Un art de l'ombre et du silence. À quoi ressemble l'exposition Raoul Dal Molin Ferenzona à Collesalvetti ?

Plus de cinquante ans se sont écoulés depuis que Dario Durbè pouvait encore écrire que Raoul Dal Molin Ferenzona était un artiste “malheureusement oublié et difficile à reconstituer en raison du manque d’informations biographiques et de documentation”. On peut dire que ce n’est plus le cas : Bien qu’il soit encore peu ou pas connu du grand public, la personnalité de Ferenzona a pris une forme solide, robuste et sûre au cours des cinq dernières décennies, grâce à l’important travail réalisé avant tout par Emanuele Bardazzi, le plus grand expert de l’artiste, par des historiens de l’art tels que Francesca Cagianelli, et par des spécialistes de la littérature du début du XXe siècle pour lesquels Ferenzona est une présence inévitable. Une jeune italianiste de l’université de Caroline du Nord, Danila Cannamela, l’a qualifié de "maudit artiste“ : un adjectif galvaudé, mais qui convient bien à la figure de Raoul Dal Molin Ferenzona, peintre et graveur (mais plus graveur que peintre) à la vie tourmentée et agitée, aux fortunes diverses, aux intérêts variés et éclectiques, à l’art protéiforme, prêt à s’abreuver à n’importe quelle source, mais toujours en suivant une ferme conviction : l’art, pour Ferenzona, n’est pas l’investigation du phénoménal, ce n’est pas l’enregistrement de la réalité, ce n’est pas la recherche de l’impression. Pour Ferenzona, l’art est la forme du rêve, c’est la poésie faite chair, c’est l’image d’un fantasme, c’est la pensée peinte, dessinée, gravée. L’imagination rend réel ce qu’elle invente” : tel est le titre du sixième des Paradoxes de la Science Suprême d’Éliphas Lévi, occultiste et érudit de l’ésotérisme que Ferenzona appréciait et citait probablement dans ses nombreuses discussions avec ses collègues dans la Rome du début du 20e siècle, où l’artiste, florentin d’origine, avait l’habitude de travailler.L’artiste, florentin de naissance, d’origine aristocratique lointaine et de culture cosmopolite, s’y était déjà installé en 1904, à l’âge de vingt-cinq ans, pour voir de près les recherches de Giacomo Balla.

Les résultats de ce travail sont résumés dans l’exposition que la Galerie d’art municipale de Collesalvetti consacre à Ferenzona jusqu’au 15 mars 2025(Raoul Dal Molin Ferenzona. Enchiridion Notturno. Un sognatore decadente verso l’occultismo e la teosofia, conçue et dirigée par Emanuele Bardazzi et Francesca Cagianelli) pour reconstruire et relire les étapes de l’histoire de cet artiste singulier, d’abord étudiée dans deux petites expositions organisées entre 1978 et 1979 à Rome et Livourne, sous la direction de Mario Quesada, puis dans l’exposition monographique de Bardazzi organisée par Gonnelli à Florence en 2002. Par l’exhaustivité du parcours, l’ampleur du catalogue et la quantité d’œuvres inédites, l’exposition Collesalvetti est néanmoins la plus importante jamais consacrée à l’artiste toscan, qui apparaît dans l’exposition non seulement comme un “rêveur décadent”, mais aussi comme un protagoniste singulier du monde de l’art.Il ressort de l’exposition non seulement comme un “rêveur décadent”, mais aussi comme un protagoniste singulier des événements de son temps, même si, à première vue, il peut sembler un acteur secondaire mineur, un poursuivant tardif, un grégaire agité par les secousses symbolistes même après la fin de la Première Guerre mondiale, un préraphaélite provincial foudroyé par la parole de Rossetti et de Hunt alors que presque tous les membres de la confrérie étaient en terre depuis des années. Oui, il s’est souvent retrouvé à la poursuite, mais on ne rendrait pas service à Ferenzona si on ne le considérait pas aussi comme un artiste capable d’intuitions fulgurantes qu’il a alternées avec un entêtement tenace dans sa carrière, si on ne le considérait pas comme un visionnaire ouvert à l’Orient, un artiste “doué d’une grande sensibilité et d’une grande sensibilité”.Orient, un artiste “doué d’une rare versatilité d’esprit et d’une vaste culture” comme on l’appelait en son temps, un homme de lettres capable de dessiner ou un dessinateur capable d’écrire. Enrico Crispolti notait également que Ferenzona, bien qu’issu d’un milieu symboliste aux accents d’Annunzio, était en contact avec l’avant-garde (un point que l’exposition aborde sans hésitation).

