Della Robbia à la bannière étoilée

L’exposition Della Robbia. Sculpter avec la couleur dans la Florence de la Renaissance, organisée par Marietta Cambareri, au Museum of Fine Arts de Boston, a fermé ses portes le 4 décembre. Elle rouvrira ses portes le 5 février à la National Gallery of Art de Washington D.C., où elle sera ouverte jusqu’au 4 juin. L’exposition est un voyage de plus de 100 ans à travers la technique de la terre cuite vernissée. L’histoire de ce médium commence dans les années 1530 à Florence, lorsque Luca della Robbia, après s’être comparé à Donatello dans la réalisation des cantoriums de Santa Maria del Fiore, invente et se spécialise dans une nouvelle production. Après lui, son neveu Andrea et le fils de ce dernier, Giovanni, poursuivirent la tradition familiale, diffusant la terre cuite émaillée (ou “robbiane”) au-delà des frontières de la ville et perfectionnant la technique.

Della Robbia. Sculpter avec la couleur dans la Florence de la Renaissance rouvre ses portes le 5 février à Washington.

La naissance de ces sculptures particulières (ou “figures de verre”, comme les percevaient les contemporains) reste encore entourée de mystère. Certes, des diagnostics et des études pionnières ont permis d’enrichir notre connaissance de ces artefacts, mais on sait peu de choses sur leur aspect avant la cuisson. Ce qui est certain, c’est que leur production est étroitement liée au lieu où ils sont nés: la composition particulière de l’argile de l’Arno, riche en minéraux, en a fait des objets impossibles à reproduire autrement qu’en recourant au même matériau. Leur nature particulière, à mi-chemin entre la peinture et la sculpture, a également contribué à leur fortune: elles partagent avec la première l’utilisation de la couleur, avec la seconde leur tridimensionnalité. Inversement, le glaçage rendait ces œuvres plus résistantes qu’une peinture, mais aussi moins chères qu’une œuvre en marbre.

L’exposition de Boston est divisée en trois sections, nommées d’après les trois vertus cardinales, et renonce à une scansion chronologique précise (ce qui aurait peut-être été pédant) pour proposer quelques catégories dans lesquelles les œuvres de l’exposition s’inscrivent. En partant de la dévotion privée et du cadre domestique, en passant par le cadre public et le dialogue avec l’antiquité, le visiteur est accompagné dans la découverte des techniques et des dynamiques d’un atelier qui est resté longtemps unique. Ce qui unit toutes les œuvres de l’exposition, dont la plupart proviennent de musées américains, c’est leur grande qualité et leur excellent état de conservation.

L’exposition s’ouvre sur un extraordinaire relief représentant la Résurrection du Christ, œuvre de Giovanni, le plus jeune membre de la famille à s’être essayé à cette technique, vers le XVIe siècle. Les reliefs blancs et bleus de son grand-oncle Luca cèdent la place à une variété chromatique beaucoup plus large qui inclut désormais le vert, le brun et le violet. L’originalité de cette lunette réside également dans sa prestigieuse provenance. En effet, deux blasons des Antinori (une famille florentine qui produit encore du vin et qui a généreusement sponsorisé l’exposition) sont clairement visibles dans la riche guirlande de fruits qui entoure la scène. Des recherches documentaires ont permis de confirmer l’emplacement original de ce relief, composé de plus de quarante pièces, qui ornait autrefois la porte principale d’une villa de la campagne toscane. À l’intérieur de la très riche guirlande, composée de seize parties distinctes, Giovanni s’est essayé à la représentation de différentes plantes, en utilisant également des moulages d’après nature. Outre le monde végétal, l’exposition contient également une grande variété de petits animaux qui semblent se courir après et sont presque faits pour amuser les petits pendant la visite. Les Madones à l’Enfant et les Nativités, thèmes typiques de la dévotion privée, sont également nombreuses dans l’exposition et connaissent de petites mises à jour et un ajout progressif de couleurs au fil des générations et de l’amélioration des techniques.

