Umberto Boccioni : la vie et l'œuvre du grand futuriste

“Je voudrais effacer toutes les valeurs que j’ai connues et que je perds de vue, refaire, reconstruire sur de nouvelles bases ! Tout le passé, merveilleusement grand, m’oppresse, je veux du neuf ! Et je manque d’éléments pour concevoir où l’on est, et ce dont on a besoin. Avec quoi faire ? avec la couleur ? avec le dessin ? avec la peinture ? avec des tendances véristes qui ne me satisfont plus, avec des tendances symbolistes que j’aime peu et que je n’ai jamais tentées ? Avec un idéalisme que je ne sais pas concrétiser”. Lorsque Umberto Boccioni (Reggio Calabria, 1882 - Vérone, 1916) écrit ces lignes, le 14 mars 1907, l’artiste, l’un des plus grands représentants du futurisme, traverse l’un des différents moments de crise de sa courte carrière, qui n’a duré que neuf ans, mais qui a été l’une des plus importantes de toute l’histoire de l’art. Boccioni n’a alors que vingt-cinq ans et révèle déjà son caractère : celui d’un artiste constamment insatisfait, mais aussi d’une nature profondément “rebelle”, pourrait-on dire, qui alimente sa propension à l’expérimentation continue, son ouverture à la nouveauté, son désir d’approfondir certains des problèmes les plus anciens de l’histoire de l’art.

La parabole d’Umberto Boccioni s’inscrit pleinement dans celle du futurisme, un mouvement qui s’oppose à la culture traditionnelle, rejette le “passéisme” et l’académisme, propose d’éliminer toutes les valeurs de la culture précédente pour donner naissance à un art totalement nouveau, capable d’effacer toutes les anciennes formes d’expression, perçues comme périmées et obsolètes : un art qui, par essence, célèbre la modernité, la vitesse, le dynamisme de la vie urbaine et le développement technologique. C’est le 5 février 1909 que Filippo Tommaso Marinetti (Alessandria d’Egitto, 1876 - Bellagio, 1944) publie le Manifeste du Futurisme dans la Gazzetta dell’Emilia(publié dans Le Figaro le 20 février, date la plus souvent mentionnée dans les manuels d’histoire de l’art car le centre de l’art se trouvait alors à Paris et la publication du manifeste dans le journal français a naturellement eu une résonance beaucoup plus large). Célèbre est la phrase dans laquelle Marinetti déclare : “Une automobile de course dont le capot est orné de grands tubes en forme de serpent à l’haleine explosive... une automobile rugissante, qui semble rouler à la mitraille, est plus belle que la Victoire de Samothrace”, souvent citée pour donner une idée des intentions des futuristes.

Au sein du mouvement, il existait bien sûr différentes orientations stylistiques. Ainsi, si Giacomo Balla a été fortement influencé par les expériences photographiques d’Anton Giulio Bragaglia, si Gino Severini, en tant que Toscan, a donné l’interprétation la plus délicate et la plus légère du futurisme, si Fortunato Depero a été le futuriste le plus ludique, Umberto Boccioni a été le plus dramatique, le plus tourmenté du mouvement, Il fut le futuriste qui, dans le domaine de la sculpture, obtint les résultats les plus modernes et les plus novateurs, à tel point qu’il peut être considéré comme l’artiste qui a ouvert le XXe siècle, surtout grâce à l’un de ses plus grands chefs-d’œuvre, Formes uniques de continuité dans l’espace. Les résultats les plus originaux sont ceux que Boccioni a obtenus seulement au cours des six dernières années de sa carrière : six années qui ont probablement changé le cours de l’histoire de l’art.

