Annonce des lauréats du Praemium Imperiale 2024, les Oscars de l'art

Les lauréats du Praemium Imperiale 2024, l’Oscar de l’art, ont été annoncés ce matin. Il s’agit de Sophie Calle (France) pour la peinture, Doris Salcedo (Colombie) pour la sculpture, Shigeru Ban (Japon) pour l’architecture, Maria João Pires (Portugal/Suisse) pour la musique, Ang Lee (République de Chine, Taïwan) pour le théâtre/cinéma. Les artistes sont récompensés pour leurs réalisations, leur influence sur le monde de l’art international et leur contribution à la communauté mondiale par le biais de leur travail. Chacun des lauréats recevra un prix de 15 millions de yens (environ 90 000 euros), un diplôme et une médaille. Cette dernière sera remise par le Prince Hitachi, patron honoraire de la Japan Art Association, lors de la cérémonie de remise des prix qui se tiendra à Tokyo le 19 novembre.

Le Praemium Imperiale est le plus important prix artistique existant et est décerné dans cinq disciplines : peinture, sculpture, architecture, musique et théâtre/cinéma. Il confère aux arts une reconnaissance internationale égale à celle des prix Nobel. Les lauréats de 2024 rejoindront les 175 artistes déjà récompensés, dont les Italiens Claudio Abbado, Gae Aulenti, Luciano Berio, Cecco Bonanotte, Enrico Castellani, Federico Fellini, Sophia Loren, Umberto Mastroianni, Mario Merz, Riccardo Muti, Giulio Paolini, Giuseppe Penone, Renzo Piano, Michelangelo Pistoletto, Maurizio Pollini, Arnaldo Pomodoro et Giuliano Vangi.

La bourse Praemium Imperiale 2024 pour jeunes artistes a été attribuée au Komunitas Salihara Arts Center (Indonésie). L’annonce et l’attribution de la bourse ont eu lieu le 10 septembre à Tokyo, lors d’une conférence de presse présidée par Hisashi Hieda, président de la Japan Art Association. Le Centre d’art Komunitas Salihara a reçu un diplôme et une subvention de 5 millions de yens (environ 30 000 euros). Nirwan Dewanto, conservateur en chef et directeur de programme du Salihara, et Ening Nurjanah, directeur de programme, ont participé à la conférence de presse. La bourse a été créée en 1997 pour soutenir et encourager les jeunes artistes, conformément aux objectifs des activités de la Japan Art Association. Sont éligibles les jeunes artistes prometteurs ou les organisations qui contribuent activement au développement de nouveaux talents. Les artistes doivent être professionnels ou en formation. À tour de rôle, chaque conseiller international, en consultation avec son comité, sélectionne le bénéficiaire de la bourse et le communique à la Japan Art Association, qui l’approuve. La bourse est décernée en même temps que l’annonce du Praemium Imperiale dans le pays du Conseiller à qui elle est attribuée. Parmi les précédents lauréats de la bourse Praemium Imperiale pour jeunes artistes figurent des organisations du Viêt Nam, de Cuba, du Venezuela, du Bénin, du Myanmar, de Malaisie et du Liban. La Scuola di Alta Formazione dell’Istituto Centrale per il Restauro, le JuniOrchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, l’Orchestra Giovanile Italiana et De Sono Associazione per la Musica ont notamment été récompensés.

