents avec l’offre éducative que l’Opificio Golinelli met à la disposition des élèves de tous âges, une occasion précieuse d’intégrer le programme didactique STEAM, déjà mis en œuvre dans notre Marino Golinelli School of Ideas”.

L’exposition est divisée en cinq sections: De l’idée à la matière; De l’idée à l’objet; D’hier à demain; La fonction et sa négation; Projeter le présent dans l’avenir.

La première section De l’idée à la matière, qui se veut une sorte d’antichambre projetant le visiteur dans le parcours de l’exposition, débute avec Interior Projection #13 (2014) de Paolo Cavinato, un artiste de Mantoue qui crée des œuvres centrées sur la rigueur de la perspective, l’échange de regards et de points de vue, et la relation entre le fini et l’infini. La perspective est également au centre des photographies de Candida Höfer, définie comme une “anthropologue de l’architecture”. Son regard se porte sur ces espaces de socialité, théâtres, musées, bibliothèques, qui, bien que présentant des caractéristiques similaires, ne sont jamais les mêmes. Deux œuvres représentent la Biblioteca Comunale dell’Archiginnasio de Bologne (2006) : des plans larges où l’on retrouve certains traits caractéristiques de la poétique de Candida Höfer, comme l’utilisation exclusive de la lumière naturelle, l’atmosphère métaphysique de l’espace vidé de toute présence humaine, la cristallisation d’un passé lointain, encadré par des architectures représentées de face. La grande sculpture Immortal Hunting (2015) de Ronald Ventura, l’un des principaux représentants de la scène artistique philippine, occupe également une place importante dans la première section. L’œuvre représente un homme ailé au corps vêtu d’argent, couché à l’envers sur un lit de feuilles et de ronces. L’iconographie fait référence à la figure mythologique d’Icare : une allégorie de l’homme contemporain qui, grâce à la science et à la technologie, manifeste la volonté de dépasser ses propres limites.

La deuxième section, Dall’idea all’oggetto (De l’idée à l’objet ), remet en question la définition du design par rapport aux concepts de fonction et de fonctionnalité. Les protagonistes sont les œuvres de Giacomo Balla et de Kazimir Malevitch, deux maîtres de l’avant-garde du XXe siècle : la sérigraphie en couleur Progetto per piano da tavolo (1920) et la sculpture en terre cuite Grande linea di velocità (1922) du premier, et le Dynamischer Suprematismus n° 57 (1916) du second. S’y ajoutent deux peintures de l’artiste allemand Andreas Hildebrandt, Material et Erzberg (2008). Hildebrandt combine des figures humaines, des architectures et des formes géométriques pour créer des paysages dans lesquels le signe de l’intervention humaine et le geste pictural de l’artiste sont toujours évidents. La section se termine par Untitled (2003) de John Baldessari, peintre, photographe, architecte et performeur, décédé en 2020. L’œuvre se compose de deux modules de papier peint qui isolent et juxtaposent des éléments apparemment dissemblables (un nez et du pop-corn, des ampoules et des pommes de terre) pour créer des relations visuelles formelles inhabituelles.

