La lumière et la mer de Joaquín Sorolla à Milan. A quoi ressemble l'exposition au Palazzo Reale

L’exposition que le Palazzo Reale de Milan consacre à Joaquín Sorolla y Bastida (Valence, 1863 - Cercedilla, 1923), le grand peintre espagnol ayant vécu entre le XIXe et le XXe siècle, célèbre surtout pour ses scènes de vie marine et ses plages baignées d’une lumière extraordinaire et de reflets cristallins, se veut la première exposition monographique en Italie couvrant l’ ensemble de l’œuvre de l’artiste et tous les thèmes abordés dans sa production à travers soixante œuvres magistrales et cinq sections thématiques. En effet, le Palazzo dei Diamanti de Ferrare avait déjà consacré une exposition à Sorolla en 2012, intitulée Sorolla. Jardins de lumière, mais les commissaires Tomàs Llorens, Blanca Pons-Sorolla, María López Fernández et Boye Llorens s’étaient concentrés sur la production de la maturité de Sorolla et en particulier sur les œuvres nées de sa fascination pour le thème du jardin et de sa rencontre avec l’Andalousie, qui conduira plus tard à la création de son jardin d’artiste dans sa nouvelle maison de Madrid, l’actuel Museo Sorolla; la même fascination qui avait également conduit le maître de l’impressionnisme français Claude Monet (Paris, 1840 - Giverny, 1926) à créer dans sa maison de Giverny son jardin luxuriant et poétique qui attire encore aujourd’hui des milliers de visiteurs du monde entier.

Joaquín Sorolla. Peintre de la lumière, tel est le titre de l’exposition milanaise que l’on peut visiter jusqu’au 26 juin 2022 et qui souligne une fois de plus le rôle prépondérant de la lumière dans la peinture de Sorolla ; dans son essai de catalogue, Consuelo Luca de Tena, l’une des commissaires de l’exposition, déclare: Il est curieux que Sorolla soit devenu le “peintre de la lumière”, étant donné qu’à son époque, l’intérêt pour la lumière était un dénominateur commun à tous les peintres, bien qu’il ait probablement été le seul à relever le défi posé par la lumière violente du Levant espagnol, avec un soleil à son apogée et en plein été... Monet lui-même disait du Valencien qu’il était un fêtard de la lumière". Organisée par Micol Forti et Consuelo Luca de Tena en collaboration avec Blanca Plons-Sorolla, arrière-petite-fille du célèbre artiste, l’exposition monographique, présentée aux visiteurs dans un panneau introductif, a notamment pour but de relater une expérience artistique “dans laquelle l’étude de la lumière représente l’élément le plus important de la vie de l’artiste”.dans laquelle l’étude de la lumière représente la principale voie de renouvellement vers l’élaboration d’un langage pictural immédiat, spontané et raffiné", que le public peut clairement voir dès la première salle qui accueille l’extraordinaire chef-d’œuvre conservé à la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro à Venise, Cucendo la vela, puis en continuant dans Triste eredità ! et dans le portrait de son beau-père Antonio García sur la plage, mais surtout dans les sections consacrées à la mer, grande constante de sa production artistique en tant que bon Valencien né et élevé au bord de la mer, et aux jardins, dans lesquels il poursuit sa recherche quasi obsessionnelle sur la lumière qui naît dans les vagues de la mer et qui, ici, est plutôt filtrée par la végétation ou reflétée dans des bassins faisant partie de l’architecture de l’espace extérieur.