Umberto Boccioni en 1914

Umberto Boccioni, vie

Umberto Boccioni naît en 1882 à Reggio Calabria de Raffaele, un fonctionnaire préfectoral originaire de Morciano di Romagna qui se trouvait en Calabre pour son travail, et de Cecilia Forlani. Dans les premières années de sa vie, l’artiste voyage dans différentes villes d’Italie (Gênes, Padoue, Catane) pour suivre le travail de son père, et obtient son diplôme à l’Istituto Tecnico di Catania en 1897. Boccioni nourrit d’abord des aspirations littéraires, au point d’écrire un roman, Pene dell’anima (1900), qui reste inédit. En 1901, il s’installe à Rome et commence une timide activité artistique en tant qu’affichiste. Parallèlement, il commence à peindre après avoir rencontré Gino Severini : tous deux fréquentent l’atelier de Giacomo Balla, plus âgé, puis décident de s’inscrire à l’école gratuite du nu de l’Académie des beaux-arts de Rome. Après avoir participé à une exposition collective au Teatro Nazionale de Rome en 1905, il réussit à faire payer à ses parents un voyage à Paris en 1906 : à son retour, il décide de s’inscrire à l’Accademia di Belle Arti de Venise, mais l’abandonne pour s’installer à Milan en 1907, où il fréquente Romolo Romani et Gaetano Previati, et où il rencontre Marinetti et d’autres artistes futuristes.

L’année 1910 est une année clé dans la biographie de Boccioni. Outre la réalisation de certains de ses chefs-d’œuvre comme La città che sale ou Rissa in galleria, il signe avec Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla et Gino Severini le Manifeste technique des peintres futuristes, que Boccioni lit lui-même le 8 mai de la même année à la Politeama Chiarella de Turin. Il commence à peindre ses premières œuvres importantes et, toujours en 1910, il les expose d’abord à la Famiglia Artistica de Milan, puis à Venise, à la Ca’ Pesaro, dans une exposition organisée par Nino Barbantini, qui a mis sur pied une exposition de pas moins de 43 œuvres. En 1911 et en 1912, il est de nouveau à Paris où il expose ses œuvres et publie en 1912 le Manifeste technique de la sculpture futuriste, exposant au Salon d’Automne. Entre-temps, il collabore à la revue La Voce et devient l’âme des célèbres soirées futuristes, qui se terminent souvent par des bagarres en raison des provocations et de la passion incendiaire des futuristes.

En 1914, au seuil de la Première Guerre mondiale, Boccioni est un fervent interventionniste et participe même à certaines manifestations (il est même arrêté à Bologne à l’automne). En 1914 encore, il signe avec Carrà, Boccioni, Marinetti, Russolo et Ugo Piatti le manifeste de la Synthèse futuriste de la guerre, tandis que le manifeste de l’Orgueil italien, signé avec les mêmes artistes, Mario Sironi et Antonio Sant’Elia, date de 1915. En mai, Boccioni s’engage comme volontaire et en novembre, son expérience au front terminée, il rentre à Milan où il reprend ses activités (outre la peinture et la sculpture, Boccioni écrit beaucoup dans diverses revues). Il reprend la guerre en juillet 1916 et est affecté au régiment d’artillerie de Vérone : il meurt le 17 août 1916 à l’hôpital militaire de Vérone, à la suite d’une chute de cheval au cours de laquelle il a été grièvement blessé. Il est enterré dans le cimetière monumental de Vérone.

Umberto Boccioni, Rissa dans la galerie (1910 ; huile sur toile, 76 x 64 cm ; Milan, Museo del Novecento)

Umberto Boccioni, La ville qui monte (1910 ; huile sur toile, 199,3 x 301 cm ; New York, Museum of Modern Art)

Umberto Boccioni, Formes uniques de continuité dans l’espace (1913, fondu en bronze, 1931 ; bronze, hauteur 126,4 cm ; Milan, Museo del Novecento)

