Portogallo
Le musée Gulbenkian de Lisbonne, la gigantesque collection d'un persécuteur politique
Le musée Gulbenkian de Lisbonne, issu de la collection du magnat Calouste Gulbenkian (qui a dû quitter l'Empire ottoman au moment des persécutions contre les Arméniens), est devenu une étape incontournable pour les amateurs d'art qui visitent la capitale portugaise.
Par Jacopo Suggi
| 25/08/2021 16:14
L'un des musées les plus visités du Portugal, le musée Gulbenkian, bien que d'histoire récente, est devenu l'une des principales attractions du pays et de sa capitale, Lisbonne. Cette émergence rapide est due à la combinaison extraordinaire et réussie d'une collection variée et colorée de la plus haute qualité et de l'architecture moderne intrigante du bâtiment qui l'abrite et de son intégration dans un jardin public florissant. La collection est due à l'éclectisme culturel de l'entrepreneur Calouste Gulbenkian (Shkodra, Istanbul, 1869 - Lisbonne, 1955). Arménien d'origine, né en 1869 dans l'Empire ottoman, il doit émigrer avec sa famille à Londres en raison des persécutions subies par sa communauté. Calouste poursuit l'activité pétrolière de son père et accumule une incroyable fortune au cours de sa vie. Au cours de ses voyages incessants, il constitue une gigantesque collection d'œuvres d'art qui reflète ses goûts personnels.
De son vivant, il prend soin de sauvegarder sa collection, d'abord en envisageant de la léguer à la National Gallery de Londres, mais cette idée est abandonnée car le magnat éprouve de la rancœur à l'égard de l'État de Sa Majesté. En effet, il est désigné comme ennemi d'État pendant la Seconde Guerre mondiale et une partie de ses biens est saisie pour avoir suivi le gouvernement français à Vichy en tant que membre de la délégation diplomatique de la Perse. Bien que cette disgrâce ait été levée immédiatement après la guerre et que le pétrolier ait été dédommagé, il a décidé de changer de lieu, optant pour la National Gallery of Art de Washington.
Au moment de sa mort, cependant, aucune décision définitive n'avait encore été prise et c'est Lord Radcliffe, son avocat et principal confident, qui décida de transférer la collection de Gulbenkian à Lisbonne, où l'Arménien avait passé les dernières années de sa vie.
La Fondation qui porte le nom de l'entrepreneur décide de faire construire un siège futuriste dans le centre de la capitale portugaise, et c'est pour cette raison qu'un concours est lancé entre 1959 et 1960. Le projet des architectes Ruy Jervis d'Atouguia, Pedro Cid et Alberto Pessoa se caractérise par la simplicité, la créativité et la concentration spirituelle, des caractéristiques qui, selon la commission, correspondent aux vertus de la vie de Gulbenkian et sont donc optimales. Une architecture moderniste de style brutaliste a été réalisée, où la simple forme parallélépipédique de la structure met en valeur les matériaux utilisés, le granit et le béton armé, qui donnent vie à des chromatismes subtils avec les intérieurs en bois. La clarté de la structure est ensuite continuellement animée par le jardin luxuriant, dans lequel la structure est immergée et avec lequel elle communique continuellement. Le jardin lui-même est agrémenté d'étangs, de fontaines et d'un amphithéâtre en plein air.
 |
| L'extérieur du musée |
 |
| Art assyrien, bas-relief (Nimrud, vers 884-859 av. J.-C. ; albâtre, 230 x 140 cm ; Lisbonne, Musée Gulbenkian) |
 |
| Détails de la collection islamique |
 |
| Détails de la collection islamique |
 |
| Fabrication turque |
Quatorze ans après la mort de Gulbenkian, sa très riche collection de plus de 6 000 pièces a trouvé ici sa dernière demeure, et une partie est exposée dans les galeries qui se déploient autour des jardins, avec de grandes fenêtres laissant pénétrer la lumière et les images. Un premier parcours d'exposition présente des œuvres des civilisations classiques et orientales, collectionnées par le pétrolier, reflet de ses origines. Une riche collection d'objets égyptiens accueille le visiteur, suivie d'une extraordinaire collection d'art gréco-romain, provenant en partie du trésor d'Aboukir en Égypte, redécouvert en 1902, contenant de nombreuses médailles et pièces de monnaie, ainsi que des vases, des verreries et d'exquis camées, et d'un rare témoignage de l'art mésopotamien: le bas-relief du palais de Nimrud (884-859 av. J.-C.) représentant un démon ailé dans une attitude rituelle.