Profils des lauréats

Sophie Calle est l’une des principales artistes conceptuelles françaises. Elle s’est engagée à explorer la vie des autres, ainsi que la sienne, à travers les photographies et les textes qui caractérisent son travail. Son style innovant, qui consiste à transformer les espaces et les vies quotidiennes en œuvres d’art, a attiré l’attention d’un public mondial, ce qui lui a valu d’être nommée Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres en 2012 et d’être nommée Honorary Fellowship de la Royal Photographic Society britannique en 2019. Le parcours artistique de Calle a commencé par une quête visant à capturer les voix et les images des autres. Dans sa première œuvre, Les Dormeurs (“The Sleepers”, 1979), il a invité des étrangers chez lui pour les photographier alors qu’ils dormaient dans son lit et les interviewer par la suite. Composée de photographies et de textes, cette création n’était initialement pas destinée à être de l’“art”, mais découlait naturellement de son implication dans la vie des autres par le biais d’un “jeu” qu’il avait lui-même conçu. L’une de ses œuvres les plus connues, Suite Vénitienne (1980), l’obligeait à suivre secrètement à Venise un homme rencontré lors d’une soirée à Paris. Sous divers déguisements, elle le photographie en noir et blanc, notant méthodiquement tous ses mouvements. Le public était ainsi entraîné dans le monde voyeuriste créé par l’artiste. Depuis, Calle n’a cessé de suivre et d’explorer la vie des autres. Dans Les Aveugles (1986), il a demandé à plusieurs aveugles de naissance, qui n’avaient jamais pu voir, comment ils imaginaient la beauté. L’artiste a également courageusement mis en scène sa propre vie dans ses œuvres. Dans Douleur Exquise (“Exquisite Pain”, 1999-2000), il a utilisé des photographies et des mots pour documenter et exprimer la douleur ressentie par un cœur brisé. Dans Prenez soin de vous (2007), œuvre créée pour le pavillon français de la Biennale de Venise, elle a demandé à 107 femmes, sélectionnées en fonction de leur profession ou de leurs compétences spécifiques, d’interpréter une lettre que lui avait laissée un amant. Elles devaient l’analyser, la commenter, répondre à sa place. Aujourd’hui, alors que de plus en plus de gens partagent leur vie personnelle par le biais des médias sociaux, Calle reconnaît que son style était en avance sur son temps et note également qu’elle aurait plus de mal à suivre un inconnu aujourd’hui qu’en 1979. L’artiste laisse au public le soin d’interpréter ses œuvres, affirmant que “c’est au spectateur de décrire son art”. En fin de compte, il crée des portraits poétiques à travers des mots non exprimés, le quotidien et le secret. Son art transforme le spectateur en complice et collaborateur.

Doris Salcedo, sculpteur et créateur d’installations qui vit et travaille à Bogota, utilise des matériaux familiers tels que des meubles en bois, des vêtements et des pétales de fleurs comme métaphores des thèmes de la violence, de la perte, de la mémoire et de la douleur. Elle réutilise et transforme ces matériaux pour créer son art. Sa passion pour le dessin est apparue à l’âge de six ans, âge auquel il a commencé à prendre des cours. Il a étudié l’art à l’université Jorge Tadeo Lozano de Bogota avant de s’installer aux États-Unis au début des années 1980, où il a obtenu une maîtrise à l’université de New York. La guerre civile qui a fait rage pendant plus de cinquante ans en Colombie entre les guérillas de gauche, telles que les Forces armées révolutionnaires de Colombie (FARC), et les forces de l’État et les milices de droite est à la base de son travail créatif. Grandir en Colombie“, dit-elle, ”m’a permis de développer un point de vue sur le monde. Toutes ses œuvres sont basées sur les expériences des victimes de la violence. “Tout d’abord, explique-t-il, pour témoigner de la violence, afin qu’elle ne soit pas facilement oubliée. Deuxièmement, je veux faire preuve d’empathie à l’égard de la souffrance des victimes à travers mon travail. Troisièmement, je veux que mes œuvres soient le langage de l’analyse critique et de la réflexion sur ce qui se passe dans le monde”. Le travail de Doris Salcedo commence par une phase de recherche approfondie, qui comprend plusieurs entretiens ; la production ne commence qu’après que l’artiste a acquis une compréhension profonde des crimes et des problèmes qu’elle entend aborder. “Il faut des années pour vraiment comprendre la criminalité et l’effet dévastateur de la violence politique sur ses victimes”. Son installation Shibboleth (2007) à la Tate Modern de Londres lui a valu une reconnaissance importante. Elle présente des fissures dans le sol du Turbine Hall, représentant les thèmes de l’esclavage et du racisme de l’histoire coloniale. Une autre œuvre notable, Fragmentos (“Fragments”, 2018), commémore la fin de la guerre civile en Colombie. Elle se compose de 1 296 carreaux fabriqués à partir de 37 tonnes d’armes coulées volontairement remises par les guérilleros des FARC, puis assemblées pour créer le sol de la salle d’exposition de Bogota. Vingt femmes, victimes de violences sexuelles dans le contexte de la guerre civile, ont martelé le métal en fusion pour en faire des carreaux qui ont ensuite constitué le sol d’un espace dédié à l’art et à la mémoire. “Ce processus leur a redonné force et dignité. Les armes ont été détruites. Un geste très significatif, car des vies ont été sauvées. En même temps, la vie des victimes a été transformée. C’est peut-être la seule œuvre qui a vraiment activé un changement dans la réalité”. Il travaille actuellement sur une œuvre faite de cheveux humains pour lutter contre le “domicide”, ou la destruction massive d’habitations civiles, un crime qui reste impuni. L’œuvre traite de la destruction délibérée des habitations “dans le seul but de créer de la souffrance et de provoquer le déplacement forcé des victimes, comme on peut le voir en Ukraine, à Gaza ou en Syrie”. Son studio abrite une équipe d’une cinquantaine de personnes et elle décrit son travail comme un effort collectif, précisant : “Ce que je fais n’est pas le produit d’un soliste, mais d’un chœur”. Elle a reçu de nombreux prix, notamment le Hiroshima Art Prize (2014), le Nasher Prize for Sculpture (2015) et le Nomura Art Award (2019). Elle est la première artiste colombienne à recevoir le Praemium Imperiale.

