Biennale de Venise, projet sur l'imagerie du pays au pavillon du Nigeria

Pour la 60e exposition internationale d’art de la Biennale de Venise, le pavillon du Nigeria présente le projet Nigeria Imaginary, commandé par Godwin Obaseki, gouverneur de l’État d’Edo, en collaboration avec le ministère fédéral de l’art, de la culture et de l’économie créative.

Sous la direction d’Aindrea Emelife, conservatrice de l’art moderne et contemporain au MOWAA(Museum of West African Art), le pavillon du Nigeria présente des œuvres in situ commandées à un groupe d’artistes intergénérationnels : Tunji Adeniyi-Jones, Ndidi Dike, Onyeka Igwe, Toyin Ojih Odutola, Abraham Oghobase, Precious Okoyomon, Yinka Shonibare et Fatimah Tuggar, sélectionnés pour répondre au thème et au titre de l’exposition. En utilisant différents supports, les artistes explorent les nombreuses âmes du Nigeria qui vivent dans leur esprit, qu’il s’agisse de moments historiques, d’humeurs nostalgiques ou de visions d’un Nigeria qui n’existe pas encore. Le Nigeria imaginaire est une enquête sur l’héritage du passé colonial dans la nation post-indépendance d’aujourd’hui et une imagination provocatrice d’un avenir plein d’espoir et mené par la jeunesse. Le pavillon aura une identité propre et un site web dynamique, où le public en ligne pourra écouter des playlists et des paysages sonores créés en collaboration avec des artistes et des musiciens nigérians pour évoquer le Nigeria imaginaire. Il y aura également des entretiens avec divers Nigérians sur leur nostalgie et les utopies liées au Nigeria, recueillis dans le contexte du projet d’incubateur imaginaire du Nigeria, ainsi qu’un podcast exclusif avec chacun des artistes.

Dans les murs du Canal Palace du XVIe siècle, Nigeria Imaginary est l’équivalent contemporain du Mbari Club, le centre d’activité culturelle fondé à Ibadan en 1961 par Ulli Beier avec l’implication d’un groupe de jeunes écrivains dont Wole Soyinka et Chinua Achebe. Pendant les premières années de l’indépendance, la communauté artistique, souvent appelée The Art Society, cherchait un “laboratoire d’idées”, un lieu où explorer les paradoxes des mythes, les expériences de la modernité coloniale, l’éducation morale et la fantaisie utopique. Ils pensaient que l’art était un devoir envers la nation, une question d’intérêt public. C’est dans ces idées qu’Imaginary Nigeria rejoint le Mbari Club, assumant cette tâche avec une nouvelle génération d’artistes et leurs interprétations. En entrant dans l’exposition, les visiteurs pourront interagir avec des objets d’importance historique ou quotidienne qui reflètent le thème du Nigeria imaginaire. En hommage à la tradition des plafonds vénitiens, une peinture aux couleurs vives de Tunji Adeniyi-Jones ouvre la vue sur le plafond du Canal Palace, enrichi de références historiques à l’art nigérian, allant des images traditionnelles de la sculpture yoruba au modernisme fluide de Ben Enwonwu. Une œuvre en deux parties de Ndidi Dike, composée d’une installation sculpturale et de photographies grand format tirées des archives personnelles de l’artiste, réfléchit au soulèvement du SRAS de la fin de la guerre du Nigeria et à la manière dont il s’imbrique dans les mouvements mondiaux contre la corruption et la brutalité policière, servant à la fois de mémorial et de lueur d’espoir. Une série audiovisuelle composée de deux œuvres d’Onyeka Igwe explore les séquelles du colonialisme et l’imbrication du Nigeria et de la Grande-Bretagne, prolongeant son exploration antérieure des héritages coloniaux à travers les “ombres sonores” des archives cinématographiques.