Il se peut que sa fortune n’ait pas été favorisée par son hybridation permanente, sa propension à la contamination, sa proximité avec la littérature, ce qui a inévitablement conditionné sa réception critique. Présenté tantôt comme un poète avant d’être un graveur, tantôt comme un poète tout court, tantôt considéré comme un meilleur dessinateur que poète, tantôt comme un simple illustrateur, Raoul Dal Molin Ferenzona a sans doute payé le prix de sa versatilité et de son éclectisme. C’est pourtant dans la sphère littéraire que sa formation s’est achevée, et c’est en considérant sa fréquentation habituelle et ancienne du milieu littéraire de son temps que l’on peut recueillir les fruits les plus mûrs et les plus juteux de son travail d’artiste. Le titre même de l’exposition reflète cette passion : l’enchiridion était autrefois un petit manuel que l’on lisait en le tenant à la main. Un “livre de poche”, pourrions-nous dire, en utilisant un terme anachronique, mais qui en donne peut-être l’idée. En 1923, à Livourne, Ferenzona imprima un livre extravagant et mystérieux, conçu avec un autre symboliste, Charles Doudelet, qui, arrivé de Belgique sur les rives de la mer Tyrrhénienne, avait contribué à éveiller l’intérêt pour l’ésotérisme à Livourne également (et à Doudelet, rappelons-le, une exposition soignée a été consacrée à la Pinacothèque de Collesalvetti). Ce livre, intitulé AÔB (Enchiridion notturno) et présenté lors d’une exposition de livres organisée dans les salles de la galerie Bottega d’Arte de Livourne, représente l’un des sommets de la production imprimée de Ferenzona, ainsi que l’un des éléments qui l’ont le plus lié aux cercles culturels de Livourne. Ce livre, cependant, est venu après d’autres expériences.

Ferenzona était arrivé à Rome en 1904 parce qu’il était attiré, comme nous l’avons dit, par les recherches divisionnistes de Balla. Mais une fois dans la capitale, ses intérêts changent. À la recherche de Giacomo Balla, il trouve Sergio Corazzini. Avec le poète crépusculaire, Ferenzona noue une amitié de très courte durée (Corazzini, plus jeune mais plus malade, mourra à seulement vingt-trois ans, en 1907, rongé par la tuberculose), mais d’une intensité débordante. Frère de l’art", aurait dit Ferenzona dans une prose qui lui fut dédiée après sa mort. Nous ne savons pas comment Ferenzona peignait à l’époque de sa rencontre avec Corazzini, mais nous savons (d’après ce qu’il écrivait au début de la vingtaine, d’après les souvenirs de ceux qui le côtoyaient déjà à l’époque) qu’il s’intéressait déjà à l’occultisme et à l’ésotérisme : la première preuve picturale de l’exposition, une Femme au chapeau et aux chauves-souris de 1906, un peu naïve mais très convaincue, indique avec une clarté manifeste la disposition de Ferenzona dans ces années-là, une disposition qui, bien qu’avec de fréquents changements de points de référence (avant tout artistiques), soutiendra presque toute sa production : L’âme de Ferenzona favorisait, écrit Bardazzi dans le catalogue, “les langages rêveurs, mystérieux et suggestifs, le type d’esthétique qui exprimait des sensations vagues et non formulées” : c’était un artiste qui "déclarait son sentiment d’appartenance au cercle symboliste international bigarré dont les préraphaélites, surtout la deuxième génération, avaient été les précurseurs, donnant lieu à des filiations hétérodoxes, plus compliquées et non conformistes en Angleterre même, par des artistes queer proches d’Oscar Wilde comme Charles Ricketts et Aubrey Beardsley". Ferenzona n’était pas isolé, ni à la traîne : la fascination pour l’ésotérisme, dans ces années-là, orientait les recherches des artistes dans toute l’Europe, c’était la réponse à la grisaille de l’industrialisation, au matérialisme de la société bourgeoise, à l’aliénation de l’existence dans un monde qui se dirigeait vers la massification. Et ce regard vers les expériences antérieures est le fruit d’une conviction précise : “Aucun artiste moderne”, écrira Ferenzona lui-même en 1923, “ne peut se vanter d’une originalité complète : la puissance des grands hommes du passé pèse sur nos cerveaux, même sur celui d’un futuriste”.