Shigeru Ban a révolutionné l’architecture grâce à son utilisation innovante des matériaux et à ses conceptions uniques. Il crée des bâtiments aussi monumentaux que réconfortants, sans jamais perdre de vue son rôle d’architecte dans un monde de plus en plus instable. Enfant, il aspirait à devenir charpentier. “Je ne savais pas ce que faisait un architecte, je pensais que tous les bâtiments étaient construits par des charpentiers”, dit-il en se souvenant de son enfance. Sa passion de jeunesse pour l’utilisation du bois comme matériau continue d’influencer son travail aujourd’hui. Ban a décidé de partir aux États-Unis pour étudier l’architecture après avoir vu dans un magazine les travaux de John Hejduk, un architecte américain bien connu. Il a commencé ses études à l’Institut d’architecture de Californie du Sud, avant de rejoindre l’école d’architecture de la Cooper Union à New York. De retour au Japon en 1985, il ouvre son propre studio d’architecture. L’une de ses premières commandes est la conception de l’atelier de sa mère. Parallèlement, il conçoit le lieu d’une exposition consacrée à l’œuvre de son architecte préféré, le Finlandais Alvar Aalto. Au départ, Ban voulait utiliser le bois dans la conception de l’exposition, inspiré par l’utilisation fréquente de ce matériau par Aalto. Cependant, les contraintes budgétaires et la réticence à utiliser un matériau aussi précieux pour une structure temporaire l’ont incité à chercher une autre solution. C’est ainsi qu’il a découvert des cylindres en carton recyclé, les mêmes que ceux insérés au centre des rouleaux de papier thermique et de papier calque utilisés dans son studio. L’idée lui vient alors de les utiliser pour développer des structures, réalisant ainsi le rêve qu’il nourrit depuis l’école : créer quelque chose d’unique en exploitant les matériaux de manière innovante et originale. Sa réputation pour l’utilisation de matériaux recyclés grandissant, Ban s’est vu confier la conception du pavillon dédié au Japon à l’Expo 2000, qui s’est tenue à Hanovre, et dont le thème était “l’environnement”. Pour ce projet, il collabore avec l’architecte et ingénieur structurel allemand Frei Otto (Praemium Imperiale 2006), qu’il admire pour sa capacité à tirer le maximum d’espace d’une utilisation minimale d’énergie et de matériaux. Cette collaboration a été couronnée de succès et a permis à Ban d’élargir son expertise en matière de structures. L’utilisation de matériaux bon marché et modestes devient un aspect central de sa philosophie, orientée vers la promotion d’une architecture socialement responsable, en particulier pour fournir des logements aux personnes sans abri à la suite d’un conflit ou d’une catastrophe naturelle. C’est dans cette optique que Ban a commencé à construire des structures en tubes de carton en 1994 pour les réfugiés de la guerre qui faisait rage au Rwanda. Ces constructions, bien que simples, se sont révélées extrêmement efficaces et continuent aujourd’hui encore à offrir un abri aux personnes déplacées. En réponse au tremblement de terre dévastateur qui a frappé la ville japonaise de Kōbe en 1995, Ban a fondé le Voluntary Architects’ Network (VAN). Transformé en organisation à but non lucratif en 2013, VAN s’engage à apporter son soutien dans toutes les régions sinistrées du Japon et du monde. Ban a également conçu un grand nombre de musées et de théâtres emblématiques, dont le Centre Pompidou-Metz (2010), avec sa toiture et sa membrane en bois stratifié ondulé, et La Seine Musicale (2017). Il a reçu le prix Pritzker en 2014, le prix Mère Teresa pour la justice sociale en 2017 et le prix Princesse des Asturies pour la concorde en 2022 pour son travail humanitaire. Tout au long de sa carrière, Ban a appliqué un système structurel original à tous ses projets, petits ou grands, qu’il s’agisse de bâtiments civils ou d’abris d’urgence. Au cœur de son travail se trouve la conviction que l’architecture doit créer quelque chose de positif pour la société. Je conçois des maisons et des bâtiments publics“, a-t-il déclaré, ”mais l’aide aux sinistrés est l’œuvre de ma vie".

