L'exposition de Gianni Berengo Gardin au MAXXI à Rome: peut-être sa rétrospective la plus réussie

En un peu moins de deux cents photographies qui racontent collectivement l’histoire de l’Italie de l’après-guerre à nos jours, y compris les grandes villes et les paysages de campagne, avec des images emblématiques, d’autres peu connues et certaines complètement nouvelles, Gianni Berengo Gardin. L’œil comme profession, au musée national MAXXI des arts du XXIe siècle à Rome du 4 mai au 18 septembre 2022, est peut-être la rétrospective la plus réussie consacrée au célèbre photographe. C’est un défi difficile que les commissaires Margherita Guccione et Alessandra Mauro ont relevé, avec la production du MAXXI en collaboration avec Contrasto, car que dire de plus d’un photographe prolifique comme Gianni Berengo Gardin (Santa Margherita Ligure, 1930) qui a publié environ 250 livres et pris plus d’un million de clichés, témoignant de soixante ans d’histoire italienne avec ses photos ?

Dans l’espace du musée réaménagé à partir d’une ancienne caserne, le long de l’escalier qui mène à la salle Maxxi Extra, des détails de certaines photos de Gianni Berengo Gardin émergent des murs blancs, la gaieté d’enfants qui jouent, d’un couple qui danse et qui guident le spectateur vers l’exposition. C’est l’illustratrice Martina Vanda qui a sélectionné et réinterprété les images de Berengo Gardin, en les exposant sur toute la hauteur du mur, nous obligeant ainsi, dès notre entrée, à lever la tête et à l’incliner pour voir les pigeons en vol sur la place Saint-Marc et nous sentir au centre d’une des plus célèbres photos de Gianni Berengo Gardin. Avec sa peinture noire sur fond blanc, Martina Vanda a poussé à l’extrême la décision du photographe de ne jamais passer à la couleur: “parce que je pense que la couleur distrait la personne qui lit la photographie”, a-t-il déclaré dans une interview, “car l’observateur est attiré par les couleurs, mais ne voit pas alors le véritable contenu de la photographie”. C’est cette rigueur qui l’a accompagné dans soixante ans d’artisanat photographique. Un artisanat qui donne son titre à l’exposition et qui fait écho à celui d’un livre de ses photographies édité par Cesare Colombo en 1970. C’est l’époque où la photographie s’affirme comme une documentation de la réalité, où le photographe, loin d’être un artiste, est un témoin de son temps et met son œil et son travail au service d’une analyse collective de l’histoire.

L’exposition commence par quelques-unes des photographies les plus reconnaissables, comme celle du couple s’embrassant sous les arcades de la place Saint-Marc en 1959. Nous sommes à Venise, la ville d’origine de la famille Berengo Gardin, où il a découvert la photographie dans les années 1950, alors qu’il écrivait pour certains journaux et avait besoin d’images pour illustrer ses articles, et où il est revenu à maintes reprises pour raconter des lieux et des personnes. C’est pourquoi il y a un peu de Venise tout au long du parcours de l’exposition, la plus célèbre du Pont des Soupirs (1960) et de l’acqua alta de la Place Saint-Marc (1960), mais il y a aussi la Sérénissime dans la salle décorée d’un café (1964), celle qui est à peine reconnaissable dans la rue étroite avec les illuminations et les forains (1969), dans la promenade d’un couple (1963), dans la salle des passagers d’un vaporetto (1958).

Ainsi, photo après photo, l’exposition se développe dans une séquence narrative continue, sans souligner la distinction entre les époques, les lieux et, en général, les reportages pour lesquels les photos ont été prises. Ainsi, nous sommes d’abord à Rome (1958), puis dans le Frioul (1970) et dans les Pouilles (1966), documentant la vie rurale, l’effort quotidien pour construire un avenir, pour survivre au présent. Nous traversons ensuite presque toutes les régions et villes italiennes, de la Sicile aux rizières de Vercelli, jusqu’à l’usine Olivetti d’Ivrea, dont Gianni Berengo Gardin a documenté le travail et la vie des ouvriers pendant des décennies.

Si les années ne marquaient pas le temps des photos, nous pourrions lire l’ouvrage comme un grand projet dédié aux personnes. Ils sont les protagonistes de chaque cliché, qu’il s’agisse de portraits posés, saisis dans un moment de la vie quotidienne, ou du regard d’un passant qui croise distraitement l’objectif. Le regard désinvolte du prêtre qui se détache du groupe et nous regarde (1958) ou le sourire narquois d’Ermanno Olmi (2006) alors qu’il travaille, sont cet instant décisif dont Henri Cartier-Bresson disait qu’il était l’essence même de la photographie. Et c’est aussi pourquoi Gianni Berengo Gardin a souvent été comparé à ce maître incontesté de la photographie du XXe siècle. Ainsi, en croisant les visages les uns après les autres, on se retrouve face aux regards perdus et souffrants des patients de l’asile, qui semblent implorer la pitié dans un langage des yeux que seul l’appareil photo peut capter. Un message que Gianni Berengo Gardin a su traduire dans son extraordinaire reportage Morire di classe (Mourir en classe ) de 1968, en photographiant les asiles italiens et en dénonçant le traitement carcéral qui était le critère normal pour traiter les patients psychiatriques à l’époque. Un reportage qui a fait beaucoup de bruit et qui a contribué de manière fondamentale à l’approbation de la loi Basaglia, qui a finalement décrété la fermeture des asiles en 1978. Si Morire di classe est peut-être la plus dure de ses œuvres, le choix des commissaires est extrêmement flou dans le passage qui la distingue du rassemblement de visages de gens ordinaires aux portraits les plus célèbres, du célèbre scénariste Cesare Zavattini sur une bicyclette dans sa Luzzara (1973), à Peggy Guggenheim levant son regard ironique derrière l’installation de Calder dans sa collection (1966).

