Une immersion longue et répétitive dans l'angoisse de Munch. L'exposition de Milan

Il est vrai qu’Edvard Munch est l’un des artistes les plus angoissés de tous les temps: mais de l’exposition que le Palazzo Reale de Milan lui consacre jusqu’au 26 janvier 2025 à l’occasion du80e anniversaire de sa mort, vous sortirez probablement déprimé et avec un sentiment de pessimisme cosmique si vous avez déjà tendance à vous laisser gagner par l’anxiété et l’angoisse. Le titre choisi, Edvard Munch. Le cri intérieur, vous avertit déjà du caractère de l’exposition, mais sert surtout de référence directe à l’œuvre la plus célèbre, la plus significative et la plus réinterprétée de l’artiste norvégien, Le cri, que vous ne verrez que sous forme de lithographie dans l’exposition. Si vous avez l’intention de visiter l’exposition milanaise, c’est pour voir de plus près cette figure humaine au visage en forme de crâne, vêtue de noir, qui porte les mains à ses oreilles tout en ouvrant grand les yeux et la bouche pour pousser un cri de désespoir retentissant, un cri qui est apparemment celui d’un seul individu, mais qui pourrait représenter un autre individu. d’un seul individu mais qui peut représenter le cri de tous car universels sont les sentiments de solitude, d’angoisse et les tourments de la mort, et ce ciel ardent et sinueux qui suit les lignes du paysage, déformées comme celles de la figure humaine elle-même, non, vous ne le verrez pas : ni la peinture à la détrempe ni le pastel du Cri de la collection du Munchmuseet d’Oslo, musée d’où proviennent toutes les œuvres de l’exposition, ne sont arrivés à Milan pour l’occasion ; il n’y a qu’une lithographie en noir et blanc de 1895.

Il faut également tenir compte du fait que le but de l’exposition, comme l’indique l’une des pages de préface du catalogue, est de “restaurer une vision plus articulée de Munch qui, à partir de la nécessaire biographie psychique de l’artiste, élargit notre vision et notre compréhension” de l’artiste lui-même ; “d’élargir le champ d’investigation afin de comprendre, d’une part, comment Munch s’insère dans le processus évolutif de l’histoire de l’art et, d’autre part, comment Munch fait partie du processus évolutif de l’histoire de l’art”.L’objectif de l’exposition est de comprendre, d’une part, comment Munch s’inscrit dans le processus évolutif de l’histoire de l’art et, d’autre part, comment les manifestations artistico-littéraires, les spéculations philosophiques de ses contemporains, bref, sa culture, ont affecté son art" et de mettre en évidence comment, au-delà de l’expérience personnelle, les œuvres de Munch s’inscrivent dans l’humus socioculturel de la matrice nordique. Dans l’exposition, ces intentions se concrétisent dans de longs panneaux à lire (préparez-vous car il y en aura beaucoup, rédigés avec le soutien de Costantino D’Orazio) et dans l’exposition de quelques œuvres du Norvégien représentant le cercle bohémien de Kristiania (la ville de Kristiania). de Kristiania (aujourd’hui Oslo), un groupe d’intellectuels norvégiens qui luttait contre les valeurs restrictives de la classe moyenne, les préjugés de genre et de classe et contre le pouvoir constitué, et par la présence du portrait de Stanisław Przybyszewski, un écrivain polonais avec lequel Munch est entré en contact à Berlin dans le cercle littéraire du dramaturge et écrivain suédois Johan August Strindberg. C’est dans ce contexte que Munch s’est retrouvé à partager des réflexions avec d’autres intellectuels autour de philosophes existentialistes comme Kierkegaard, Schopenhauer et Nietzsche, sous l’influence d’un symbolisme pessimiste qui sous-tendait les idées du cercle, ainsi que des idées sur les mécanismes de l’inconscient. Il aurait été utile, à mon avis, de proposer des comparaisons ou des documents écrits afin de rendre plus concret et plus direct le lien entre l’art de Munch et le contexte culturel nordique.