À travers ses cinq sections thématiques, l’exposition retrace l’ évolution artistique du peintre, des thèmes sociaux aux portraits, des marines aux jardins jusqu’au long et ambitieux projet des Visions d’Espagne commandé par laHispanic Society of America. En visitant l’exposition au Palazzo Reale, le public pénètre dans l’univers de Sorolla, de ses débuts à l’obtention d’un grand succès qui le conduira dans la métropole new-yorkaise. L’exposition commence par l’Autoportrait de 1900, dans lequel l’artiste se représente à un moment de pause dans son travail: il est dans son atelier, entouré de ses dessins et vêtu de sa blouse blanche ouverte, sous laquelle on aperçoit un costume gris. Il s’agit d’un portrait dans lequel il expose son identité de peintre, lui qui n’a jamais voulu être autre chose qu’un peintre dans sa vie, comme il l’a répondu à un journaliste lors d’une interview dans sa vieillesse: Il a réalisé cet autoportrait l’année même où il a remporté le Grand Prix de l’Exposition universelle de Paris , et c’est donc un tableau dans lequel il montre sa fierté pour cette importante réalisation, mais avant d’obtenir cette reconnaissance, des années se sont écoulées et il a produit diverses œuvres qu’il a envoyées à de grandes expositions nationales et internationales pour tenter de s’établir en tant qu’artiste.

Le thème social était particulièrement populaire dans ces contextes, et c’est ainsi que dans les années 1890, Sorolla a commencé à peindre des tableaux sur les aspects les plus vrais et les plus crus de l’Espagne contemporaine ; influencé par son amitié avec Vicente Blasco Ibañez, auteur de romans sur la misère des pêcheurs et des paysans valenciens, il commence à représenter des scènes d’intérieur et de plein air sur les thèmes de la prostitution, de la pauvreté et du handicap. L’exposition Trafic des femmes blanches, qui représente quatre jeunes prostituées et leur entremetteuse s’endormant, épuisées, dans un wagon de troisième classe, en est un exemple: Il était en effet d’usage dans l’Espagne de l’époque de faire passer les très jeunes prostituées d’un asile à l’autre par le chemin de fer, ou encore Triste héritage qui relate l’idée répandue selon laquelle les enfants du vice et de l’alcoolisme naissaient avec des malformations et des handicaps ; c’est ce dernier tableau qui lui a valu le Grand Prix de l’Exposition Universelle de Paris. Les deux œuvres ont une forte charge émotionnelle, mais le changement se fait clairement sentir dans des œuvres comme Retour de pêche, présentée au Salon de la Société des artistes français, récompensée par une médaille de première classe et achetée par l’État pour le Palais du Luxembourg, et dans la monumentale Couture de la voile: peintures dans lesquelles Sorolla dépeint des scènes de vie dans l’humble travail des pêcheurs, sans aucune forme de dénonciation et caractérisées par un fort naturel du quotidien, ainsi que par une utilisation extraordinaire de la lumière qui se reflète sur les corps, sur l’eau et sur la grande toile blanche que les femmes des pêcheurs raccommodent dans un patio très éclairé, dans une harmonie totale.

L’attention que Sorolla porte à la lumière est certainement influencée par l’impressionnisme, qu’il rencontre à Paris et dont il partage plusieurs aspects, comme la peinture d’après nature, l’application des couleurs par juxtaposition sans les mélanger, et le désir de capter la lumière à différents moments de la journée pour la transférer sur la toile, en particulier dans les marines où la surface de l’eau offre l’occasion d’étudier les reflets et les couleurs irisées, qui se répandent également sur les corps des enfants joyeux qui se baignent dans l’eau. À la différence des impressionnistes, Sorolla ajoute le dessin (esquisses préparatoires rapides sans contour défini de la figure) et la corporéité donnée par le mouvement de la figure elle-même, dont le peintre suédois Anders Zorn était un maître ; de Vélasquez, dont l’art l’avait fasciné lors de sa visite au musée du Prado, il admire au contraire la fusion entre la figure et l’espace environnant, dans une atmosphère qui unifie l’image. En accord avec ces hypothèses, il a réalisé ses célèbres scènes maritimes représentant la vie quotidienne des pêcheurs, comme dans Retour de pêche et Sieste dans un bateau, et surtout les jeux enfantins des enfants courant sur les plages ensoleillées, sautant et nageant dans l’eau, jouant avec de petits bateaux, s’amusant sur le rivage, exprimant toute leur vivacité et leur spontanéité. L’exposition présente des œuvres telles que Valencia Beach in the Morning, Idyll by the Sea, The Little Boat, Afternoon on Valencia Beach.

