Sandro Chia, la vie, le style et l'œuvre du représentant de la Transavanguardia

Sandro Chia, pseudonyme d’Alessandro Coticchia (Florence, 1946), est un artiste, peintre et sculpteur et l’un des principaux représentants du mouvement Transavanguardia. Il a passé beaucoup de temps partagé entre l’Italie et les États-Unis, où il a voyagé pour la première fois dans les années 1980. Ses œuvres sont d’abord plus conceptuelles, avant de passer à une phase plus figurative. Les deux phases ont un élément commun, à savoir l’atmosphère onirique et surréaliste qui entoure les protagonistes.

Au fil des années, la figure humaine prend de plus en plus de place dans le périmètre des toiles de Chia, prenant des proportions hiératiques. Bien que les personnages présentés soient humbles, l’artiste les présente comme s’il s’agissait de héros mythologiques, élevant encore la composition en utilisant souvent des références plus ou moins évidentes aux grands chefs-d’œuvre du passé, en les retravaillant et en leur donnant une dimension personnelle.

La vie de Sandro Chia

Sandro Chia (de son vrai nom Alessandro Coticchia) est né à Florence le 20 avril 1946 et a étudié à l’Académie des beaux-arts de la capitale toscane. Il voyage un temps en Inde, en Turquie et en Europe. De retour en Italie, en 1970, il s’installe à Rome et réalise sa première exposition personnelle en 1971 à la galerie La salita. Quelques années plus tard, il rejoint le collectif Transavanguardia et participe avec d’autres artistes du groupe à la section “Aperto 80” de la Biennale de Venise de 1980, avant d’organiser une exposition personnelle à New York. Après une dizaine d’années à Rome, il décide de s’installer à New York, où il reste une vingtaine d’années, tout en continuant à se déplacer régulièrement entre les États-Unis et l’Italie.

Il retourne à la Biennale de Venise en 1984 et 1989, tout en continuant à exposer ses œuvres dans les plus grands musées italiens et internationaux, comme le Castello di Rivoli, puis à New York, au Solomon R. Guggenheim en 1983 et au Met - Metropolitan Museum of Modern Art en 1984. L’artiste vit encore aujourd’hui entre Miami, Rome et la Toscane, plus précisément au Castello Romitorio à Montalcino. Depuis 1987, il est également impliqué dans la production de vins prestigieux, dont le célèbre Brunello di Montalcino. En 2003, l’État italien a acquis trois de ses œuvres qui sont entrées dans la collection permanente du Sénat de la République italienne au Palazzo Madama, tandis qu’en 2005, la province de Rome a acheté deux sculptures monumentales qui ont été placées devant son siège à Rome. Les ventes aux enchères de ses œuvres sont assez fréquentes et remportent un vif succès. Ainsi, en 2007, son œuvre The Pharmacist ’s son (1981) a été vendue chez Christie’s au Royaume-Uni pour 300 000 euros, établissant ainsi un record.

Le style et l’œuvre de Sandro Chia

L’artiste s’est d’abord tourné vers l’art conceptuel, immédiatement après son installation à Rome. À partir du milieu des années 1970, Chia préfère se consacrer à la figuration et rejoint le groupe Transavanguardia, dont il devient l’un des représentants les plus connus. Ce mouvement, fondé par le critique d’art Achille Bonito Oliva, compte parmi ses membres Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Nicola De Maria et Enzo Cucchi. Les artistes du mouvement Transavanguardia se distinguent par l’utilisation de couleurs très vives et frappantes, appliquées sur la toile avec des coups de pinceau très forts et doux. Entre-temps, à partir de 1982, Chia a commencé à se consacrer à la sculpture parallèlement à ses activités de peintre.

Le concept qui caractérise l’art de Chia est la conviction que la sève qui nourrit l’art est intrinsèque à lui-même. Il estime qu’il est nécessaire pour les artistes de savoir ce qui les a précédés et de regarder les maîtres d’un œil respectueux, afin de pouvoir les citer dans leurs œuvres. En effet, Chia regarde beaucoup les chefs-d’œuvre des artistes du passé, comme Titien, Masaccio, Tintoret, Lorenzo Lotto et Michelangelo Buonarroti, mais aussi des exemples contemporains du calibre de Giorgio de Chirico, Fernand Lèger, Paul Cézanne, Francis Picabia et Marc Chagall, retravaillant leurs réalisations et les faisant siennes à travers de nombreuses références et citations qu’il introduit dans ses œuvres, souvent de manière ironique et allusive.

