Tano Festa, l'artiste italien du Pop Art: vie, oeuvres, style

Tano Festa (Rome, 1938 - 1988), artiste, peintre et photographe à la vie intense, est l’un des artistes italiens les plus proches du Pop Art. Dans sa jeunesse, il se lie d’amitié avec plusieurs artistes romains réunis dans le groupe de la Scuola di Piazza del Popolo, dont Mario Schifano et Jannis Kounellis. Il acquiert rapidement une notoriété discrète qui l’amène à participer à d’importantes expositions et à collaborer avec d’importantes galeries de Rome.

La production de Festa est très variée, mais certains points communs peuvent être identifiés. Tout d’abord, sa tendance à produire des séries d’œuvres sur le même thème, que Festa poursuivra même des années plus tard. Parmi les plus célèbres, citons la série consacrée à l’Adam de la chapelle Sixtine de Michel-Ange, les portraits d’amis et de membres de la famille et les Confettis, sur des fonds vifs et colorés.

Grand admirateur, comme prévu, du Pop Art, il a souvent été défini comme un représentant de ce que l’on appelle le Pop Art italien, mais Festa était bien conscient de la différence de contexte entre les États-Unis et l’Italie, dont le résultat pourrait plutôt être un art italien “populaire”, qui s’inspire des grands chefs-d’œuvre du passé pour les rendre actuels.

La vie de Tano Festa

Tano Festa est né à Rome le 2 novembre 1938. Sa mère, Anita Vezzani, issue d’une famille de commerçants, est née dans la province de Bologne, tandis que son père, Vincenzo Festa, a des origines palermitaines et napolitaines. Son père a encouragé Festa, alors qu’il était enfant, à peindre comme un passe-temps et l’artiste lui-même a déclaré qu’il avait “officieusement” commencé à peindre à cette époque. Il était le frère d’un autre artiste, Francesco Lo Savio, qui était donc inscrit à l’état civil et portait donc un nom de famille différent du sien. Son frère s’est suicidé très jeune à Marseille en 1963, et cet épisode a influencé l’art de Festa dans les années qui ont suivi.

Festa s’inscrit à l’Institut d’art de Rome en 1952 et obtient son diplôme de photographie artistique en 1957. Au cours de ces années, il fréquente certains de ses pairs qui sont également devenus des artistes de renom, tels que Mario Schifano, Franco Angeli et, plus tard, Jannis Kounellis et Mario Ceroli. Ce groupe de personnalités importantes, partageant les mêmes idées, est connu sous le nom de Scuola di Piazza del Popolo, du nom de la place où ils avaient l’habitude de se rencontrer, généralement au Caffè Rosati ou à la galerie La Tartaruga.

Festa expose ses œuvres pour la première fois en 1958 à l’occasion de l’exposition de peinture pour le prix Cinecittà, organisée par le Parti communiste italien. L’année suivante, il établit une collaboration avec la galerie La Salita de Gian Tomaso Liverani à Rome, l’un des lieux les plus prestigieux pour l’art contemporain, où il réalise sa première exposition personnelle en 1961. La même année, il participe également au 12e Premio Lissone et à de nombreuses autres expositions, consolidant ainsi l’intérêt que la critique commence à porter à son travail.

Ses relations avec la critique sont fluctuantes, car pendant certaines périodes d’autres artistes lui sont préférés, laissant Festa quelque peu en marge, mais dans les années 1980, certaines innovations dans sa production picturale suscitent à nouveau l’intérêt pour lui. En 1962, il établit une nouvelle collaboration avec la galerie La Tartaruga, et parmi ses salles, Festa rencontre Giorgio Franchetti, qui devient son principal collectionneur et soutien. En 1970, il épouse Emilia Emo Capodilista et s’installe dans la maison familiale de sa femme dans la province de Padoue. Deux filles, Anita et Almorina, sont nées de cette union.

Après avoir parcouru le monde et participé à plusieurs expositions importantes en Italie et à l’étranger, Festa lutte entre-temps contre une maladie qui l’emporte à Rome le 9 janvier 1988 à l’âge de 49 ans. À ses côtés se trouvait la journaliste Antonella Amendola, qu’il avait rencontrée en 1976. Après sa mort, une exposition anthologique a été organisée à Rome sous la direction d’Achille Bonito Oliva et un autre hommage a été rendu à sa figure avec une autre exposition à la XLVe Biennale de Venise (1993), intitulée Fratelli , où les œuvres de Lo Savio ont également été exposées.