Cette adhésion à un symbolisme préraphaélite n’est pas un moment isolé dans la carrière de Ferenzona : sa fascination pour ce langage s’étend sur au moins quatre décennies, depuis la gravure Gravis dum suavis, une œuvre de 1909 que le public de la Galerie d’art Collesalvetti trouvera dans la deuxième salle, un doux portrait de nonne qui s’inspire des Flamands du XVe siècle et qui porte le titre d’un mantra de D. Annunzio.une devise de D’Annunzio tirée duTriomphe de la mort, à des œuvres des années 1930 comme Fulvia et uneAnnonciation qui mêlent, bien qu’avec une certaine rigidité, le recours aux sources de la première Renaissance au langage onirique du symbolisme français, en passant par une œuvre nouvelle et singulière comme le triptyque Ave Maria à l’influence britannique évidente. Entre les deux, Ferenzona en savait bien plus, comme on peut le constater en parcourant la première salle de l’exposition, entièrement consacrée aux peintures : la Bataille des méduses, par exemple, est une œuvre dont on suppose qu’elle est née d’une comparaison avec le symbolisme sous-marin de Gino Romiti (autre protagoniste d’unebelle exposition organisée à Collesalvetti entre 2022 et 2023), dans un Livourne redevable aux recherches de Doudelet. Là encore, Les yeux des anges et Le sommet des années 1920 certifient l’intérêt de Fenzona pour les recherches internationales des cubofuturistes, tandis que Krishna jouant de la flûte de 1933 marque son approche la plus proche des philosophies orientales, ainsi que le portrait probable, vers 1930, de Jiddu Krishnamurti, le philosophe indien proche de la Société théosophique qui, dans les années 1930, était membre de la Société théosophique. Société théosophique qui, dans les années 1930, s’est dépouillé de ses biens, s’est dissous de toute appartenance à une organisation, une nationalité ou une religion et a passé le reste de sa vie à partager sa propre vision du monde, le tout visant à la recherche de la liberté par rapport à tout conditionnement. On trouve également une méditation sur le réalisme magique (le Portrait d’une vieille dame), de même que les regards sur le symbolisme belge ne manquent pas : les Masques vers 1935 font écho à l’œuvre de James Ensor, l’eau-forte Il n’y a rien d’autre que de l’eau-forte.l’eau-forte Il n’y a rien de plus beau qu’une clef, tant qu’on ne sait pas ce qu’elle ouvre porte dans son titre une citation de Maurice Maeterlinck, et puis, dans la deuxième salle, deux tondi inédits, deux dessins au crayon pastel énigmatiques et raréfiés qui évoquent les atmosphères de Fernand Khnopff, autre référence incontournable pour Ferenzona, qui a aussi cherché sa Bruges à Orvieto, en Italie, en Italie et en Italie. sa Bruges à Orvieto, où il résida quelque temps entre 1908 et 1909 à l’instigation de son ami Umberto Prencipe qui s’y était installé(les Orviétanes, avec les deux dessins au crayon, sont peut-être ce qui l’a le plus rapproché de Khnopff). Et si pour le grand Giancarlo Marmori, Khnopff était une “sorte de D’Annunzio ou de Wilde dans le domaine plastique”, on pourrait dire que Raoul Dal Molin Ferenzona était une sorte de Sergio Corazzini qui évoluait entre la peinture et la gravure. La veine intime, mélancolique, crépusculaire et sombre qui enveloppe les œuvres de Raoul Dal Molin Ferenzona coule dès le premier autoportrait (une œuvre de 1904-1907, exécutée donc lorsque l’artiste a eu l’occasion de rencontrer l’homme de lettres), et innerve une grande partie de sa production. “Aimez donc l’ombre et fuyez la lumière car, comme le temps, elle est naïvement maligne et terriblement juste. Et avec l’ombre, aimez le silence, car l’ombre des mots est le silence. Aimez-le comme le calvaire de vos images, comme la croix de votre rêve, comme le tombeau de votre âme. Elle te donnera une étoile pour un mot, un aigle pour un cri, un cri pour un souvenir, toujours. Tu ne vivras que par le passé : il sera tellement moins grave pour toi de fuir l’espérance et le vain bonheur” : c’est ce qu’écrit Corazzini dans son Exhortation à son frère. L’art de Raoul Dal Molin Ferenzona est un art de l’ombre et du silence. Même dans le choix de certains sujets, on peut percevoir le reflet de son amitié avec Corazzini, à qui l’artiste dédiera en 1912 La ghirlanda di stelle (La guirlande d’étoiles), un recueil visionnaire de poèmes illustrés : Bardazzi note que la précarité existentielle (et physique) du poète l’a conduit à interpréter sa vie "comme le martyre d’un homme prédestiné, dans une sorte d’Imitatio Christi“, ce qui a amené Ferenzona à ”intérioriser la Passion du Christ en y reflétant ses propres tribulations et son évolution spirituelle" (et ce dès la Via Crucis de 1919).