Plus à l'est, les collections suivantes se déplacent, avec l'art islamique de Syrie, de Perse, de Turquie et d'Inde, où les caractéristiques stylistiques géométriques dominent les compositions des tapis, des textiles, des tuiles, des poteries et d'autres artefacts. Une petite collection de parchemins arméniens des XVIe et XVIIe siècles rend hommage à ses origines. Enfin, une copieuse collection d'art extrême-oriental, provenant de Chine et du Japon, avec un splendide paravent du XVIIe siècle, où des scènes de la vie de cour, des banquets, des engagements sportifs, des réceptions d'invités et d'autres activités quotidiennes sont rendues avec une fraîcheur surprenante et une perspective à vol d'oiseau ; les céramiques chinoises et japonaises exquises ne manquent pas non plus.
Les céramiques chinoises et japonaises ne manquent pas. Et puis il y a de très nombreuses expositions d'art européen de toutes les époques: ivoires et petites sculptures byzantines, romanes, bourguignonnes, une riche sélection de chefs-d'œuvre italiens et flamands des XVIe et XVIIe siècles. Il convient de mentionner en particulier le Portrait d'une jeune femme de Domenico del Ghirlandaio, qui restitue la silhouette harmonieuse d'une femme du XVe siècle portant des vêtements à la mode et des bijoux en corail ; une Sainte Famille de Vittore Carpaccio plongée dans un paysage éblouissant ; et la Sainte Conversation de Cima da Conegliano, dans laquelle la clarté formelle est rehaussée par des couleurs éclatantes. Tout aussi important est le Portrait de Marco Antonio Savelli, la première réalisation dans le domaine des portraits par le portraitiste accompli Giovan Battista Moroni.
 |
| Vittore Carpaccio, Sainte Famille et donateurs (1505 ; tempera et huile sur panneau, 90,1 x 133,9 cm ; Lisbonne, Musée Gulbenkian) |
 |
| Cima da Conegliano, Repos pendant la fuite en Égypte avec les saints Jean-Baptiste et Lucie (vers 1517 ; tempera et huile sur panneau, 53,9 x 71,6 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| Giovan Battista Moroni, Portrait de Marco Antonio Savelli (1543-1544 ; huile sur toile, 137 x 112 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| Antoon van Dyck, Portrait d'homme (1620-1621 ; huile sur toile, 142 x 112 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| Peter Paul Rubens, Portrait d'Helena Fourment (1630-1632 ; huile sur panneau, 186 x 85 cm ; Lisbonne, Musée Gulbenkian) |
 |
| Salle du musée Gulbenkian |
 |
| Jean-Baptiste Pigalle, Statuette d'enfant (XVIIIe siècle ; marbre, 42,5 x 35,5 x 37,5 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| Jean-Antoine Houdon, Diane (1780 ; marbre, 210 x 98 x 115 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| Joseph Mallord William Turner, Le naufrage d'un cargo (1810 ; huile sur toile, 175 x 245 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| Joseph Mallord William Turner, Quillebeuf, embouchure de la Seine (1833 ; huile sur toile, 88 x 120 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
Parmi les œuvres d'artistes non italiens figurent deux splendides portraits de Rembrandt, le Portrait d'un vieil homme et le Portrait mythologique d'Athéna, achetés par Gulbenkian à l'Ermitage, où ils étaient entrés dans le cadre de la collection de Catherine II. Mais d'autres formidables portraitistes comme Frans Hals et van Dyck sont également exposés, ainsi que des tableaux de Rubens, qui savait rendre la chair peinte vivante et palpitante. Ces chefs-d'œuvre sont suivis d'une très riche collection de meubles, robes et fournitures de style rococo, parmi lesquels la peinture et la sculpture ne manquent pas non plus, avec des auteurs comme Fragonard et Houdon.
Si la collection d'art ancien est du plus haut niveau, la collection moderne est peut-être encore meilleure. Les grands innovateurs du XIXe siècle sont présents, comme les splendides peintures de William Turner qui semblent anticiper certaines solutions adoptées plus tard par les impressionnistes, ou les peintures terreuses de Camille Corot qui a enseigné à des générations de peintres comment regarder la nature et la représenter d'après nature.