Outre les plages de Valence, Sorolla a également eu l’occasion de peindre sur les plages de Biarritz, sur la côte nord-ouest de la France, où il s’est rendu pour se reposer avec sa femme et ses enfants. Destination fréquentée par la haute société et plus cosmopolite que Valence, Biarritz a permis à l’artiste de se confronter à une luminosité plus froide et à un climat plus variable, ainsi qu’à des scènes de loisirs d’une société élégante vêtue de robes blanches légères, mue par la brise et illuminée par la lumière aveuglante du soleil. L’exposition en donne des exemples avec On the Beach, Biarritz et On the Beach in Biarritz, mais les protagonistes des célèbres tableaux qui se déroulent sur ces plages sont les femmes de la famille: sa femme Clotilde dans le très célèbre Snapshot, Biarritz et sa fille aînée Maria dans Maria on the Beach in Biarritz ou Controluce. Manque cependant à l’appel la célèbre Promenade au bord de la mer, conservée au musée Sorolla.

L’attention portée aux reflets et à la lumière est le point de départ des tableaux situés dans des jardins que Sorolla a commencé à réaliser à partir de 1907 et auxquels une section entière est consacrée. Ces œuvres nous font découvrir des scènes en plein air à l’Alcazar de Séville, à l’Alhambra de Grenade et à la Granja de San Ildefonso de Ségovie, où Sorolla avait obtenu l’autorisation de représenter les souverains espagnols Alphonse XIII et son épouse Victoria. Également peintes d’un coup de pinceau rapide et décisif, ces peintures montrent l’heureuse combinaison de la végétation et de la lumière, créant de splendides reflets grâce aux fontaines architecturales qui sont souvent au centre de la composition. On peut ainsi admirer Le bassin de l’Alcazar de Séville ou La cour de l’Alberca de Grenade, mais sa grande passion pour les jardins l’amènera plus tard à créer le jardin entourant sa nouvelle maison madrilène construite en 1910, où il passera ses dernières années de peintre, entre 1918 et 1920, plongé dans les plantes et les fleurs et l’affection de sa famille. Le jardin de la Casa Sorolla , qui se décline dans des tons verts et roses, avec une fontaine au centre, est visible ici. Le tableau Giardino di Casa Sorolla con sedia vuota (Jardin de la maison Sorolla avec fauteuil vide), en revanche, est significatif et évocateur. Il devient presque un adieu à l’artiste: dans un coin ombragé de la cour, le fauteuil en osier sur lequel le peintre s’est assis est vide, probablement représenté peu avant l’attaque cérébrale qui l’a frappé et qui l’a contraint à abandonner la peinture pour le reste de ses jours. Pour la peinture de paysages, il a été influencé par le peintre Aureliano de Beruete, lié à l’Institut libre d’enseignement, dont il partageait le principe de la connaissance de la nature comme aspect fondamental de l’éducation et de la représentation pure du paysage comme revendication de l’hispanité la plus authentique. Les vues à la gouache qu’il a peintes à New York en 1911 depuis la fenêtre de l’hôtel où il séjournait constituent un chapitre à part parmi les représentations de paysages de Sorolla: des vues de haut en bas représentant la 59e rue, la Cinquième Avenue, le Marathon; des scènes du paysage urbain frénétique de la Grosse Pomme présentant le flux incessant de voitures, de taxis et de personnes et les reflets des phares sur l’asphalte mouillé.