L’œuvre d’Umberto Boccioni et sa poétique

Les débuts de l’art de Boccione sont, de 1907 à 1910, encore très liés au divisionnisme dans lequel l’artiste s’est formé, à la suite de Giacomo Balla (voir par exemple La Mère, un pastel conservé à la Galeria d’Arte Moderna de Milan). À côté des expériences plus proches du divisionnisme, Boccioni, pris par ses recherches constantes, produit également une œuvre de type expressionniste moins connue, redevable aux recherches de Munch. Cependant, la perspective change complètement en 1910, lorsque l’artiste signe avec ses collègues le Manifesto tecnico dei pittori futuristi (Manifeste technique des peintres futuristes), où l’on peut lire, entre autres résolutions : “Le geste, pour nous, ne sera plus un moment arrêté du dynamisme universel : il sera, décidément, la sensation dynamique éternisée comme telle. Tout bouge, tout court, tout tourne vite. Une figure n’est jamais stable devant nous, mais apparaît et disparaît sans cesse. Du fait de la persistance de l’image dans la rétine, les choses en mouvement se multiplient, se déforment, se succèdent, comme des vibrations, dans l’espace qu’elles traversent. Ainsi, un cheval qui court n’a pas quatre pattes : il en a vingt, et leurs mouvements sont triangulaires. En art, tout est convention, et les vérités d’hier sont aujourd’hui, pour nous, de purs mensonges. Nous affirmons une fois de plus que le portrait, pour être une œuvre d’art, ne peut et ne doit pas ressembler à son modèle, et que le peintre a en lui les paysages qu’il veut produire. Pour peindre une figure, il ne faut pas la faire, il faut en faire une atmosphère”.

Le chef-d’œuvre qui représente le mieux cette phase est La città che sale: sur un substrat encore fondamentalement symboliste, Boccioni greffe un violent tourbillon chromatique, peint avec des coups de pinceau fragmentés qui confèrent à la scène une forte impression de mouvement. La Ville Montante est également l’un des premiers chefs-d’œuvre futuristes, ainsi que le premier tableau entièrement futuriste de Boccioni, le premier à introduire une vision beaucoup plus dynamique du sujet (qui dans ce cas, comme souvent dans la peinture de Boccioni, n’est rien d’autre qu’une vue d’une ville). Boccioni était parvenu à cette tension après s’être beaucoup approché des œuvres de la même période : Rissa dans la galerie, par exemple, date de 1910 et reste une œuvre profondément liée au divisionnisme, mais une composante de mouvement est déjà introduite, qui constitue la base des chefs-d’œuvre de la phase postérieure.

Avec les États d’âme de 1911, la peinture de Boccioni s’était déjà radicalement renouvelée et était parvenue à un mode d’expression où les couleurs, les contrastes, les formes, l’espace, les déformations expressionnistes et le mouvement se combinent pour donner naissance à des compositions tourbillonnantes, où l’espace est dilaté et où les lignes contribuent à suggérer la tension de la scène (dans Gli addii, l’une des toiles qui composent la première série de States of Mind, l’artiste communique la sensation d’un train en marche, la locomotive apparaissant derrière un chaos de lignes et de formes qui suggère non seulement le mouvement du véhicule, mais aussi la confusion de la gare). Le thème du mouvement est développé dans des œuvres telles que Dynamisme d’un cycliste et Dynamisme d’un footballeur, qui recherchent la “manifestation dynamique de la forme”, selon l’expression de l’artiste.

On a dit que l’un des principaux sujets de recherche de Boccioni est celui de la mère, très présente dans ses premières œuvres, mais aussi au moment où la recherche futuriste bat son plein : on le voit par exemple dans Materia, célèbre portrait “futuriste” de la mère de Boccioni. Portrait d’une modernité stupéfiante qui trouve dans les réflexions de Paul Cézanne le point de départ de la simplification de l’espace et se nourrit des suggestions de Picasso, Materia est une œuvre qui, comme l’a écrit Marisa Dalai Emiliani, “se place péremptoirement de ce côté et au-delà de la toile, de ce côté et au-delà du double diaphragme transparent d’une fenêtre dématérialisée (mais qui rappelle inéluctablement la métaphore de la Peinture d’Alberti) et dans l’arabesque perforée de la balustrade, que les lignes de force de ses volumes traversent et dont les plans s’interpénètrent”. Celle des lignes de force est l’un des concepts clés de l’esthétique de Boccioni : elles sont le moyen par lequel Boccioni décompose ses figures, construit ses formes en mouvement, pour arriver à la “ représentation des mouvements de la matière dans la trajectoire qui nous est dictée par la ligne de construction de l’objet et de son action ”. “Ce que nous voulons représenter, écrit-il, c’est l’objet dans son expérience dynamique et donner la synthèse des transformations que l’objet subit dans ses deux mouvements relatif et absolu. Nous voulons donner le style du mouvement. Nous ne voulons pas transporter dans une image que nous identifions à la chose. Pour nous, l’objet n’a donc pas de forme a priori. Mais seule la ligne de son poids et de son expansion est définissable. Cela nous suggère les lignes de force qui caractérisent l’objet et nous amène à comprendre l’essence principale de l’objet qui est l’intuition de la vie”. L’artiste utilise également les lignes de force dans ce qui est peut-être son plus grand chef-d’œuvre, Formes uniques de continuité dans l’espace, œuvre avec laquelle l’artiste “conquiert” l’espace, ouvrant la quatrième dimension qui sera plus tard définitivement conquise par Lucio Fontana, qui verra en Boccioni une sorte de père idéal.