Il y a plusieurs chefs-d'œuvre d'Édouard Manet: dans le Garçon aux cerises, le rendu pensif inspiré de la peinture hollandaise du XVIIe siècle est animé par la pose irrévérencieuse du garçon. Par dérision, le souriant Alexandre, qui a posé plusieurs fois pour le peintre, a fini sa vie en se suicidant dans l'atelier de l'artiste, rue Lavoisier. Tout aussi admirable, le Garçon soufflant des bulles est un portrait allégorique qui évoque la vanité et le caractère éphémère de la vie. Aussi fragile que les bulles que fait l'enfant, le peintre rend la scène avec une grande intimité, renouant ainsi avec la peinture des grands maîtres.
Dans le Portrait de Madame Monet peint vers 1872, Pierre-Auguste Renoir réalise un tableau d'une grande fraîcheur où la technique impressionniste gorgée de lumière, habituellement utilisée pour la peinture en plein air, est ici mise au service d'une peinture d'une grande modernité, avec des références à la mode japonaise, comme le bol posé sur la table. Plus frivoles, en revanche, sont les deux personnages pris dans un moment de repos à bord d'un bateau, impressionnés par John Singer Sargent. Il y a aussi de formidables tableaux de Claude Monet, d'Edgar Degas, des œuvres de Rodin, dont le buste de Victor Hugo, de Latour, de Boldini et de bien d'autres.
 |
| Salle de la collection contemporaine ; Lisbonne, Musée Gulbenkian) |
 |
| Édouard Manet, Garçon soufflant des bulles (1867 ; huile sur toile, 100,5 x 81,4 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| Édouard Manet, Garçon aux cerises (1858 ; huile sur toile, 65,5 x 54,5 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| Auguste Rodin, Printemps éternel (1898 ; bronze, 64 x 69 x 38,5 cm ; Lisbonne, Musée Gulbenkian) |
 |
| Pierre-Auguste Renoir, Portrait de Madame Claude Monet (1872-1874 ; huile sur toile, 53 x 71,7 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| Edgar Degas, Portrait d'Henri Michel-Lévy (1878 ; huile sur toile, 40 x 28 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| John Singer Sargent, Dame et enfant endormis sur un bateau sous les saules (1887 ; huile sur toile, 56 x 68,6 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| René Lalique, Diadème avec coq (1897-1898 ; or, émail, corne et améthyste ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
 |
| René Lalique, Boucle avec paon (1898-1900 ; or, émail, opales et diamants, 9,2 x 19 cm ; Lisbonne, Musée Gulbenkian) |
 |
| René Lalique, Broche libellule (1897-1898 ; or, émail, chrysoprase, calcédoine, pierre de lune et diamants, 23 x 26,5 cm ; Lisbonne, musée Gulbenkian) |
Si l'on n'est pas encore convaincu que le musée Gulbenkian est une mine de trésors, la section consacrée aux bijoux, verres et autres œuvres précieuses de René Lalique nous fera réfléchir. Le magnat arménien a commencé à collectionner cet incroyable ensemble dès sa première rencontre avec l'artiste français en 1890. Une longue amitié s'est développée entre les deux, et les magnifiques œuvres, tantôt art nouveau, tantôt art déco, sont des pièces inégalées entre l'artisanat et le design.
Le tour de cou en or précieux, opale et diamant représentant un paysage arboré est la première œuvre à entrer dans la collection de Calouste. Mais il y a bien d'autres splendides merveilles: des pendentifs avec un visage de femme, des broches en forme de coq ou le célèbre vase de Cluny, très remarqué lors de l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, qui s'est ouverte à Paris en avril 1925, et qui deviendra également célèbre pour avoir donné naissance à l'appellation du style Art déco.
En outre, ce musée extraordinaire est agrémenté d'une bibliothèque bien fournie et abrite une collection moderne, ajoutée ultérieurement, et une collection n'ayant pas appartenu à Gulbenkian, qui contient plus de dix mille œuvres d'artistes portugais modernes et contemporains. Un musée incroyablement omnivore, comme l'était son commanditaire, sans jamais sacrifier la qualité toujours élevée des œuvres et des objets exposés.