Une série de dessins de Toyin Ojih Odutola tisse un récit complexe et semi-mystique explorant la maison Mbari en tant que lieu et métaphore. Une installation de collages numériques réalisée par Abraham Onoriode Oghobase complique les récits objectivement présentés et l’autorité dans les documents écrits et photographiques de la période coloniale nigériane, en établissant des parallèles entre l’exploitation du paysage et celle de la main-d’œuvre. Une tour de radio sculpturale conçue par Precious Okoyomon enregistre les changements atmosphériques et les transforme en sons de cloches et de synthétiseurs électroniques, tout en diffusant les paroles de poètes, d’artistes et d’écrivains nigérians sélectionnés. Une installation de Fatimah Tuggar exploite la réalité augmentée, l’intelligence artificielle et l’animatronique dans des façades architecturales inspirées de la construction vernaculaire hausa Tubali pour explorer la façon dont la colonisation et la mondialisation ont intensifié le déni de l’artisanat indigène et de l’impact sur l’environnement. En outre, l’œuvre propose des explorations et des rencontres ludiques pour stimuler un changement de nos perspectives. Une grande installation sculpturale de Yinka Shonibare imagine un avenir dans lequel les majestueuses œuvres d’art historiques pillées par les forces britanniques dans le royaume du Bénin ne sont pas présentées comme des trophées d’une ville perdue et immuable, mais comme la preuve d’un raffinement et d’une innovation artistiques en constante évolution. Le Pavillon intégrera également un contenu sélectionné développé dans le cadre d’un projet de recherche spécial organisé par Emelife et présenté par le MOWAA à ART X Lagos et EdoIFest au Bénin en 2023, intitulé The Nigeria Imaginary Incubator Project (Projet d’incubateur imaginaire du Nigéria).

Au milieu d’une installation d’objets et d’images de la vie quotidienne au Nigeria, les visiteurs ont été invités à enregistrer leurs réponses à des questions telles que : quel est le goût du Nigeria ? Quelle chanson vous rappelle votre grand-mère ? Quel souvenir d’enfance aimeriez-vous revivre ? Comment êtes-vous allé à l’école ? À quoi ressemblera le Nigeria en 2050 ? Des réponses audio seront présentes dans le pavillon pour replacer les souvenirs et les rêves dans leur contexte. Une présentation élargie du pavillon du Nigeria, également organisée par Emelife, sera présentée au MOWAA dans le cadre d’une exposition inaugurée dans le nouvel espace d’art contemporain du campus créatif du MOWAA.

Notes sur les artistes

Aindrea Emelife a étudié l’histoire de l’art au Courtauld Institute of Art de Londres. En tant que conservatrice et historienne de l’art, elle a dirigé une série de projets de premier plan axés sur l’art moderne et contemporain et consacrés à l’étude des histoires coloniales et décoloniales en Afrique, au transnationalisme et à la politique de représentation. Ses expositions récentes comprennent ’Black Venus’, une enquête sur l’héritage des femmes noires dans la culture visuelle, qui a fait ses débuts à Fotografiska à New York en 2022, suivie d’une tournée au MOAD (Museum of the African Diaspora) à San Francisco, en Californie, et qui ouvrira à la Somerset House à Londres, en Angleterre, en juillet 2023. Son premier livre, “A Brief History of Protest Art”, a été publié par Tate Publishing en mars 2022. Actuellement, Emelife travaille sur son deuxième livre, qui sera publié par Thames & Hudson en 2024. Elle a contribué à des essais dans des publications telles que “Revisiting Modern British Art” (Lund Humphries, 2022). En 2021, elle a été nommée membre de la Commission pour la diversité dans la sphère publique par le maire de Londres.

Tunji Adeniyi-Jones est né en 1992 à Londres, au Royaume-Uni, et vit et travaille actuellement à Brooklyn, à New York. Il a obtenu une licence à la Ruskin School of Art de l’Université d’Oxford, au Royaume-Uni, en 2014, et une maîtrise en peinture et en gravure à la Yale School of Art, à New Haven, dans le Connecticut, en 2017.

Ndidi Dike est née à Londres, en Angleterre, et vit et travaille actuellement à Lagos, au Nigeria. Artiste pluridisciplinaire, elle a passé les premières années de sa vie à Londres avant de s’installer au Nigeria. Elle est diplômée en beaux-arts de l’université du Nigeria à Nsukka en 1984. Dike est internationalement connue comme sculpteur autodidacte travaillant dans divers domaines de l’art contemporain, qui dialoguent avec la politique contemporaine, l’histoire géopolitique des ressources naturelles, l’extraction et l’histoire pré et post-coloniale de l’esclavage, parmi d’autres thèmes. Parmi les expositions récentes de cette année, citons “A World In Common : Contemporary African Photography” à la Tate Modern de Londres, “Lagos, Peckham, Repeat : Pilgrimage to the Lakes” à la South London Gallery de Londres et “African Modernism in America 1947 - 1967” au Mildred Lane Kemper Art Museum dans le Missouri.