Comme nous l’avons dit, toutes les œuvres exposées proviennent du Munchmuseet d’Oslo, de sorte que l’exposition de Milan est une bonne occasion de voir des peintures en direct. L’exposition de Milan est donc une bonne occasion de voir des peintures vivantes qui ne sont pas conservées à proximité et qu’il est peu probable de rencontrer dans les expositions italiennes (dix ans se sont écoulés depuis la dernière grande exposition en Italie d’œuvres de la collection du Munchmuseet, qui s’est tenue au Palazzo Ducale de Gênes, tandis que quarante ans se sont écoulés depuis l’exposition consacrée à la collection du Munchmuseet à Oslo, tandis que quarante ans se sont écoulés depuis l’exposition consacrée à l’artiste norvégien qui s’est tenue au Palazzo Reale de Milan et auPalazzo Bagatti Valsecchi entre 1985 et 1986, pour laquelle The Girls on the Bridge, l’œuvre qui clôt l’actuelle exposition milanaise, a été choisie comme image directrice). Bien que, comme nous l’avons déjà mentionné, Le Cri ne soit présent que dans les lithographies en noir et blanc, il ne manque pas de chefs-d’œuvre tels queAutoportrait, Mélancolie, Désespoir, Le Baiser, Vampire, La Mort de Marat, Autoportrait entre le lit et l’horloge, Nuit étoilée et Les Filles sur le pont. Certaines œuvres sont présentées de manière répétée dans différentes versions et avec différentes techniques afin de montrer comment Munch a élaboré les mêmes motifs au fil des années et de sa production. Il s’agit par exemple de La jeune fille malade (eau-forte, 1894 et lithographie imprimée en couleur, 1896), Sur le lit de mort. La febbre (pastel, 1893) et Lotta contro la morte (huile sur toile, 1915), La morte nella stanza della malata (huile sur toile, 1893 et lithographie, 1896), Bacio vicino alla finestra (huile sur toile, 1891) avec Il bacio IV (gravure sur bois, 1902) et Il bacio (huile sur toile, 1897) ; et encore, deux lithographies de la célèbre Madone et six versions de Vampiro, de l’huile sur toile (1895 et 1916-1918) au pastel (1893) en passant par le panneau de bois (1902).

L’immersionlongue et parfois répétitive dans les angoisses, les anxiétés, les obsessions et les rencontres avec la mort de Munch commence dans la première section avec Mélancolie, représentant une femme seule assise dans un cadre domestique, dont l’expression fait référence au titre du tableau et au portrait de Laura Munch, la quatrième des cinq frères et sœurs de l’artiste, qui a commencé à souffrir de troubles psychologiques dès l’adolescence et contre lesquels elle a lutté toute sa vie. Cependant, le tableau est un exemple du mélange d’éléments qui appartiennent à sa formation académique et d’éléments qui suggèrent une approche plus libre de la peinture, comme le portrait de sa tante Karen dans la chaise à bascule: La sœur de la mère de Munch, qui a emménagé dans la maison des Munch lorsque Edvard a perdu sa mère à l’âge de cinq ans à cause de la tuberculose et qui a cultivé et soutenu son talent artistique en tant qu’artiste amateur, est représentée ici à contre-jour et avec des coups de pinceau doux que Munch avait commencé à expérimenter sous la direction de Christian Krohg. Mais ce sont surtout des œuvres dans lesquelles on perçoit une approche émotionnelle dans la représentation des sujets, influencée par une vision intérieure et des souvenirs. Les vues de l’avenue Karl Johan, la rue principale de Kristiania, non loin de l’endroit où le petit Edvard vivait lorsqu’il était enfant, sont également le fruit de souvenirs. La première section se termine par les représentations du cercle bohème de Kristiania et le portrait de Stanisław Przybyszewski.

La maladie et la mort, expériences tragiques qui ont marqué la famille et la vie de Munch, sont les protagonistes de la deuxième section : l’artiste élimine les détails superflus et parvient à capturer l’essence même de la douleur et de la mort. Dans les œuvres exposées ici, nous voyons des personnages désespérés ou des figures fantomatiques plongées dans des atmosphères sombres qui confrontent le spectateur à la précarité de la condition humaine et le font compatir à la douleur de veiller un malade, en particulier un enfant, ou au sentiment de perte ressenti lors de la mort d’une personne. Il s’agit d’œuvres qui racontent l’agonie de la perte, où le deuil devient tangible dans une image picturale forte qui se déroule dans une pièce de la maison. L’enfant malade, La mort dans la chambre de malade, La lutte contre la mort en sont des exemples. Extrait de Clair de lune. Nuit à Saint-Cloud, en revanche, un fort sentiment d’isolement se dégage clairement. Le tableau Vision est troublant : une tête désincarnée aux yeux fermés émerge de la surface de l’eau, tandis qu’un cygne et d’autres formes indistinctes flottent au-dessus de sa tête, et l’Enfant sur le point de se noyer n’est pas moins troublant. L’enfant sur le point de se noyer n’est pas moins inquiétant. Mais ce qui ressort de cette section, c’est le Désespoir, où une figure humaine vêtue de noir est immergée dans le même paysage que le célèbre Cri. Suivent une lithographie de ce dernier, accompagnée d’une vidéo racontant son histoire et son vol, et enfin deux gravures sur bois d’Angoisse, dans lesquelles une foule de personnes aux visages aliénés et aux yeux écarquillés marchent vers le spectateur, exprimant la solitude humaine qui est présente même dans une foule.