Le style et l’œuvre de Tano Festa

Les premières œuvres de Tano Festa, qui ont dû être réalisées entre 1956 et 1958, nous sont présentées à travers des dessins, d’où se dégage une affinité avec le surréalisme, tandis que des peintures monochromes apparaissent dès 1960. Dans ces œuvres, la toile est recouverte de bandes de papier, imbibées de la même couleur que le fond, afin de lui donner plus de verticalité. Festa utilise très souvent la couleur rouge, une tonalité proche de celle du sang, en contraste avec la vivacité que l’on retrouve chez son ami Mario Schifano. Dès l’année suivante, Festa remplace les bandes de papier par des bandes de bois et utilise des peintures industrielles, de sorte que les nouvelles œuvres témoignent d’une compréhension de la peinture en tant qu’objet. Ces œuvres sont présentées lors de la première exposition personnelle de Festa en 1961.

En 1962, de véritables “objets” apparaissent pour la première fois, à savoir des fenêtres, des portes, des armoires et des meubles courants en général, conçus par l’artiste et fabriqués par un menuisier. La particularité de ces meubles est qu’ils sont dépourvus de charnières, de poignées ou de serrures, devenant ainsi inaccessibles et perdant leur fonction pratique première pour devenir des œuvres d’art. Parmi ces meubles, citons La finestra rossa e nera (La fenêtre rouge et noire ) et Stanza rossa (La chambre rouge), où la couleur rouge prédomine toujours, et Persiana (Volet), qu’il présente à l’exposition New Realists à New York en 1962. L’année suivante, Festa introduit des inscriptions qu’il appose à l’intérieur des cadres de ses meubles. Au fil des années, après la mort de son frère Lo Savio, les objets proposés par Festa deviennent mélancoliques et suggèrent des échos de métaphysique, interrogeant le rapport entre la vie et l’au-delà.

Entre 1962 et 1963, Festa propose souvent le thème de la pierre tombale et commence à réaliser ses premières œuvres dans lesquelles il cite les grands chefs-d’œuvre du passé, en particulier Michel-Ange. Dans Particular of the Sistine Chapel dedicated to my brother Lo Savio (1963) et The Creation of Man (1964), réalisée en deux versions, il cite la Création d’Adam, le chef-d’œuvre de Michelangelo Buonarroti peint à fresque sur le plafond de la chapelle Sixtine, en la réinventant selon différentes approches, par exemple appliquée sur quatre panneaux verticaux de dimensions différentes qui créent une sorte d’écran. Plus tard, Festa réalise d’autres versions dans lesquelles le visage d’Adam est rendu dans des couleurs vives qui rappellent l’œuvre d’Andy Warhol. À la fin des années 1970, il utilise l’aniline, d’un bleu intense, en traçant le contour du visage avec un crayon blanc et en insérant sur la toile des taches faites avec de l’acide, qui interfèrent avec le contour du protagoniste.

Le concept derrière les citations de grandes œuvres italiennes réside dans la volonté de proposer un art italien " pop", au sens de populaire. De l’aveu même de l’artiste, le Pop Art américain proposait des objets de consommation faisant partie intégrante de la culture locale, comme les soupes Campbell, portés sur la toile par Warhol afin de les sortir de leur contexte et d’en faire le support d’une réflexion artistique, alors qu’en Italie, il ne trouvait pas de telles références et ne pouvait que se comparer aux maîtres de l’histoire de l’art. Au cours d’un séjour aux États-Unis en 1965, Festa commence à développer la technique du traçage à la main d’images projetées, en se concentrant sur des silhouettes d’objets tels que des pinceaux, des marteaux, des tournevis. C’est également au cours de ces années qu’il en vient à retravailler une autre œuvre de Michaelangelo, la tête d’Aurore, qui fait partie de l’ensemble funéraire de Giuliano et Lorenzo de’ Medici dans la Nouvelle Sacristie de San Lorenzo à Florence. Il travaille très souvent sur ce thème, aussi fréquemment que l’Adam, et utilise la technique de la projection sur toile, du tracé à la main et de la peinture sur émail.

