Lorenzo Viani, l'hérétique gênant de l'histoire de l'art italien

Il semble que ce soit une pratique établie, ce retard coupable et insensé avec lequel nous nous réapproprions, en Italie, les protagonistes des événements artistiques des XIXe et XXe siècles. Que ce soit par snobisme culturel, par foreignophilie spasmodique, par fluctuation du goût ou par culte d’un passé plus lointain, les rangs des illustres victimes de cette attitude culturelle sont encore très nombreux. Ces dernières années, nous assistons à la récupération, également par le grand public, à travers une prolifération continue d’expositions, de la figure de Giovanni Fattori et des autres peintres de Macchiaioli, qui semblent avoir enfin réussi à mettre derrière eux l’infâme anathème de Roberto Longhi. Mais le groupe racheté est encore contrebalancé par une multitude de personnalités perdues dans les plis de l’histoire de l’art : des peintres, des sculpteurs et des créateurs de toutes sortes, dont les expériences artistiques et de vie sont d’un grand intérêt. Inexplicablement, parmi eux se trouve un artiste de la valeur de Lorenzo Viani.

Peintre, xylographe et écrivain, Viani a exercé de nombreuses activités artistiques avec beaucoup de succès au cours de sa vie qui a commencé à Viareggio en 1882 et s’est achevée à l’âge de 54 ans en 1936. Certes, la rédemption du peintre toscan a déjà été réclamée par de nombreux critiques, accompagnée d’un bon nombre de publications et de quelques expositions intéressantes, mais son œuvre est encore aujourd’hui peu connue et appréciée, à tel point que même plusieurs musées qui possèdent ses tableaux ne se sentent pas obligés de les exposer. L’hostilité à l’égard de Viani, selon Mario De Micheli, est due à une certaine “méfiance esthétique”, car il ne s’est jamais inscrit dans les canons rassurants d’une peinture formelle à l’approbation facile. Cet hérétique gênant pour le monde de l’art et des lettres, comme l’appelait Fortunato Bellonzi, est certainement l’un des profils les plus significatifs de la peinture italienne au tournant des XIXe et XXe siècles, mais il est aussi l’un des résultats les plus remarquables d’une certaine production expressionniste et sociale européenne. L’amateur d’art ne peut donc pas manquer l’occasion d’une rencontre avec l’œuvre de Viani, garantie par la nouvelle exposition temporaire du GAMC de Viareggio, le musée dédié à l’artiste, qui accueille jusqu’au 5 mai l’exposition Viani. Emotions de l’humanité.

Emotions de l’

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Cette initiative d’exposition a été conçue pour faire face à la restauration du musée, le Palazzo delle Muse, en rendant accessible une sélection de chefs-d’œuvre du maître de Viareggio présents dans les collections municipales et en l’enrichissant de seize tableaux provenant de collections privées. Pour comprendre l’art de Viani, il est également nécessaire de sonder les événements biographiques, car le peintre du dernier et du délaissé a commencé l’aventure de sa vie dans une Versilia qui n’était pas celle des saisons balnéaires brillantes, ni celle des villas balnéaires de la noblesse lucquoise, bien que son père ait été au service du prince Don Carlos de Bourbon. Au contraire, dès son plus jeune âge, l’imagination de Lorenzo est dominée par des présages de mort et de solitude ; il quitte le palais des Bourbons pour fréquenter le peuple de la Darsena, des anarchistes et des prisonniers, que Viani élit comme compagnons fidèles pour le reste de sa vie. Cette adhésion s’intensifie lorsque son père perd son emploi et que la famille plonge dans un abîme de misère. Le jeune homme se fait embaucher dans un salon de coiffure, qui s’impose comme une école d’humanité ; en effet, comme il l’écrira plus tard, “avant de les dessiner, ces visages, cousus de gavine... je les ai mantrugiati”. Mais outre cet impitoyable échantillonneur humain, il a également fait la connaissance de personnages célèbres dans l’atelier, comme l’anarchiste Pietro Gori et Plinio Nomellini. Le peintre livournais, en particulier, jouera un rôle majeur en poussant Viani à prendre le crayon et le pinceau. Sa formation, faite d’errances dans les villes environnantes et de lectures, passe également par l’Institut d’art de Lucques. Mais lorsqu’il arrive à Lucques, il a accumulé tant d’expériences importantes que sa conscience a déjà pris une direction et qu’il n’apprend de l’académie que le métier : "Je n’ai même pas remarqué les beautés grecques et romaines. Elles m’apparaissaient comme des choses mortes. Dehors, j’étais trop en contact avec la vie pour apprécier le gladiateur mort, alors que le combat m’avait déjà montré des mourants, ou la Vénus de Milo, alors que dans les relais de poste de la Via della Dogana, j’avais vu de beaux corps dans la lumière rouge des rideaux".