La troisième section Da ieri a domani (D’hier à demain ) vise à illustrer la variété des intérêts, l’éclectisme et la vision du monde de Marino Golinelli. Sont ainsi exposés deux portraits photographiques, Golinelli and Bear Portal (2015) et Marino Infinito (2018), du photographe et artiste visuel Giovanni Bortolani, élève de Bruno Munari et spécialisé dans la photographie publicitaire et éditoriale. Marino et Paola est la mosaïque photographique composée de quarante polaroïds couleur du photographe de renommée internationale Maurizio Galimberti. Des œuvres d’artistes italiens et étrangers sont intercalées dans l’exposition. Parmi les premières, citons Prova d’artista (1977) du peintre vénitien Giuseppe Santomaso ; È giallo (2003) de Davide Nido ; Untitled (2007) du peintre Alberto di Fabio, connu pour ses travaux sur l’association de l’art et de la science en mélangeant l’infiniment grand à l’infiniment petit. L’œuvre évoque des images de la structure à grande échelle de l’univers : un réseau de filaments cosmiques composés de matière noire. Amnesiac et Oroborus sont les titres de deux œuvres de 2008 de Nicola Samorì, dans lesquelles l’artiste de Forlì réalise un processus de distanciation par rapport au portrait, à partir d’un modèle sculptural : alors que dans la première, la sculpture initiale est reproduite avec une grande fidélité, dans la seconde peinture, des applications matérielles sont ajoutées sur la toile, telles que du plâtre, de la terre, de la colle, qui donnent vie à un sub-derme matériel qui dégénère la forme. La relation entre l’art, la science et la technologie, en référence aux possibilités infinies de la génétique et de la physique moléculaire, est au centre des recherches de l’artiste américain Shane Hope. Trois œuvres exposées par l’artiste, créées en 2007, font référence à la vie et à l’origine du monde : Speculativernacular Folk-Flock of an Eco-Exo Envirornamental; Ornamentally Handicapped-Clipped Atomolecularly Manufactured?; Collablobject-Oriented Algorithmically Cracked-Out Carbon Nanotubes on Free-Range Script-Tangled Docking Decoy Proteins and Clipping Planes (Nanotubes de carbone fissurés orientés vers l’algorithme sur des protéines d’amarrage et des plans d’écrêtage enchevêtrés). Des technologies les plus avancées, nous passons aux médias traditionnels tels que le dessin Untitled (1993) de David Hockney, un portrait que le peintre anglais dédie à la créatrice de mode Celia Birtwell, la peinture à l’huile Untitled (2006) de Melgaard Bjarne et le diptyque Untitled (Blue) et Untitled (Yellow) de l’Américaine Isensee Warren, datant de 2003. Les œuvres de la peintre Ieva Mediodiva, quant à elles, entraînent le visiteur dans des abîmes glacés et éthérés dans lesquels flottent des créatures incorporelles. Deux œuvres sont exposées : Blue Cephalopod (2000), qui propose des fascinations marines, avec des bleus et des bleus clairs diffusés comme des taches d’encre sépia, et E.V.A. (2002), qui suggère une atmosphère dilatée, un monde étranger, dans lequel le regard se perd.

La quatrième section Fonction et sa négation présente des artistes qui confrontent et réfutent la définition de la fonction. Avec Formiche italiane (1994) et Aristotele (2002), Emilio Isgrò entend contester l’autorité et la fonctionnalité du mot avec ses célèbres ratures. Deux sculptures sont également exposées : Mela, une œuvre en céramique de l’artiste frioulan Giorgio Celiberti, et Il Sole (1975), une sculpture en bois de l’ébéniste Giuseppe Rivadossi. Le titre de l’œuvre, réalisée par emboîtement, technique privilégiée par l’artiste, fait partie de la série Custodie et fait référence à la force génératrice de la nature, dont le soleil est un archétype essentiel. Cette section comprend également deux grandes installations : Rainbow Trusses (2009) de l’artiste milanais Loris Cecchini, qui consiste en une base rappelant des éléments de construction du bâtiment, enrichie d’une collection d’objets d’origine marine, tels que des coquillages, des coraux, des oursins et des mandibules de poisson. Une œuvre qui, en juxtaposant l’élégance des éléments naturels à la brutalité rigide des éléments artificiels, fait référence au concept de Bioarchitecture. Untitled (White Light #1) est au contraire une œuvre de 2006 de Terence Koh : une installation à grande échelle dans laquelle Koh expose des objets dans des vitrines qui semblent provenir directement des rêves et des secrets de son esprit. La section se termine par Beautiful Fruits (2003) de l’artiste chinois Chen Ke.