Giovanni della Robbia, Résurrection (vers 1500-1524 ; terre cuite vernissée, 174,6 x 364,5 x 33 cm ; New York, Brooklyn Museum)

Détail de la Résurrection

La Visitation de l’église Pistoiese de San Giovanni Fuorcivitas, chef-d’œuvre des années 1540 de l’ancêtre Luca, est saisissante, même dans sa monochromie. Cette œuvre, dont la disposition originale est évoquée en la plaçant sur un podium et en l’encadrant dans une niche, peut également être démontée en morceaux, mais les articulations sont habilement dissimulées par l’artiste dans les plis des robes des deux figures féminines. La rencontre de la Vierge et de sainte Élisabeth, et le mouvement consécutif de saint Jean-Baptiste qui sent le Sauveur près de lui, dans un autre ventre, sont rendus avec une iconographie particulière: la vieille Élisabeth tombe à genoux et embrasse sa cousine, laissant le visage de la jeune Marie visible au regard des fidèles, également agenouillés devant l’autel.

Luca della Robbia, Visitation (vers 1445 ; terre cuite vernissée, hauteur 184 cm ; Pistoia, San Giovanni Fuorcivitas)

Détail de la Visitation

L’exposition s’achève sur la production de Robbia au XVIe siècle, alors que, comme l’avait décrété Vasari, la technique connaissait un déclin rapide. Le secret de famille, qui avait quitté l’atelier, était alors passé entre les mains de Benedetto et Santi Buglioni, ce dernier étant l’auteur du trio de saints franciscains en ronde-bosse, aujourd’hui réparti dans trois collections différentes. La vivacité de ces statues est frappante, car elles parviennent réellement à rendre l’attitude des prédicateurs devant lesquels se rassemblaient des foules de fidèles. L’explosion de la partie inférieure du Saint Jean de Capestrano, rafistolée avec de l’argile neuve, mais toujours visible, est peut-être révélatrice d’une dernière tentative d’expérimentation à travers un médium qui ne sera apprécié à nouveau que des siècles plus tard.

Santi Buglioni, Saint Bernardin de Sienne (vers 1550 ; terre cuite vernissée ; Collection privée)

En effet, précédés par le Kensington Museum, l’actuel Victoria and Albert de Londres, certains collectionneurs et musées américains, surtout au début du XXe siècle, ont commencé à s’intéresser aux terres cuites vernissées, provoquant un renouveau qui a également conduit à leur contrefaçon. De nombreux objets de l’exposition, dont la Résurrection du Christ déjà citée, entrée en 1899 dans les collections du Brooklyn Institute, aujourd’hui Brooklyn Museum à New York, étaient accompagnés d’articles de journaux triomphalistes célébrant son arrivée.

Dans le catalogue de l’exposition, l’un des six essais rédigés par Marietta Cambareri, conservatrice des collections de sculptures et d’arts décoratifs du musée de Boston, se concentre précisément sur la fortune de la terre cuite vernissée aux États-Unis, à laquelle elle a ouvert la voie au Royaume-Uni et à la médiation d’historiens de l’art et de connaisseurs américains et italiens. Si, entre le XVe et le XVIe siècle, les terres cuites émaillées avaient atteint Urbino, Naples et la Sicile à dos de mulet, puis, en embarquant, le Portugal, la France et l’Angleterre, au début du siècle dernier, les terres cuites de Della Robbia ont même atteint le Nouveau Monde, inspirant de nouvelles suggestions et de nouvelles recherches.

Luca, Andrea et Giovanni auraient certainement été fiers de l’endurance dont leurs œuvres ont fait preuve, survivant indemnes aux voyages transocéaniques et conservant intactes la vivacité de leurs couleurs et l’“atmosphère authentique de la ville toscane” pour laquelle elles étaient si appréciées par les collectionneurs au début du siècle dernier.

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