Onyeka Igwe, née en 1986 à Londres, au Royaume-Uni, est une artiste et une chercheuse qui travaille entre le film et l’installation. Son travail comprend des fils narratifs et visuels, ancrés par un style de montage rythmique, ainsi qu’une forte concentration sur la dissonance, la réflexion et l’amplification qui se produisent entre l’image et le son. Son travail a été exposé au Royaume-Uni et à l’étranger dans des festivals de cinéma et des galeries. Igwe a reçu le New Cinema Award au Berwick Film and Media Arts Festival 2019, le Arts Foundation 2020 Fellowship Award for Experimental Film et le Foundwork Artist Award 2022.

Toyin Ojih Odutola est née en 1985 à Ile-Ife, au Nigeria, et vit et travaille actuellement à New York. Elle est connue pour ses dessins multimédias et ses œuvres sur papier, qui explorent la malléabilité de l’identité et les possibilités de la narration visuelle. Intéressée par la topographie de la peau, Ojih Odutola a un style distinctif dans la création de marques en utilisant uniquement des matériaux de dessin de base tels que des stylos à bille, des crayons, des crayons de couleur et du charbon de bois.

Abraham Onoriode Oghobase est né en 1979 à Lagos, au Nigeria, et est un artiste visuel qui vit et travaille actuellement à Toronto, au Canada. Dans sa pratique photographique, il s’intéresse aux questions de production de connaissances, de territoire, d’histoire coloniale et de représentation, en déconstruisant les modes de création traditionnels et en expérimentant le potentiel narratif et matériel des images et des objets. Le travail d’Oghobase a été largement exposé, notamment au Museum of Modern Art de New York, à la Polygon Gallery de Vancouver, à la Goodman Gallery de Johannesburg, à la Pace Gallery de Londres, au KADIST de Paris et à l’Arthouse Foundation de Lagos. Ses œuvres font partie des collections permanentes d’institutions telles que le MoMA, l’Art Institute of Chicago, l’Ackland Art Museum de l’université de Caroline du Nord et le Kiasma Museum of Contemporary Art d’Helsinki. Elle est titulaire d’une maîtrise en arts visuels de l’université York de Toronto.

Precious Okoyomon, née en 1993 à Londres (Royaume-Uni), est poète et artiste. Son travail explore le monde naturel, les histoires de migration et de racialisation et les plaisirs simples de la vie quotidienne. Okoyomon a présenté des expositions individuelles dans des institutions telles que LUMA Westbau Zurich en 2018, Museum für Moderne Kunst Frankfurt en 2020, Performance Space New York en 2021 et Aspen Art Museum en 2021. Elle a fait partie de la 59e exposition internationale d’art de la Biennale de Venise et de la 58e Biennale de Belgrade, et a participé à des expositions collectives au Palais de Tokyo à Paris et au LUMA Arles en France. D’importantes performances ont été commandées par les Serpentine Galleries de Londres en 2019 et par l’Institute of Contemporary Art de Londres en 2019.

Yinka Shonibare est né en 1962 à Londres, au Royaume-Uni, et est un artiste interdisciplinaire. Bien qu’il soit né à Londres, il a déménagé à Lagos, au Nigeria, à l’âge de trois ans. Il vit et travaille actuellement à Londres. La pratique artistique de Shonibare explore l’identité culturelle, le colonialisme et le post-colonialisme dans le contexte contemporain de la mondialisation. Son travail commente l’interaction complexe entre l’Afrique et l’Europe, ainsi que leurs politiques économiques et leurs histoires politiques respectives. Shonibare a été nominé pour le prix Turner en 2004 et a été élu académicien royal en 2013. En 2019, il a été nommé Commandeur de l’Ordre le plus excellent de l’Empire britannique (CBE).

Née à Kaduna, au Nigeria, l’artiste interdisciplinaire Fatimah Tuggar s’engage dans le dialogue et la découverte intérieure en tant qu’approche centrale de la création artistique interculturelle. Dans son travail, la technologie est à la fois le support et le sujet, servant de métaphore à la dynamique du pouvoir. Tuggar remet en question les technologies qui influencent les réalités locales et mondiales en combinant des objets, des images, des sons et des expériences interactives qui traversent les géographies et les histoires. Ses œuvres ont été régulièrement exposées dans plus de vingt-cinq pays. Il a reçu des prix, notamment un prix Guggenheim pour les arts créatifs et un prix W. A. Mellon. Elle est actuellement professeur associé d’intelligence artificielle dans les arts : art et équité mondiale à l’université de Floride.

Voici le site de référence pour plus d’informations sur le pavillon du Nigeria : https://www.nigeriaimaginary.com/

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