Exposer l'absent et l'étrange. À quoi ressemble l'exposition d'Anish Kapoor au Palazzo Strozzi ?

Quel est le rôle du public dans le monde de l’art aujourd’hui ? Parallèlement au développement de l’hyper-communication et à la simplification des langages, de plus en plus d’artistes sont confrontés à une redéfinition du rôle des visiteurs des expositions, qui participent désormais activement au processus d’activation de l’œuvre et ne se contentent pas de la décoder. Si nous pensons aux mots d’Umberto Eco, qui affirmait que “l’utilisateur intervient pour combler les lacunes sémantiques”, il est également vrai que le public éprouve de plus en plus un sentiment d’insatisfaction lorsqu’il déambule dans les salles d’une exposition d’art contemporain en raison d’un lexique sectoriel et d’une division des valeurs de référence que les médias de masse, tels que les médias sociaux, parviennent plutôt à synthétiser. Incapable de trouver un lexique commun, l’artiste a commencé à travailler sur la rencontre avec le public, et bien que cette nouvelle accessibilité puisse faciliter une première approche, une attention particulière doit être portée pour éviter qu’une simplification excessive du langage ne tombe dans la convention et que le public ne s’éloigne d’un art déjà défini par beaucoup comme élitiste et difficilement compréhensible.

Réfléchissant à la question posée au début, l’exposition personnelle d’Anish Kapoor, Untrue Unreal , présentée dans les salles du Palazzo Strozzi de Florence sous la direction d’Arturo Galansino, est une exposition qui semble à moitié réussie et qui peut être résumée par trois éléments clés: l’étonnement, la plasticité et le noir le plus noir de tous. Le parcours de l’exposition est divisé en huit salles et présente des œuvres historiques et récentes qui dialoguent avec l’architecture du palais et le public. Au-delà de l’entrée, au centre de la cour, se trouve Void Pavillion VII, une nouvelle œuvre spécialement conçue pour la cour du Palazzo Strozzi et réalisée grâce au soutien de la Fondation Hillary Merkus Recordati: rappelant le Black Square de Kazimir Malevič, l’œuvre de Kapoor se présente comme un objet quadridimensionnel, avec trois dimensions connues et une inconnue, et constitue à la fois un point de départ et un point d’atterrissage dans le dialogue entre l’art de Kapoor et le palazzo lui-même. Au rez-de-chaussée, l’exposition débute avec l’œuvre emblématique Svayambhu (2007), un terme sanskrit désignant ce qui est généré de manière autonome, le pendant des images chrétiennes en acheropite qui ne sont pas peintes par une main humaine. L’œuvre, métaphore de la naissance, est en dialogue avec les autres œuvres révolutionnaires et marquantes des salles suivantes, comme Endless Column, une colonne monumentale en pigment rouge, et Non-Object Black (2015), caractérisée par l’utilisation de Vantablack, un matériau très innovant capable d’absorber plus de 99,9 % de la lumière visible.

On ne peut s’empêcher d’être fasciné et, parfois, déconcerté par des œuvres comme A Blackish Fluid Excavation (2018), une grande sculpture en acier et en résine qui, avec sa masse imposante et sa plasticité, évoque toute la tension érotique d’un organe sexuel. On y trouve également To Reflect an Intimate Part of the Red (1981), l’une des œuvres les plus significatives et les plus évocatrices de Kapoor, caractérisée par des formes en pigment jaune et rouge qui émergent du sol et contrastent fortement avec Vertigo (2006), Mirror (2017) et Newborn (2019), trois œuvres, exposées dans la salle des miroirs de l’exposition.l’intérieur de la salle des miroirs, qui nient et en même temps déforment l’espace, provoquant un état de désorientation, d’indéfinition et de changement de la réalité. L’exposition sur le Piano Nobile se termine par la salle consacrée à l’œuvre Angel (1990), de grandes pierres d’ardoise recouvertes de couches de pigments d’un bleu profond, rappelant l’idée de pureté.

La grande exposition anthologique d’Anish Kapoor propose non seulement une réflexion dialectique sur le vide et la matière, mais aussi et surtout sur l’immatérialité qui imprègne notre monde. Le rouge, le bleu et le noir deviennent le fil rouge chromatique de toute l’exposition et, grâce à une utilisation consciente de leur saturation, la recherche de Kapoor parvient à offrir une altération perceptive de la réalité. Cette rétrospective est représentative de l’évolution de son parcours artistique, dans le but précis de créer des espaces immersifs qui défient les apparences et incitent l’observateur à rechercher sa propre vérité à travers l’interaction avec les œuvres, qui n’acquièrent une vie propre que si elles sont placées en relation avec l’espace d’exposition et le spectateur. Ce n’est pas un hasard si Kapoor affirme que “le cercle ne se boucle qu’avec le spectateur”.