Au début du XXe siècle, il s’installe à l’Accademia di Belle Arti de Florence, où Nomellini le présente à Giovanni Fattori. En voyant ses figures déformées, le maître de Macchiaioli se tordit la bouche et s’exclama : “Il y a des erreurs, mais ce sont de bonnes erreurs”. Et encore : “Ce sont des choses originales, fais ce que tu vois et ce que tu sens”. La leçon de Fattori aura toujours une influence fondamentale sur Viareggio, qui s’accommode de son bain de réalisme. Concevoir la peinture à travers des fonds larges, des synthèses extrêmes, utiliser le médium de la peinture de manière désenchantée, sont autant d’éléments du bagage technique qu’il a appris de son “père” livournais, auquel il ajoute ce contour épais et agité qui rappelle certaines gravures de Macchiaioli.

Les Fattori se retrouvent également dans l’une des dernières œuvres de Viani, la première qui accueille le visiteur de l’exposition, Travailleurs du marbre en Versilia de 1934, peinte avec une autre toile pour décorer la gare de Viareggio. Ces toiles précèdent immédiatement la dernière œuvre de Viani, les fresques du collège “IV Novembre” de Castel Fusano au Lido d’Ostie. Bien que la peinture monumentale ne s’attarde pas sur les aspects les plus tragiques d’une humanité abandonnée, ce qui n’est de toute façon pas compatible avec une commande officielle, elle montre une matière picturale exsangue et une narration par groupes compositionnels expérimentée à plusieurs reprises dans des œuvres de grand format, capable d’exploiter différents apports, du paysage anguleux des Alpes Apuanes avec son parfum cubiste à sa méditation sur les primitifs italiens, reflétée dans le groupe hiératique de la Vierge à l’Enfant.

Les deux salles suivantes accueillent des œuvres provenant de collections privées et de la donation Lucarelli et Varraud Santini, les deux corpus qui ont fait du musée de Viareggio une étape incontournable d’un pèlerinage artistique sur les traces de Viani : ces toiles se présentent comme un rassemblement triste de figures peu recommandables, opprimées et écrasées par la vie que Viani a rencontrée dans les maisons closes, les tavernes louches, et plus généralement dans tous ces taudis emportés par les humeurs du monde, dont le peintre n’a pas été seulement le spectateur ou le chantre, mais auxquels il a donné son adhésion évangélique.

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Il n’y a pas de tentative de périodisation des œuvres de Viani, car elles sont marquées par des styles et des températures picturales souvent différents : après tout, comme l’a souligné De Micheli, l’artiste de Viareggio “n’a pas cherché la cohérence formelle, mais l’efficacité”. L’artiste, en effet, comme l’a souligné De Micheli, “n’a pas cherché la cohérence formelle, mais l’efficacité”. Les œuvres de l’artiste, en effet, sont très variées : tantôt on y voit un goût cursif et caricatural à la Daumier, comme dans les Mendiants, ou dans le Wayfarer, tantôt il semble osciller entre les visions hallucinées d’Ensor privées de couleurs carnavalesques et les fonds plats de Toulouse-Lautrec, comme dans les têtes des Parisiennes. Ces dernières témoignent également de ses séjours à Paris, où il va “aberintare” (pour reprendre un mot que l’on retrouve dans son récit de la Ville Lumière, qui, on s’en doute, n’est pas celle des boulevards ou des cafés élégants fréquentés par les Impressionnistes).

De ses toiles sortent des corps mous et mous comme dans La Baleine, des masques de cire, des chairs livides ou des marionnettes de paille comme dans La Famille du pauvre, des yeux vides et dépourvus de lumière dans ses Aveugles. Plus troublante encore est la figure de L’Obsédé, une œuvre qui a subi de nombreuses censures au fil du temps en raison de sa crudité inouïe. Contrastant avec cette mer de désespoir dense, le tableau Borsalino (portrait de Gea della Garisenda et Teresio Borsalino), datant d’environ 1929, représente la chanteuse soprano avec le fils sénateur de l’entrepreneur de la célèbre maison de chapeaux. Le tableau présente un décor mondain et une “beauté fatale et d’Annunz”, comme l’a écrit Enrico Dei, probablement parce qu’il s’agissait d’une œuvre de commande. L’œuvre de jeunesse Strada viareggina (Rue de Viareggio) est également intéressante : une scène urbaine y est représentée avec une extrême concision et une calligraphie rapide, dans des tons si didactiques qu’ils rappellent le langage des tablettes ex-voto que l’on trouve dans d’innombrables sanctuaires. Tout aussi remarquable, bien que d’un tempérament totalement différent, est le tableau Monte Costa. Ici, les géométries cubistes, au lieu de montrer une déconstruction formelle, compliquent l’intrigue, tandis que la matière chromatique maigre laisse la surface du support en carton, donnant lieu à un jeu abstrait complexe de carreaux polychromes.

Nous découvrons ensuite la production de gravures sur bois de Viani, dont une sélection est présentée : l’artiste a sculpté plus de 250 gravures sur bois au cours de sa vie, à la recherche d’une ligne pure et fasciné par les effets dramatiques offerts par la bichromie noir et blanc. Dans ce domaine également, il compte parmi les artistes les plus significatifs de la modernité. “Gabriele D’annunzio a parlé de sa force mystique. Grazia Deledda : délinquance mystique. Leonardo Bistolfi : empreintes terribles. Ceccardo Roccataglia Ceccardi : l’enfer terrestre. Umberto Boccioni : la foi inébranlable”. Ces œuvres d’une force poignante ont parfois commencé comme des études pour ses tableaux, mais ont acquis une telle expressivité qu’elles sont devenues des chefs-d’œuvre indépendants.