C’est un voyage d’émotions que l’on vit dans cette exposition, comme si les réflexions que chaque projet a suscitées étaient laissées au passé, au rôle qu’elles ont joué. Au contraire, ce qui apparaît, c’est la continuité dans la manière de regarder la réalité, capable de créer des références qui dépassent le temps spécifique. Ici, les personnages de l’histoire, ceux qui ont été les protagonistes des récits des usines ou de la grande émigration vers le nord, sont devenus les pièces d’une histoire plus vaste, où au centre de chaque récit se trouve seulement l’humanité, avec sa fragilité et ses espoirs, la joie qui se fraye un chemin à travers la douleur, la fatigue, la désillusion et la vie qui continue de toute façon.

Il n’y a pas de photo dans cette sélection (et il n’y en a peut-être pas non plus dans l’ensemble de ses archives) qui soit “la photo” de Gianni Berengo Gardin, celle qui, à elle seule, réussit à raconter toute son expérience et son parcours complexe. C’est l’humanité que Gianni Berengo Gardin a toujours explorée dans son travail, dans ses dimensions sociales et collectives. Son approche des gens, infiniment curieuse, mais discrète et respectueuse, est évidente dans les photos. Aucune photo ne viole l’espace privé, pas même celles des passants qui, par un sourire à peine perceptible, semblent donner leur accord à la prise de vue. C’est dans la succession de ces clichés, comme des points qui s’assemblent dans un jeu de puzzle, qu’apparaît le choix du langage de Gianni Berengo Gardin. Son regard n’est jamais partial, jamais ouvertement politique, de cette politique qui se réfère à la dialectique entre les partis, mais il est politique par la manière dont il réfléchit sur la société, sur les personnes, sur les grands changements de l’histoire, qu’il a contribué à construire et à orienter avec ses reportages. Son approche est toujours strictement conforme à une conception de la photographie comme représentation documentaire de la réalité, mais le caractère du photographe est toujours présent dans les détails ironiques et dans le point de vue troublant. Il est capable de créer une réflexion retenue, qui ne vient pas immédiatement en regardant la photo, mais qui mûrit dans la tête. Comme le couple qui s’éloigne en Vespa sous les mots “nous sommes contre la vie confortable”, ou “Pausa di lavoro, Milano, 1987” où l’on se demande encore ce que fait la femme allongée par terre derrière une table.

À la fin de l’exposition, nous réalisons que ce que nous avons traversé est un chemin de virages rappelant le Grand Canal de Venise, qui nous y ramène avec les photos du célèbre reportage Great Ships. Il s’agit de photos que Gianni Berengo Gardin a prises entre 2012 et 2014 et qui témoignent directement et rigoureusement de la menace du passage de grands bateaux de croisière dans le canal de la Giudecca, sans aucun artifice photographique. Les personnes, les palais, les places que nous avons l’habitude de voir immenses dans les photos de Berengo Gardin, deviennent minuscules en présence de ces monstres qui, grâce aussi à l’attention suscitée par ces photos, ne pourront plus transiter par Venise à partir de 2021 grâce à un décret ad hoc.

À la fin du parcours se trouve une grande installation photographique, un panneau représentant l’atelier de Gianni Berengo Gardin, où naissent ses idées et où sont conservées ses archives. C’est ici que nous trouvons le fil conducteur de toute l’histoire de cette exposition, et que nous nous rendons compte que chacune des photos que nous avons vues est sortie de son rôle initial: celle qui appartenait à un reportage commandé par Olivetti, à côté de celle prise dans la rue d’un passant ou du portrait d’un ami.

À ce stade, il est intéressant d’écouter l’histoire racontée par la voix du photographe, qui peut être entendue sur le web grâce à un code QR. Et c’est ainsi que, la tête pleine des photos qu’il vient de voir, ce qui émerge dans l’esprit, c’est lui, Gianni, non plus photographe mais homme, avec son caractère discret et rigoureux, son ironie subtile et jamais inconvenante, la curiosité qui n’envahit pas mais se tient au seuil de la vie des autres et nous la raconte. Lui qui a toujours été dans l’ombre et qui, avec cette exposition, nous rappelle combien le message d’une photo peut être révolutionnaire, si ce qui anime le photographe est la pure curiosité, le désir de témoigner, l’attention à l’autre. C’est peut-être ce qui fait le succès de cette exposition. Et quand, au bout du voyage, on s’arrête pour se dire qu’on aurait pu, nous aussi, prendre cette photo, avec un bon appareil, avec la technologie la plus innovante. Peut-être, mais pas avec la même intensité, avec le même projet, avec la même force capable de changer le monde. Et si Gianni Berengo Gardin a déclaré qu’il n’était pas un artiste, à la fin du voyage, nous nous demandons: est-ce peut-être de l’art ?

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