Le parallèle entre l’art de Kapoor et l’architecture Renaissance du palais est sans aucun doute la principale comparaison, mais aussi la plus évidente. Le Palazzo Strozzi est symétrique et rigoureux, et il n’est pas facile d’organiser une exposition dans ses salles, si l’on tient compte du fait que le type de conception d’exposition qui favorise le dialogue entre l’ancien et le contemporain est aujourd’hui un choix d’exposition presque courant, en particulier pour un lieu tel que le Palazzo Strozzi. Le choc entre la symétrie et la rigidité des salles et la plasticité des œuvres donne lieu à ce que l’on pourrait appeler dans ce cas une “Renaissance contemporaine”, une grande opposition qui vise indirectement à réfléchir sur la nature dualiste de l’existence dans son ensemble, entourée d’un univers d’opposés. Comme l’écrivait Jung lui-même dans Psychologie et Alchimie (1944), “sans l’expérience des contraires, il n’y a pas d’expérience de la plénitude et donc pas d’approche intérieure des figures sacrées”. La plénitude recherchée par Kapoor n’est rien d’autre qu’une simple union des polarités, et ce qui unit les deux opposés est sans aucun doute la couleur, véritable phénomène immersif doté d’une vie propre, qui réussit à unir les formes plastiques à l’espace. Le choix de juxtaposer des couleurs chromatiquement vives à des œuvres qui transcendent leur matérialité réussit à rendre moins banale cette confrontation-clash entre son art et le palais de la Renaissance.

L’exposition d’Anish Kapoor réussit à briser le moule, une fois de plus. Car plus il est difficile de donner un sens à une œuvre, plus celle-ci s’élèvera vers les sommets de l’exceptionnalité. Et si l’on y ajoute une bonne dose de choc visuel, la partie est gagnée. La décision de surprendre le public et d’en faire un élément actif dans la confrontation avec les œuvres d’art est un choix intelligent et dans l’air du temps, si l’on considère que le public est de plus en plus habitué à une forme de communication qui privilégie l’immédiateté expressive. Untrue Unreal est une exposition qui, de ce point de vue, ne se distingue pas par son originalité, car elle se fixe pour objectif, ou peut-être pour obligation, d’étonner, de dépasser la normalité pour atteindre le public. En parcourant les salles de l’exposition, on se sent presque étourdi et surchargé par l’ampleur des réflexions, les contrastes, la quantité de matériaux utilisés, l’alternance presque obsessionnelle de la recherche de l’effet, le tout inséré dans un équilibre étudié entre les œuvres et l’environnement, qui ne doit jamais dépasser dans un cas comme dans l’autre. Cependant, si d’un côté ce choix risque, comme c’est le cas dans la plupart des cas, de transformer les parcours des expositions en de grands labyrinthes de divertissement, qui incitent plus à la recherche du selfie parfait qu’à une véritable réflexion, d’un autre côté, s’immerger dans les salles du Palazzo Strozzi signifie être confronté à des œuvres toujours les mêmes mais, en même temps, toujours différentes, qui échappent à toute forme de catégorisation.

Dans le réajustement continu des formes au regard du spectateur et les innombrables diversités qui en résultent, nous pouvons identifier un élément positif, si nous essayons d’aller au-delà de la forme et de projeter toute la recherche artistique de Kapoor vers l’actualité, où les contraires sont en dialogue constant et où la lutte pour la liberté, sous toutes ses formes, est de plus en plus puissante et féroce. Et c’est précisément grâce à cet élément que la poétique de Kapoor parvient à dépasser les choix les plus classiques et à s’imposer comme l’une des plus libres qui soient.

Bien qu’Anish Kapoor ait déclaré dans le passé, et continue de le faire, qu’il n’a “rien à dire” avec son art, c’est précisément cette déclaration qui ouvre la porte à une pure liberté d’interprétation. Ce qu’il met sous nos yeux, ce sont des œuvres liquides qui s’adaptent au contenant qui les abrite et à la vision de chaque observateur, qui devient le déclencheur de l’œuvre qui, telle qu’elle est conçue, existe dans un temps et un espace où le public existe. Face à larencontre entre l’irréel et l’invraisemblable, toutes les œuvres ne parviennent pas à solliciter véritablement les sens du visiteur ; cependant, c’est précisément le choix de s’attarder sur le sujet de l’œuvre qui est déterminant.L’attention portée au sujet des œuvres, véritable union de l’esprit et de la chair, et l’utilisation d’images archétypales et préculturelles, libres de tout préjugé, rendent l’exposition dans son ensemble attrayante et interactive, même pour les spectateurs les plus sceptiques et les plus éloignés du monde de l’art.

Le Palazzo Strozzi devient un lieu presque mystique, où les contraires coexistent et où les perceptions sont mises à l’épreuve. Le réel est abandonné et les portes s’ouvrent sur l’impossible: pigment, acier, pierre, cire et silicone sont quelques-uns des matériaux utilisés par l’artiste, qui sont manipulés au point de créer une dimension intemporelle et immatérielle. Vantablack s’avère une fois de plus l’un des éléments les plus curieux et les plus ambigus de toute l’œuvre de Kapoor, un élément clé dans l’expansion de la sensation quasi mystique de l’interaction des œuvres avec l’espace et l’observateur. Un appel à s’enfoncer dans les profondeurs de la matière, dans les méandres de nos obscurités, en se souvenant de toujours garder à l’esprit que, comme l’a écrit Friedrich Nietzsche, “lorsque vous regardez longtemps dans un abîme, l’abîme vous regarde aussi”.

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