Inévitablement, cette vision sombre de l’existence se répercute également sur la conception que Ferenzona se fait de la femme, conception sur laquelle pèse également son intérêt pour Baudelaire : La femme est à la fois une femelle démoniaque et luciférienne(Les Sœurs), une muse lointaine, inaccessible, intouchable, enveloppée d’un voile de mystère(Femme à la mite), une froide manipulatrice qui domine l’homme, l’asservissant, sa marionnette, comme on peut le voir dans Les marionnettes, l’une des meilleures gravures de Ferenzona, redevable à la Dame au pantin de Rops, et dans laquelle le portrait de sa belle épouse Stefania est reproduit. le portrait de sa belle épouse Stefania Salvatelli, dont il se séparera plus tard (la vie d’un artiste comme Ferenzona ne devait pas être facile à supporter), mais en qui Ferenzona voyait une sorte d’idéal féminin, voire salvateur, puisque la femme, dans son œuvre, est aussi une vierge salvatrice (Ferenzona dédiera d’ailleurs un portfolio de gravures, Vita di Maria, à la Madone). En général, pour Bardazzi, les portraits féminins de Ferenzona semblent adhérer à cet idéal baudelerien “ambigu”, “de volupté entourée de tristesse, d’autant plus belle qu’elle est mélancolique, lasse, pleine de regrets et d’amertume refluante”.

Une salle de l’exposition est consacrée aux relations entre Raoul Dal Molin Ferenzona et Livourne : une personnalité éminente, avec Doudelet, Romiti, Benvenuto Benvenuti et Gastone Razzaguta, de ce courant ésotérique et spiritualiste de l’art léghorien qui a cherché, au début du 20e siècle, à proposer une alternative à l’art factoriel et postcommuniste de l’époque.alternative à la ligne factorielle post-Macchiaiola, et qui trouva dans le Caffè Bardi un lieu de rencontre privilégié (même Renato Natali, dans un premier temps, fut attiré par les intérêts du groupe) : Les Voleurs de 1914 est le point de tangence maximum entre Natali et Ferenzona), Ferenzona est protagoniste à Leghorn, de l’exposition aux Bagni Pancaldi en 1916 aux nombreuses participations au calendrier des expositions de la Bottega d’Arte jusqu’à la présence de Ferenzona aux sixième et septième expositions du Gruppo Labronico en 1923 et 1924 (dans la première il exposera les panneaux de la Vie de Marie, dans la seconde cinq œuvres). C’est à Livourne que Ferenzona, comme nous l’avons déjà dit, publie le livre AÔB (Enchiridion notturno) pour la maison d’édition Belforte, avec laquelle il collaborera à plusieurs reprises.Le livre AÔB (Enchiridion notturno), composé de douze poèmes illustrés par autant de gravures en pointillés, douze “mirages nomades” qui, comme l’écrit Francesca Cagianelli dans son essai de catalogue, consacré précisément à la présence livournaise de Ferenzona, “amplifiaient la vocation nocturne de Ferenzona dans une direction rosicrucienne”. La contribution de Francesca Cagianelli rend également compte d’un épisode jusqu’à présent inconnu, qui a ressurgi à la suite de recherches dans les archives de la Galleria Nazionale de Rome : Ferenzona, à Livourne, a également été le scénographe de certains spectacles musicaux pour enfants sur le thème des contes de fées(Nel regno delle farfalle, Natale in soffitta et Il giardino incantato) qui ont été joués au Teatro dei Piccoli de la ville.