Il était déjà venu à New York pour son exposition très réussie de 1909, commandée par le mécène américain Archer M. Huntington pour son institution nouvellement créée, laHispanic Society of Art. Huntington avait été foudroyé par la peinture de Sorolla lorsqu’il avait visité sa grande exposition aux Grafton Galleries de Londres l’année précédente. Dans la capitale britannique, le peintre valencien, qui ne pouvait pas peindre en plein air à cause du climat, passait son temps à visiter les musées et les monuments de la ville, et en particulier les marbres du Parthénon qui le fascinèrent à tel point qu’il introduisit le modèle gréco-romain dans plusieurs de ses œuvres, exprimé par des femmes aux dimensions imposantes, monumentales et statuaires, et des draperies rappelant la sculpture grecque. C’est le cas du tableau intitulé La robe rose, peint grandeur nature et considéré par l’artiste lui-même comme “l’un des meilleurs qu’il ait jamais réalisés”. Il a été peint à Valence pendant l’été 1916 (il est d’ailleurs placé à la fin du parcours de l’exposition alors qu’il s’agit d’un tableau “sur la plage”), pendant une pause dans l’entreprise complexe des Visions d’Espagne, et représente dans une atmosphère intime deux femmes après un bain pris dans une cabane où la lumière du soleil filtre à travers les roseaux et où une légère brise pénètre, comme le montre le rideau blanc qui apparaît à gauche de la composition ; la robe rose de la jeune femme plantureuse s’accroche sensuellement à son corps mouillé , faisant d’elle une Vénus moderne.

Les dimensions monumentales se retrouvent également dans les Pêcheuses de Valence, où trois figures féminines grandeur nature occupent toute la toile par leur présence imposante.

Enfin, nous avons déjà mentionné la grande série Visions d’Espagne commandée à Sorolla en 1912 par le mécène Huntington pour la décoration de la bibliothèque de la Société hispanique d’art, à laquelle l’exposition du Palazzo Reale consacre la dernière grande section. Il s’agit d’uneentreprise longue et fatigante qui a occupé sept ans de la carrière de l’artiste et l’a obligé à parcourir toute l’Espagne par tous les temps. Le projet consistait à représenter une vue d’ensemble des différentes régions espagnoles que Sorolla visitait de son vivant pour en décrire les paysages et les types caractéristiques, pour un total de seize scènes. L’exposition présente les Tipos d’El Roncal habillés à la mode locale, les Tipos manchegos, la mariée de Lagarterana, deux femmes sévillanes et la brillante danseuse de flamenco vêtue d’une robe rose vif.

Une fois cette aventure terminée, Sorolla s’installe à Majorque, où il a l’occasion de retourner affronter des couchers de soleil sur l’eau, riches en contrastes créés par le contre-jour, comme dans Clotilde à la Cala de San Vicente, Majorque, où les couleurs du ciel se reflètent sur la surface tranquille de l’eau en larges taches de couleur. Dès que possible, même pendant les années du cycle de toiles pour la Société hispanique, il retourne sur ses plages valenciennes bien-aimées pour peindre, par exemple, la Veste rosa (Robe rose ) ou Dopo il bagno (Après le bain ), déjà mentionnés, sous le soleil brûlant de midi.

Ce qui apparaît clairement au visiteur tout au long de l’exposition, c’est le lien affectif très fort qui l’ unit à sa famille, documenté par la présence de nombreuses peintures représentant sa femme bien-aimée Clotilde et leurs trois enfants, en particulier leur fille aînée Maria. C’est à eux qu’il a consacré le plus grand nombre de portraits (une section spécifique est dédiée à ce thème entre les tableaux sociaux et les tableaux de plage), les introduisant dans ce magnifique monde de lumière et de reflets caractéristique du peintre. Ce sont des instantanés de la vie quotidienne dans lesquels il laisse les visages presque indéfinis, comme dans Ma femme et mes enfants, dans Sous la tente, plage de Zarautz, ou dans La sieste où Clotilde, ses deux filles et sa cousine sont allongées sur l’herbe dans une douce oisiveté ; des portraits de sa femme Clotilde, comme le célèbre Clotilde et la Vénus de Milo, Clotilde avec une mantille noire, ou desportraits de sa fille aînée Maria, représentée dans Maria aux lys lorsqu’elle était enfant, Maria convalescente à dix-sept ans lorsqu’elle tomba malade à la fin de l’année 1906 Maria en convalescence à dix-sept ans, lorsqu’elle tombe malade à la fin de l’année 1906, atteinte de tuberculose et que, dans l’espoir de favoriser sa guérison, la famille déménage dans la montagne du Pardo, Maria sur la plage de Biarritz ou Controluce, Maria dans les jardins de La Granja, représentée dans les mois qui suivent sa convalescence en compagnie d’une petite fille, fille du critique Leonard Williams, devant un bassin d’eau dans lequel se reflètent les feuillages des plantes qui l’entourent. Il convient également de mentionner le célèbre portrait lumineux de son beau-père Antonio Garc&ia cute;a, qui l’a initié à l’art de la photographie, ainsi que les portraits du sculpteur Paolo Trubetzkoy, du créateur de bijoux américain Louis Comfort Tiffany et du lauréat du prix Nobel de littérature Juan Ramón Jiménez. La photographie joue un rôle important pour l’artiste: sa peinture peut être assimilée au langage de la photographie, et sa collection à la Casa Sorolla témoigne d’un homme qui connaît très bien l’appareil photo et qui est également à l’aise devant l’objectif. Le célèbre tableau Snapshot, Biarritz représente précisément Clotilde, vêtue d’une robe blanche agitée par le vent, assise au bord de la mer et tenant à la main un petit Kodak lancé sur le marché en 1888.