Umberto Boccioni, La Mère (1907 ; pastel sur papier appliqué sur toile, 72 x 80 cm ; Milan, Galleria d’Arte Moderna, Raccolta Grassi)

Umberto Boccioni, États d’esprit I. Les adieux (1911 ; huile sur toile, 71,2 x 94,2 cm ; New York, Museum of Modern Art)

Umberto Boccioni, Matière (1912 ; huile sur toile, 226 x 150 cm ; Collection Mattioli, prêt de la Collection Peggy Guggenheim, Venise)

Umberto Boccioni, Dynamisme d’un cycliste (1913 ; huile sur toile, 70 x 95 cm ; Collection Mattioli, en dépôt à la Collection Peggy Guggenheim, Venise)

Umberto Boccioni, Développement d’une bouteille dans l’espace (1912 ; bronze, 38 x 59 x 32 cm ; Milan, Museo del Novecento)

Où voir les œuvres d’Umberto Boccioni

S’il est relativement facile de voir l’unique Forme uniche della continuità nello spazio (l’original en plâtre est conservé au Musée d’art contemporain de São Paulo, Brésil, mais il existe plusieurs fusions posthumes en bronze, dont l’une est conservée au Museo del Novecento de Milan), il n’est pas aussi facile de voir certains chefs-d’œuvre fondamentaux (par exemple La città che sale et Gli addii mentionnés ci-dessus se trouvent au MoMA de New York). Toutefois, si l’on veut citer deux musées où l’on peut se faire une première idée de l’art de Boccioni, on peut mentionner le Museo del Novecento de Milan et la Peggy Guggenheim Collection de Venise.

Le musée milanais a consacré une salle à Boccioni, grâce à laquelle il est possible de reconstituer largement sa carrière, qui est bien représentée par des peintures de différentes périodes. Il y a, par exemple, Mme Virginia, un portrait tranquille de 1905, les Adieux de la deuxième série des États d’esprit, l’Élasticité de 1912, Sous la pergola de 1914, et puis aussi des sculptures très significatives comme Développement d’une bouteille dans l’espace et la fusion posthume des Formes uniques de continuité dans l’espace, déjà mentionnée. À la Peggy Guggenheim Collection, en revanche, il est possible de trouver Materia et la sculpture Dinamismo di un ciclista (Dynamisme d’un cycliste), toutes deux en dépôt ici de la collection Mattioli, la sculpture Dinamismo di un cavallo (Dynamisme d’un cheval ). En outre, à la fin de 2020, le Musée Umberto Boccioni a été fondé à Morciano di Romagna, la patrie de la famille Boccioni, en attente d’une maison définitive : ici, une bonne documentation des premières années du grand artiste futuriste est rassemblée.

Nous voulons représenter l'objet dans son expérience dynamique et donner la synthèse des transformations que l'objet subit dans ses deux mouvements relatif et absolu. Nous voulons donner le style du mouvement. Nous ne voulons pas transmettre dans l'image ce que nous identifions à la chose. Pour nous, l'objet n'a donc pas de forme a priori. Mais seule la ligne de son poids et de son expansion est définissable. Cela nous suggère les lignes de force qui caractérisent l'objet et nous amène à comprendre l'essence principale de l'objet, cette intuition de la vie.

Umberto Boccioni : la vie et l'œuvre du grand futuriste

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