Plus tard, c’est au tour des séries Gli amici del cuore (1967) et Per il clima felice degli anni Sessanta (1969), dans lesquelles apparaissent les noms de personnes proches de l’artiste, notamment des collectionneurs et des galeristes, tels que Schifano, Franchetti, Angeli, Lo Savio et Mimmo Rotella. Les images, en noir ou en bleu, se détachent sur un fond blanc ou bleu, avec un dessin essentiel et géométrique comprenant quelques lettres au pochoir ou des silhouettes d’images projetées. Dans la même optique, il réalise Solitude in the Square (1969), où il représente la silhouette de l’amiral Horatio Nelson sur le monument de Trafalgar Square à Londres, d’une manière proche de l’expressionnisme pictural.

Entre les années 1970 et 1980, Festa réalise plusieurs séries qui ont en commun des détails techniques d’exécution. En effet, en reproposant des citations d’œuvres antérieures, Festa expérimente une nouvelle technique dans laquelle les figures sont toujours projetées sur la toile, mais sont reproduites de manière fragmentée, perdant de plus en plus le lien avec l’œuvre originale. Un exemple est encore tiré de la chapelle Sixtine, un fragment de l’arbre des péchés original placé dans des cadres en perspective tracés à la craie, de sorte que toute référence spatiale est également éliminée. Une autre proposition concerne l’insertion de noms isolés en caractères d’imprimerie sur la toile, qui sont souvent des noms d’artistes du 19e siècle avec leur date de naissance et de décès, ressemblant ainsi à une pierre tombale. Parmi les noms cités figurent William Turner, Édouard Manet, Paul Cézanne, Edgar Degas, Auguste Renoir, Vincent van Gogh ou Pablo Picasso, avec qui plusieurs œuvres ont été créées, dont certaines appelées Hommage à la couleur.

À la fin des années 1970, l’artiste propose deux autres séries, Le Piazze d’Italia et Rebus , dans lesquelles il introduit l’émail et l’aniline sur une toile émulsionnée. L’une des séries les plus célèbres de cette période est sans aucun doute Coriandoli, qu’il élabore après une période de déception du point de vue des critiques, qui l’avaient ignoré et qui reviennent vers lui avec cette proposition. Il s’agit d’une toile préparée avec des couleurs acryliques très vives - rouge, vert, bleu, mais aussi noir - sur laquelle il applique ensuite de véritables confettis colorés. Entre-temps, dans les dernières années de sa vie, Festa se consacre souvent aux portraits, comme dans la série The Private Paintings où il montre des photographies agrandies des membres de sa famille. Dans les années 1980, il utilise abondamment la peinture acrylique pour représenter des amis et des personnages imaginaires inspirés de la littérature, comme Don Quichotte (1987), auquel il donne une tonalité sombre et hermétique. Finestra sul mare (1988) est l’une des toutes dernières œuvres de Festa, visible sur le front de mer de Villa Margi, entre Palerme et Messine, et dédiée à la mémoire de son frère Francesco Lo Savio.

Où voir les œuvres de Tano Festa

Les détenteurs des droits d’auteur des œuvres de Festa sont ses deux filles, qui ont créé depuis 2001 les Archives des œuvres de Tano Festa, dans le but de dresser un catalogue raisonné de l’ensemble de la production artistique de leur père. Les archives sont encore en cours de constitution, un appel public ayant été publié sur le site tanofesta.it/catalogue pour que tous ceux qui possèdent une œuvre de Festa chez eux envoient de la documentation à ce sujet.

Plusieurs œuvres se trouvent toutefois dans des musées italiens. Certaines, par exemple, sont conservées au MAMbo de Bologne, dans la section “Figurabilità. Peinture à Rome dans les années 1960”, tandis que le MACRO - Musée d’art contemporain de Rome abrite Homage to Rothko (1963).

En outre, l’une des nombreuses œuvres consacrées à l’Adam de Michel-Ange, intitulée Le milicien mourant (1979), est placée dans les musées du Vatican, délibérément juste avant d’arriver à la chapelle Sixtine.

Les œuvres de Festa sont souvent présentées dans des expositions, tant individuelles que collectives, comme Ricordando Tano Festa. Works 1961-1979, une grande exposition anthologique qui s’est tenue en 2004 à la Galleria dell’Oca à Rome.

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