Née à Lisbonne en 1944, Maria João Pires a commencé à jouer du piano toute seule à l’âge de trois ans. Un an plus tard, elle donne sa première représentation publique. Entre 1953 et 1960, elle étudie au Conservatoire de Lisbonne avec le professeur Campos Coelho et Francine Benoit. À l’âge de dix-sept ans, elle reçoit une bourse de la Fondation Gulbenkian de Lisbonne pour étudier en Allemagne, d’abord à la Musikhochschule de Munich avec Rosl Schmid, puis à Hanovre avec Karl Engel. Elle reconnaît le mérite d’Engel, qui l’a aidée à placer la musique dans le contexte de la vie. Ses premiers récitals au Queen Elizabeth Hall de Londres en 1986 et au Carnegie Hall de New York en 1989 ont marqué le début de sa carrière internationale. Outre les concerts, elle a enregistré de la musique pour Erato pendant quinze ans et pour Deutsche Grammophon pendant vingt-cinq ans. Depuis les années soixante-dix, elle se consacre à la réflexion sur l’influence de l’art sur la vie, la communauté et l’éducation, essayant de découvrir de nouveaux moyens de diffuser cette pensée dans la société, d’encourager les individus et les cultures à se respecter et à partager leurs idées. En 1999, il a créé le Centre Belgais pour l’étude des arts au Portugal, où il a formé plusieurs chorales composées d’enfants d’origine modeste et organisé des ateliers et des concerts expérimentaux pour les professionnels et les artistes amateurs. En 2012, il a complété l’approche Belgais par deux autres projets en Belgique : les Chœurs Partitura, qui ont formé et développé des chœurs composés d’enfants issus de milieux ruraux et défavorisés, et les Ateliers Partitura, où différentes générations partagent la scène pour trouver des alternatives à la compétition et créer une dynamique altruiste entre les artistes. Ces deux projets visent à promouvoir le respect de l’autre et de toutes les cultures, de l’environnement, de la nature et de la vie, y compris la terre et tout ce qui nous entoure.

Le réalisateur Ang Lee, originaire de Taïwan, travaille principalement aux États-Unis. Il a acquis une renommée mondiale en créant des films qui combinent des portraits artistiques de personnes confrontées aux courants de l’époque avec une capacité à divertir et à plaire à un large public. Alors qu’il fréquentait le lycée dont son père était le directeur, Lee a développé une obsession pour le cinéma, au point d’échouer aux examens d’entrée à l’université. Il étudie à l’Université nationale des arts de Taïwan, où il se rend compte qu’il “appartient au monde du théâtre”. Après avoir obtenu son diplôme, il est parti vivre aux États-Unis pour étudier le théâtre à l’université de l’Illinois Urbana-Champaign. Il a obtenu un master en production cinématographique à la Tisch School of the Arts de l’université de New York. Le film qu’il a réalisé pour sa thèse, Fine Line (1984), a remporté le prix Wasserman de l’Université de New York pour la réalisation. Alors qu’il vit à New York, il tourne son premier long métrage dans le cadre d’une coproduction américano-taïwanaise, Pushing Hands (1991). Il a remporté l’Ours d’or au Festival du film de Berlin à deux reprises, avec The Wedding Banquet (1993) et avec la coproduction nord-américaine et britannique Reason and Feeling (1995). Ce dernier film, qui, selon Lee lui-même, “a fait de lui un professionnel”, a été nommé pour sept Oscars et l’a propulsé sous les feux de la rampe à Hollywood. Il a remporté l’Oscar du meilleur film en langue étrangère avec Le tigre et le dragon (2000), adaptation d’un roman chinois sur les arts martiaux. Il a reçu son premier Oscar du meilleur réalisateur avec Les secrets de Brokeback Mountain (2005), un film sur l’amour entre deux hommes. Il a ensuite remporté le Lion d’or au Festival international du film de Venise avec Les secrets de Brokeback Mountain et avec Lust-Seduction and Betrayal (2007), un film d’espionnage qui se déroule à Shanghai pendant les années d’occupation japonaise. Il a remporté son deuxième Oscar du meilleur réalisateur avec Life of Pi (2012), un film en 3D sur un garçon qui se retrouve échoué sur un radeau avec un tigre. “Après avoir lu le roman pour la première fois, je ne pensais pas qu’il serait possible d’en faire un film”, commente-t-il. Il a tourné la majeure partie du film à Taïwan et a réussi à surmonter les difficultés techniques. Depuis son premier film sur le conflit entre un père taïwanais et son fils vivant aux États-Unis, il a travaillé sur différents genres et thèmes, notamment la guerre civile américaine, le Watergate, les super-héros de bandes dessinées, la guerre d’Irak et les histoires d’action de science-fiction. Il cite plusieurs réalisateurs japonais, tels que Yasujiro Ozu, comme source d’inspiration et connaît Hirokazu Kore-eda depuis longtemps, le père de ce dernier étant né à Taïwan. Premier artiste taïwanais à recevoir le Praemium Imperiale, il a déclaré : “C’est en effet un grand honneur, que j’accepte de tout cœur. Je suis très fier que Taïwan reçoive une telle récompense”.

