De Kandinsky à Chagall, une exposition sur le sacré et la beauté dans l'art russe. À Vicence

Du 5 octobre 2019 au 26 janvier 2020, la Gallerie d’Italia du Palazzo Leoni Montanari à Vicence accueillera l’exposition Kandinsky, Goncharova, Chagall. Sacré et beauté dans l’art russe, une exposition qui vise à célébrer le vingtième anniversaire du musée de Vicence en mettant en valeur la collection d’icônes russes anciennes d’Intesa Sanpaolo, l’une des plus prestigieuses au monde, qui est conservée au musée Palazzo Leoni Montanari. L’exposition, organisée par Silvia Burini, Giuseppe Barbieri et Alessia Cavallaro, comprend quarante-cinq œuvres d’artistes russes des XIXe et XXe siècles (notamment Vasily Kandinsky, Natal’ja Gončarova, Marc Chagall, Kazimir Malevič, Kuzma Petrov-Vodkin, Pavel Filonov et plusieurs autres), provenant de la galerie Tret’jakov à Moscou et d’autres musées importants, notamment le musée national Marc Chagall à Nice et le musée d’art moderne Costakis à Thessalonique.

Les œuvres des artistes russes sont comparées à une sélection de dix-neuf icônes russes de la collection permanente afin d’étudier le thème du sacré dans l’art russe de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, exploré en fonction de ses liens avec la tradition : la recherche spirituelle et esthétique de nombreux représentants de l’avant-garde révèle en effet de profondes affinités avec la conception philosophico-théologique des icônes traditionnelles. C’est précisément au cours de la deuxième décennie du XXe siècle que les artistes russes ont développé un intérêt très fort pour les icônes, mais il convient de souligner que dans les décennies précédentes, les artistes avaient également prêté attention aux icônes : C’est le cas, par exemple, des protagonistes les plus influents de l’Art nouveau (comme Aleksandr Ivanov, Michail Vrubel’, Apollinarij Vasnecov, Michail Nesterov, tous présents dans l’exposition), qui se sont essayés à des sujets sacrés, chrétiens et païens, sans toutefois se rattacher directement à la tradition plus ancienne. Au contraire, l’avant-garde a forgé une relation plus forte avec la tradition : bien que les thèmes ne soient pas explicitement religieux et que les œuvres ne soient évidemment pas destinées au culte, la présence de la matrice iconique dans le contexte de l’avant-garde est beaucoup plus marquée.

L’antinaturalisme est le trait dominant de l’icône. Les sujets de ces peintures sont rigidement limités, délimités par des grilles de composition et d’interprétation précises ; la pose des figures est rigide, presque toujours frontale et fixe ; la perspective linéaire est absente. C’est précisément ce dernier trait qui a été considéré comme une limitation majeure par ceux qui l’ont rencontré sans en comprendre l’essence. L’avant-garde du début du XXe siècle a cherché à perturber une peinture considérée comme une représentation illusoire du visible et a trouvé précisément dans la peinture d’icônes un point d’accroche valable. Pour le peuple russe, la perception de la nature en termes visuels et picturaux ne devait pas être considérée comme une simple expérience esthétique. Il s’agit plutôt, comme le répète sans cesse Kandinsky, d’une sorte de “nécessité intérieure” qui découle du besoin de faire l’expérience de l’invisible(nevidimoe), d’une manière totalement naturelle, dans le quotidien(byt). L’icône est considérée comme le fondement et la garantie de cette approche, en tant qu’expression efficace de l’invisible dans l’art pictural.

Kandinsky est ainsi le premier à quitter le figurativisme pour entrer dans le monde des abstractions. Natal’ja Gončarova utilise des images bibliques, de la Genèse à l’Apocalypse, pour nous communiquer l’approche de l’heure du Jugement. Contrairement à Kandinsky, elle révèle l’humanité profonde avec un figurativisme essentiel, sans l’obscurcir dans l’abstraction. Il capture les maux du monde dans la sécularisation, l’industrialisation, l’urbanisation, les révélant comme des facteurs qui cherchent à minimiser la richesse de la culture russe et de ses peuples. Dans la rencontre avec Larionov et Goncarova et leur peinture primitive, avec des références claires à l’icône, Malevic s’ouvre aussi à une peinture non figurative, qui explore les espaces du “rien”, libérés de tout figurativisme. Et chez Chagall, il est possible de découvrir une autre dimension de l’influence du sacré dans la peinture russe des premières décennies du XXe siècle, celle d’un mysticisme quotidien (“Je suis un mystique. Je ne vais ni à l’église ni à la synagogue. Pour moi, travailler c’est prier”) qui, partant dans son cas surtout de la lecture du texte biblique, est capable de donner vie à un univers visuel extraordinairement évocateur (“il m’a toujours semblé et il me semble encore, observe le peintre, que la Bible est la principale source de poésie de tous les temps”).

Dans la somptueuse demeure baroque du Palazzo Leoni Montanari de Vicence, rappelle Giovanni Bazoli, président émérite d’Intesa Sanpaolo, a été inauguré en 1999 le premier siège de la Gallerie d’Italia, immédiatement identifiée comme la “maison des icônes” car, dans le cadre du grand projet d’enrichissement des collections d’art de la Banque, elle était destinée à accueillir l’une des plus importantes collections d’icônes russes de l’Occident“. Vingt ans après l’inauguration de cette exposition, dans le but de mieux faire connaître notre collection, nous présentons aujourd’hui une exposition qui, grâce à des prêts exceptionnels de la Galerie Tret’jakov de Moscou et d’autres musées internationaux, montre comment l’art russe moderne s’est nourri de la spiritualité des modèles iconographiques anciens. La Gallerie d’Italia d’Intesa Sanpaolo à Vicence, à l’occasion de son vingtième anniversaire, réaffirme sa vocation de lieu de rencontre entre l’Est et l’Ouest de l’Europe, qui conduit également à la reconnaissance de la fécondité des racines chrétiennes communes”.

L’exposition sera complétée par de nombreuses initiatives destinées aux amateurs d’art, aux écoles et aux familles : un cours sur l’histoire de l’art russe, une projection de films, des rencontres, des événements musicaux et de danse. Le catalogue (Edizioni Gallerie d’Italia | Skira) contient des essais des conservateurs Silvia Burini, Giuseppe Barbieri, Alessia Cavallaro et des universitaires Nicoletta Misler et John Bowlt. Pour plus d’informations, visitez le site web de la Gallerie d’Italia.

Photo : Vassily Kandinsky, Destin (Mur rouge) (1909 ; huile sur toile, 84 x 118 cm ; Astrakhan, Galerie d’art d’État d’Astrakhan n.a. P.M. Dogadina)

De Kandinsky à Chagall, une exposition sur le sacré et la beauté dans l'art russe. À Vicence

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