La mort continue d’être présente dans la troisième section : dans un cas, elle est à la barre d’un voilier au milieu de la mer, dans un autre cas, sous la forme d’un crâne, elle donne un baiser à une jeune fille. Mais le baiser d’amour, tout comme la sensualité (deux lithographies de sa sensuelle Madone sont exposées), est aussi vu par Munch dans son double aspect: comme une source d’épanouissement, explicitée dans des tableaux comme Le Baiser ou Baiser à la fenêtre, dans Couples s’embrassant dans le parc ou Attraction, mais aussi dans son côté sombre, dans sa force destructrice, comme dans Vampire. L’artiste éprouve de l’empathie pour toutes les personnes qui sont prises au piège de la séduction et ruinées par la dissolution de l’amour. La relation avec Tulla Larsen, la seule femme qu’Edvard Munch ait envisagé d’épouser, est particulièrement pertinente : Au début, leur relation était enthousiaste, mais elle s’est détériorée au fur et à mesure que Munch, convaincu qu’il couvait des maladies héréditaires et qu’il devait se consacrer à son art, résistait de plus en plus aux désirs d’intimité de Tulla, ce qui a conduit à une querelle traumatisante au cours de laquelle un coup de feu a mutilé l’un des doigts de l’artiste. Leur relation a inspiré des œuvres qui explorent la relation conflictuelle entre l’homme et la femme, où la figure féminine est présentée comme une séductrice et l’artiste lui-même comme une victime sacrificielle: un exemple clair est La mort de Marat exposée ici, où, dans une pièce, un homme nu est allongé sur le lit avec un bras qui pend du matelas et sa main et son poignet semblent tachés de rouille ; la femme est au contraire debout, nue et immobile, comme une statue. La scène pourrait représenter une scène érotique, mais en fait le titre suggère que l’homme a été assassiné, face à la froideur de la femme. Le tableau dédoublé avec l’autoportrait de Tulla et le portrait sur fond vert, signifiant la fin de leur relation, est également emblématique.

Enfant sur le point de se noyer Désespoir

L’exposition consacre ensuite une section à un aspect peu connu de l’œuvre de Munch, à savoir sa relation avec l’Italie: il s’y rend pour la première fois en 1899, puis en 1900, 1920, 1922 et 1927. Lors de ses séjours en Italie, il a eu l’occasion de s’intéresser aux traditions de la Renaissance et a été particulièrement impressionné par Michel-Ange (il a décrit la chapelle Sixtine comme la “plus belle pièce du monde”) et Raphaël. De l’Urbino, il a exécuté un portrait sur papier, exposé ici, mais aussi des œuvres telles que Pont du Rialto, Venise et La tombe de P.A. Munch à Rome, qui témoignent de son amour pour l’Italie et l’héritage artistique italien. Munch était également fasciné par les doctrines qui unissaient la matière, l’énergie et l’esprit, comme le monisme, et par la possibilité que l’univers soit imprégné de forces invisibles, comme le rayonnement solaire, l’électromagnétisme, la télépathie et la croissance cellulaire. Des œuvres telles que Vagues, Baigneurs ou Hommes nus dans un paysage reflètent cet intérêt. Pour Munch, la nature et le corps humain étaient profondément liés : sa vision cosmologique ne séparait pas le monde physique des énergies invisibles, ce qui l’a conduit à créer un langage visuel dans lequel la réalité tangible et l’invisible se confondent. Toutes les choses matérielles, qu’elles soient vivantes ou inanimées, étaient pour lui interconnectées. Il existe également une photographie montrant l’artiste nu, de dos, dans la station balnéaire de Warnemünde.