L’exposition prend congé de Ferenzona avec certaines de ses œuvres macabres (telles que La tasse de thé, La goutte de poison et Les légumes perfides), qui évoquent un monde de sortilèges et d’angoisses démoniaques qui reflètent, d’une certaine manière, ses expériences pragoises. L’album est au contraire plein d’espoir et arrive à la fin du voyage comme un matin clair après une nuit d’orage, comme un soleil rose se frayant un chemin dans un ciel lugubre couvert de nuages noirs (“Considérez ce jour / Car c’est la vie / La vraie vie de la vie // Dans le monde entier, il y a la vie, la vie, la vie”). La vie / La vraie vie de la vie // Dans son cours éphémère / Ce jour renferme / Toutes les variétés, / Toutes les réalités / De ton existence, / Le bonheur de l’épanouissement, / La gloire de l’action, / La splendeur de la beauté. // Car hier n’est qu’un rêve / Et demain / N’est qu’une vision // Mais aujourd’hui bien vécu, / Fait de chaque jour passé / Un rêve de bonheur, / Fait de chaque jour à venir / Une vision d’espoir / Considérez donc ce jour"). La dernière salle, à la fin de l’exposition, rassemble un noyau ostensible de gravures qui révèle explicitement les sources, les inspirations et les repères sur lesquels l’art de Ferenzona s’est formé : on y trouve les graphismes de Rops, Khnopff, Georges De Feure et du groupe pragois Sursum (Josef Vachal, František Kobliha et Jan Konůpek). On notera en particulier la célèbre affiche du premier Salon de la Rose+Croix en 1892, une œuvre de Carlos Schwabe qui a souvent figuré dans des expositions récentes sur le thème du symbolisme mystique et spiritualiste.

L’exposition sur Raoul Dal Molin Ferenzona clôt à Collesalvetti un cycle commencé avec Doudelet et poursuivi avec Romiti, Macchiati et Benvenuti, avec lesquels le commissaire Cagianelli a exploré de nombreux courants du symbolisme toscan, et en particulier celui de la région tyrrhénienne et de la région de Leghorn, au début du 20e siècle : un calendrier jalonné d’expositions importantes, soutenues par des projets solides, un travail de recherche substantiel, la découverte de nombreux inédits (l’exposition sur Ferenzona ne fait pas exception, peut-être la plus riche en inédits et en nouveautés du cycle : certains de ces inédits ont été mentionnés ici), et toujours accompagnées de rencontres et de conférences qui ont permis d’approfondir les thèmes présentés dans les salles. Raoul Dal Molin Ferenzona. Enchiridion Notturno est une exposition scientifiquement irréprochable, vivante et passionnante, qui a su reconstituer un événement italien du début du XXe siècle, peut-être pas oublié, mais certainement mis de côté, et en tout cas peu connu du grand public, à la fin d’un cycle qui s’est déroulé dans la ville de Milan.Un cycle qui s’est déroulé dans un petit musée, mais qui, malgré l’économie de moyens et de ressources, a été à la hauteur de ce qui a été organisé dans la région de Livourne ces dernières années. Il est de plus en plus rare de voir en Italie des expositions de ce type, capables de mettre en lumière des épisodes méconnus d’une histoire de l’art certes locale, mais tissée de liens indissolubles. Il s’agit d’expositions de ce type en Italie, qui sont en mesure de mettre en lumière des épisodes méconnus d’une histoire de l’art, certes locale, mais tissée de liens indissolubles avec les vicissitudes nationales, qui offrent au public la possibilité de découvrir verticalement des artistes et des événements fondamentaux pour l’histoire du territoire, qui utilisent des appareils scientifiques robustes, de petits jalons dans l’historiographie des artistes en question. Au cours des quatre dernières années, des pages importantes de l’histoire de l’art italien du début du XXe siècle ont été écrites dans le petit Collesalvetti. Il est bon que ce travail se poursuive et s’étende peut-être même à la capitale de la province.

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