La grandeur de Viani est confirmée dans l’exposition par deux de ses chefs-d’œuvre les plus célèbres, les peintures monumentales de la Bénédiction des morts à la mer et de la Sainte Face. Il s’agit d’œuvres dans lesquelles le geste du peintre devient grand, dans des récits enchaînés à forte valeur symbolique. La Bénédiction se présente comme une frise antique d’un peu moins de 4 mètres, dans laquelle alternent cinq scènes, conçues comme des groupes sculpturaux.

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Elle représente la procession qui avait lieu chaque année à Viareggio pour commémorer les morts qui disparaissaient dans ce “cimetière sans fin” qu’est la mer, comme l’appelait Viani, et qui, la plupart du temps, ne pouvaient même pas prétendre à une sépulture. Des marins dont le sort n’était même pas connu avec certitude, mais dont la longue absence accompagnée de bon sens laissait penser qu’ils étaient perdus à jamais, ne laissant à terre qu’un souvenir, une veuve et quelques orphelins, qui pouvaient à peine trouver une consolation dans la mémoire, mais qui ne seraient pas d’une grande utilité dans la lutte continue pour survivre chaque jour. Ces martyrs étaient vus par Viani comme “de puissantes statues de poix, enveloppées dans des vêtements de moine, prolifiques, avec leurs enfants accrochés à leurs jupes et le petit dans leur cou. Dans chaque bateau qui passe à l’horizon, elles voient celui sur lequel voyage leur homme”. Sur la gauche, on aperçoit un groupe de veuves qui se tiennent les unes les autres, l’une d’entre elles serrant un bébé emmailloté, son ventre gonflé trahissant qu’elle est à nouveau enceinte, car la vie ne s’arrête pas, même dans la tragédie. D’autre part, le même enfant, présenté comme l’enfant Jésus pendant l’adoration, est confronté au visage endeuillé et creusé de la femme, comme s’il s’agissait d’une confrontation entre la mort et la vie.

Leretour est le groupe suivant, caractérisé par une étreinte qui fait des deux personnages un seul monolithe, une femme entoure de ses bras son homme qu’elle croyait avoir perdu en mer, mais même dans ces retrouvailles, il n’y a pas de sérénité, mais plutôt de l’émotion et du désespoir face à un destin qui, cette fois-ci, a été clément, mais qui ne le sera probablement plus. Le centre de la composition est marqué par la Sainte Face, d’où rayonne la lumière qui se répercute sur toute la toile ; il s’agit de la célèbre icône du Christ crucifié conservée dans la cathédrale de Lucques, à ses pieds un parterre de manteaux noirs comme la nuit. Suit une sorte de sinistre Visitation, dans laquelle deux femmes, telles de sombres vestales, apportent leur soutien muet à une compagne dont le mari a suivi le même sort qu’elles. À l’extrême droite se presse une famille avec des enfants, eux aussi angoissés, prodromes d’une fatalité à laquelle même ces nouvelles âmes ne peuvent se soustraire.

L’épopée esquissée par Viani oscille entre le sacré et le profane, une somme entre un langage de la mémoire ancienne et une composition très moderne, entre un récit personnel et un récit universel, transmettant le message archétypal de la douleur. La toile de la Sainte Face part également des mêmes hypothèses : un échantillon de personnes en deuil travaille sur la Darsena, anéantie par la noyade d’un enfant, attendant une théophanie qui ne s’est pas manifestée, emportant avec elle tout espoir.

De nombreuses œuvres méritent encore d’être mentionnées, car chaque représentation qui sort du pinceau de Viani est un univers qui s’impose avec force et immédiateté. Parmi elles, les Carcerati , où la pauvreté du support pictural, jouée sur la matière exsangue, et la palette terne construite sur des nuances de brun et d’ocre semblent adhérer au thème à forte empreinte sociale ; ou encore S. Andrew, une toile qui montre l’éternel dualisme entre la bourgeoisie opulente et le petit peuple affamé devant une église ; ou encore la petite sculpture en argile de la Tête de la folle, calquée sur l’exemple de Medardo Rosso, mais rappelant l’intérêt pour les déséquilibres psychiques déjà explorés par Messerschmidt.

Ainsi, la nouvelle exposition du GAMC de Viareggio, tout en restant loin du tapage médiatique, se présente véritablement comme une étape essentielle dans la récupération de l’art de Lorenzo Viani, le peintre qui rencontra Picasso et fut déçu par lui parce qu’il se caractérisait par “l’indifférence supérieure du créateur”. Et après tout, comment aurait-il pu partager cette attitude détachée, lui qui n’a jamais voulu abandonner cette humanité que, bien que grotesque, fallacieuse, misérable et dégoûtante, il a toujours reconnue comme sa sœur ?

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