Le Soleil, l’Alma Mater, l ’Histoire et Vers la lumière que nous voyons ci-dessous, en revanche, font référence aux peintures murales monumentales du nouveau grand hall de l’Université royale de Frederick (l’actuelle Université d’Oslo) : pour le 100e anniversaire de l’institution , un concours a été lancé pour les peintures et Munch a travaillé pendant sept ans pour obtenir la commande. Il a conçu onze toiles pour célébrer la nation, l’université et ses disciplines académiques, avec le Soleil au centre, symbolisant à la fois la mission de l’institution d’éclairer les étudiants par la connaissance et l’énergie qui anime toute chose. Cependant, le comité chargé de sélectionner le lauréat a qualifié les peintures murales d’“esquisses” colorées et ne les a jamais acceptées officiellement, mais elles ont ensuite été achetées par les partisans de l’artiste et données par eux à l’université, puis installées en 1916, après que d’autres œuvres liées au projet ont été exposées dans toute l’Europe, suscitant un accueil positif de la part de la critique.

L’avant-dernière section se poursuit avec les nombreux autoportraits réalisés par Munch : l’artiste se représente avec une tête de morue sur une assiette, en enfer, devant le mur de sa maison ou avec son modèle. À travers ses autoportraits, Munch explore sa propre psyché et le passage du temps. L’Autoportrait entre le lit et l’horloge est emblématique de sa confrontation avec la mort et le vieillissement. Dans ce dernier, en effet, l’artiste âgé se représente debout dans sa chambre, les mains pendantes le long du corps, ces mains autrefois actives, avec lesquelles il dessinait et peignait, sont désormais inertes.

L’exposition se termine par une section qui vise à montrer comment l’art de Munch a influencé l’art du 20e siècle, anticipant l’expressionnisme et le futurisme. L’observateur est en effet enclin à participer aux émotions véhiculées par les scènes représentées, comme dans Sur les marches de la véranda ou dans Le mur de la maison au clair de lune, où l’on peut voir dans les deux cas l’ombre d’une figure allongée, suggérant la présence de l’artiste ou d’une autre entité, vers laquelle regarde la femme du premier tableau. Il s’agit cependant d’un indice d’invisibilité tangible. Une ombre, cette fois-ci plus informe, de manière à créer chez le spectateur une certaine inquiétude, est également présente dans l’Autoportrait en enfer exposé dans la section précédente, faisant toutefois allusion à ces forces invisibles mentionnées plus haut. Munch a utilisé des techniques innovantes et des perspectives audacieuses pour dépeindre des paysages qui mènent à sa construction personnelle de l’espace, qui a inspiré les mouvements d’avant-garde du 20e siècle. Son style de peinture aux coups de pinceau larges et audacieux continue d’exercer une forte influence, signe de sa modernité. Des tableaux tels que La Nuit étoilée et Les Filles sur le pont illustrent son langage visuel novateur, qui transcende les limites traditionnelles de la représentation pour explorer l’intimité et les émotions de l’âme humaine.

Le retour de Munch à Milan n’a cependant rien d’excitant, si ce n’est qu’il permet d’introduire en Italie des œuvres qui, autrement, auraient été vues en Norvège. Déception de voir des chefs-d’œuvre comme Le Cri et La Madone exposés uniquement sous forme de lithographies et, à mon avis, au-delà des intentions, il me semble que nous nous sommes trop concentrés sur les angoisses de Munch, qui sont fondamentales pour son art, mais qui, comme indiqué dans les intentions, vont bien au-delà de sa biographie car elles sont influencées par la philosophie de l’époque et la psychologie de Freud qui place l’inconscient au premier plan. Ces aspects, cette “vision articulée”, à laquelle il a été fait référence, ne sont pas bien perçus dans l’exposition. La section sur Munch en Italie est intéressante, mais malheureusement peu approfondie.

Le catalogue, qui ne reprend pas les longs panneaux de l’exposition, comprend trois essais: le premier est consacré à la relation de Munch avec l’Italie, le deuxième, écrit par la commissaire Patricia G. Berman, est consacré à la perception visuelle et à la vision intérieure, à l’œil intérieur en tant que sujet, et donc à la dimension subjective de la peinture de Munch, tandis que le troisième essai explore la relation entre l’évolution artistique de Munch et les développements contemporains dans les sciences de la perception. Enfin, deux contributions des écrivains Melania Mazzucco et Hanne Ørstavik : Io sono un romantico et Chi sono io, se rapportent à des œuvres de l’exposition. Des attentes déçues pour l’une des expositions les plus attendues de l’année.

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