Ce qui, à mon avis, n’est pas perçu par le public, alors qu’il est présenté comme l’un des motifs de l’exposition, c’est le lien du peintre avec l’Italie: il est dit que l’exposition est l’occasion de “renouer les fils entre le maître de la lumière et l’Italie”, mais peut-être aurait-il été utile de consacrer une section spéciale à ce thème. En effet, le peintre a entretenu des liens avec l’Italie dès son plus jeune âge. En 1884, la Diputación Provincial de Valencia accorde à Sorolla une bourse de trois ans pour séjourner à Rome. Dès l’année suivante, il visite Venise, Pise, Florence et Naples où il exécute de nombreuses esquisses. Il passe quelque temps à Assise avec sa femme pour se retirer après la déception d’un de ses tableaux qui n’a pas reçu le résultat escompté à l’exposition nationale des beaux-arts de Madrid, intitulé L’enterrement du Christ, et dans la ville ombrienne, il peut représenter des sujets et des personnages locaux sur un fond d’oliviers et d’amandiers: “Ce fut le début du bon chemin, celui dont je n’ai plus jamais dévié, même pour un instant”, a-t-il déclaré. Il a également participé aux Biennales de Venise, de la première édition en 1895 à la sixième en 1905, puis en 1914 et à titre posthume avec une rétrospective en 1926, ainsi qu’à l’Exposition internationale de Rome en 1911.

Joaquín Sorolla. Peintre de la lumière est un hommage que le Palazzo Reale de Milan a voulu rendre à un grand maître de la lumière, entre plages ensoleillées, jardins aux mille reflets et portraits de famille. Le public a l’occasion de connaître, grâce à une présentation agréable et globalement bien divisée en sections, à l’exception des quelques lacunes mentionnées ci-dessus, un artiste qui n’est pas aussi connu de la plupart des gens que Monet, mais dont les racines plongent dans l’impressionnisme et la peinture en plein air. En outre, la plupart des œuvres exposées proviennent du musée Sorolla: on a ainsi l’occasion de voir des œuvres qui étaient conservées dans la dernière demeure du peintre et qui ne seraient visibles qu’en se rendant en Espagne. L’exposition est accompagnée d’un catalogue contenant des essais des commissaires et d’autres contributions sur l’Espagne de l’époque d’un point de vue historique et littéraire et sur les liens entre Sorolla et la photographie. Le volume comprend également de nombreux clichés représentant des scènes de composition de la vie que le peintre a ensuite imprimées sur la toile: de la photographie à la peinture, un aspect intéressant et inhabituel à trouver. Il s’agit donc d’une exposition informative précieuse pour tous ceux qui souhaitent connaître l’un des peintres les plus importants de l’Espagne au tournant des XIXe et XXe siècles, qui a connu un succès international tel qu’il a été acclamé à l’époque comme le plus grand peintre vivant au monde.

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