La majestueuse installation Orta Water - Purification Station (2005) du duo Lucy+Jorge Orta conduit les visiteurs au cœur de l’exposition, un résumé de la recherche artistique présentée dans l’exposition. Un grand bateau, doté d’un système symbolique de collecte, de filtrage et de purification de l’eau, nous rappelle que l’accès aux sources d’eau potable et la pollution des réservoirs constituent un problème grave. Un autre artiste à cheval entre l’art et la science est Sandeep Mukherjee, d’origine indienne, spécialisé dans l’ingénierie industrielle. Comme toile pour ses œuvres, Mukherjee utilise le duralène, un film polymère qui crée une large gamme de variations dans le matériau, le rendant opaque ou translucide. Une grande partie de ses œuvres, comme Untitled (2011), est alimentée par une curiosité pour les espaces transitionnels : ses images semblent s’inspirer de formes organiques, de visions microscopiques de virus, de bactéries et de tissus organiques. L’exposition se poursuit avec une deuxième œuvre de Ronald Ventura, qui attire l’attention sur les contradictions du monde globalisé. Home Theatre, Supper (2010) est une installation stratifiée qui se compose de deux parties principales : dans la partie supérieure, une peinture représentant un environnement chaleureux et confortable, meublé dans un style moderne, dans lequel un méga-écran diffuse des images d’une inondation dans un pays pauvre ; dans la partie inférieure, une sculpture insérée dans un vieux poste de télévision : comme dans une crèche post-moderne, une famille se réunit pour le dîner, consommant des conserves, sans se soucier des tragédies qui l’entourent. Ventura utilise deux techniques très différentes, mais qui soulignent le même paradoxe : la superficialité d’une société de consommation qui a perdu le contact avec ses racines, ses traditions et son sens de la communauté. Inc (2003) de l’artiste américain Tony Oursler est une œuvre qui explore le thème de la détresse émotionnelle. L’artiste est connu pour ses vidéos projetées sur des objets tridimensionnels, souvent des surfaces sphériques ou des mannequins en tissu, qui se transforment en sujets parlants. Les expressions, les mots chuchotés et les mouvements des yeux et de la bouche stimulent chez les visiteurs des processus mentaux automatiques d’identification, suscitant un sentiment d’éloignement. Enfin, l’exposition se termine avec l’Autrichien Alfred Haberpointner, qui travaille le bois pour créer ce qu’il appelle des “objets muraux”, comme Zentralisation - Diptychon (2015) : une paire de panneaux d’épicéa qui participent autant des qualités de la peinture - avec leur format vertical et leur placement au mur - que de la sculpture - avec leur tridimensionnalité. Le bois est sculpté en petits segments réguliers, convergeant vers un centre de perspective ; ce traitement de la surface, complété par un recouvrement de couleur, ouvre à l’interaction avec l’environnement et le regard du spectateur par l’incidence de la lumière. L’exposition se termine par un portrait photographique de Marino Golinelli signé par Giovanni Bortolani, 2065, le futur est là.

Un calendrier d’événements de vulgarisation scientifique, d’activités interactives et d’expériences en laboratoire destinés aux enfants, filles et garçons, âgés de 4 à 13 ans, et à leurs familles, accompagne l’exposition pendant toute sa période d’ouverture. Tous les rendez-vous, programmés les week-ends, permettront aux participants de découvrir de près les œuvres exposées et d’approfondir les échanges entre l’art, la science et la technologie chers à Marino Golinelli. En collaboration avec le département éducatif de la Peggy Guggenheim Collection, de nombreuses propositions pédagogiques dédiées aux écoles sont également prévues. Pour plus d’informations : mostra@fondazionegolinelli.it

L’exposition bénéficie du patronage de la région Emilia-Romagna et de la municipalité de Bologne.

Les coups de cœur de Marino. Lechapitre I peut être visité du mardi au vendredi de 11h à 19h30 ; les samedis, dimanches et jours fériés de 10h à 20h (y compris le 31 mars, les 1er et 25 avril, le 1er mai et le 2 juin). Fermé le lundi. L’entrée est gratuite.

Toutes les informations sont disponibles sur le site www.ipreferitidimarino.it

La Fondation Golinelli rend hommage à son fondateur. Elle présente des œuvres issues de sa collection aux multiples facettes

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