Le centre artistique Komunitas Salihara est le premier complexe culturel privé d’Indonésie consacré à la promotion de divers types d’activités expressives, telles que la musique, la danse, le théâtre, la littérature et les arts visuels. Il a vu le jour sous le nom de Komunitas Utan Kayu, une organisation d’inspiration artistique, intellectuelle et politique fondée en 1995, sous le régime militaire, et a pris sa forme actuelle à Jakarta, en août 2008, avec le soutien d’artistes, d’écrivains, d’intellectuels et de journalistes. Le Centre porte le nom de sa rue d’accueil, Jalan Salihara (rue Salihara), où “salihara” est le nom d’une fleur de la famille des verbenaceae. La mission du Centre est de promouvoir des activités artistiques qui soutiennent la liberté de pensée et d’expression, respectent la diversité et mettent en valeur les ressources artistiques et intellectuelles. Pour ce faire, l’organisation encourage les programmes expérimentaux dans une perspective à long terme et vise à développer l’esprit critique de son public. Le Centre, d’une superficie de 3 800 mètres carrés, comprend un théâtre couvert avec une scène noire, des studios de danse et de musique, une galerie d’art, une boutique et un bar. Il accueille une grande variété d’événements : spectacles de théâtre et de danse, concerts, expositions, lectures et débats. Chaque année, il accueille plus d’une centaine de programmes, y compris des ateliers et des séminaires. Bien que la plupart des événements soient organisés en collaboration avec d’autres organisations privées et semi-gouvernementales, indonésiennes et étrangères, le Komunitas Salihara Arts Centre organise également ses propres festivals. Parmi les plus populaires, citons un festival international des arts du spectacle, un forum de productions théâtrales exceptionnelles, un mini-festival axé sur les nouvelles chorégraphies qui revisitent les traditions de la danse, un festival de littérature et d’idées qui accueille de nombreux écrivains contemporains, un forum réservé au jazz avec des musiciens de premier plan, et un forum de musique contemporaine, qui présente une grande variété de genres. Le Centre est connu pour son intégration active de jeunes talents et son approche interdisciplinaire des arts. L’une de ses initiatives novatrices a consisté à présenter une danse contemporaine basée sur les mouvements traditionnels des arts martiaux dans la galerie, en intégrant la performance à l’œuvre d’art elle-même. En réponse aux différentes tendances artistiques, le centre d’art Komunitas Salihara découvre des idées novatrices et de nouveaux talents, aidant ainsi le public à trouver ce qu’il cherche. Nirwan Dewanto (poète et essayiste, conservateur en chef et directeur des programmes de Salihara) souligne : “En nous concentrant sur le programme, nous réfléchissons à différentes manières d’engager le dialogue avec la communauté et, dans le même temps, d’avoir un regard critique sur les aspirations expérimentales des artistes. Jason Mountario, un jeune musicien de jazz qui s’est produit au Centre, a ajouté : ”Nous sommes libres de faire ce que nous voulons. Nous avons la responsabilité de répondre à cette liberté".

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