Les premières œuvres de Chia sont donc certes figuratives mais très conceptuelles, comme La mercante di scacchiere (1976), dans laquelle une figure féminine de dos se déplace entre différentes surfaces en damier de couleurs et de tailles différentes qui remplissent toute la toile, comme si l’on se trouvait dans une dimension onirique ; ou Ossa, cassa, fossa (1978), où un homme regarde une sorte d’abîme représenté par un parallélépipède noir découpé dans un mur rouge, dans lequel on peut lire les mots qui donnent son titre à l’œuvre ; enfin, on se souvient de l’une des œuvres dans lesquelles on trouve des citations dérivées des œuvres métaphysiques de De Chirico, Sul tetto, sulla strada (1979). Au fil des années, les figures humaines occupent peu à peu une grande partie de l’espace de la toile. Ces figures sont clairement délimitées par des contours définis par la couleur noire et constitués de volumes puissants, qui se détachent de manière imposante sur des fonds vifs qui n’ont ni lieu ni temps, perpétuant la sensation d’être devant un rêve visionnaire fait de contrastes apparemment inconciliables. En particulier, on reconnaît dans ces œuvres des références explicites aux contrastes entre l’ancien et le contemporain, entre l’apollinien et le dionysiaque, entre la passion et la rationalité. Ce n’est pas un hasard si, tant dans les sculptures que dans les peintures de Chia, le personnage qui revient le plus souvent est l’homme présenté comme le héros, symbolisant l’artiste lui-même dans une attitude de rébellion et d’affirmation de soi. Les œuvres deviennent ainsi un défi aventureux pour l’artiste dont le but ultime est de trouver sa propre liberté et d’être capable de se laisser aller complètement sans limites.

L’expédient du héros est cependant constamment minimisé par Chia par le biais de l’ironie, ce qui est évident par exemple dans Sinfonia incompiuta (1980), où un personnage vu de dos, tourné pour regarder le spectateur, libère sa créativité comme s’il s’agissait d’un instinct corporel à laisser libre. Dans ce cas précis, la créativité est représentée par une partition musicale, mais l’artiste laisse entendre qu’il se réfère à la créativité en général dans cette œuvre. Après cette œuvre, on trouve Figure with Flag and Flute (1983), où deux hommes sont représentés assis en plein air, la nuit, l’un jouant de la flûte tandis que l’autre tient un drapeau. Il s’agit d’une scène aux tonalités humbles, mais Chia confère aux protagonistes une aura de grande importance, comme s’ils étaient les héros d’un grand poème historique. Le peintre (1983) est également emblématique: la figure qui se détache sur tout l’espace de la toile a un visage de statue, tandis que le reste du corps est humain et représenté alors qu’il tient dans ses mains un tableau composé uniquement de taches de couleur informes.

La sculpture est également parfaitement intégrée dans l’intention artistique de Chia, comme on peut le voir dans Untitled de 1984. La figure humaine est toujours le protagoniste et est représentée en reprenant, ou plutôt en se moquant, des poses typiques de la sculpture ancienne. En effet, le torse suit une torsion accentuée et non naturelle, tandis que les yeux sont au moins deux fois plus grands que la normale, dans un franchissement continu de la frontière entre l’imagination, le rêve et la réalité.

Dans la production prolifique de Chia des années 1990 et 2000, les citations du passé restent évidentes, notamment en direction de Braque ou de Picasso (ce n’est pas un hasard si les figures d’une série d’œuvres Sans titre de 2006 semblent directement tirées des Demoiselles d’Avignon, car il y a des figures féminines récurrentes, présentées individuellement, dont les positions contorsionnées rappellent les mêmes figures dans l’œuvre célèbre de Picasso). Les références au futurisme sont également récurrentes dans cette période, comme en témoignent les fonds dynamiques composés de blocs de couleurs vives qui rappellent fortement les œuvres d’Umberto Boccioni, de Giacomo Balla et de Fortunato Depero, allant même jusqu’à mentionner explicitement le mouvement dans le titre Futurist Photographer en 2003.

En 1999, Chia a également réalisé des portraits de représentants italiens du Pop Art à l’occasion d’une exposition au Chiostro del Bramante à Rome consacrée à ce mouvement. Les œuvres des années 2000 poursuivent la tendance à présenter la figure hiératique et plastique en pleine lumière, avec une variation au niveau des couleurs qui deviennent moins contrastées, mais plus nuancées et jouées dans des tons de vert, de bleu, de rose et de blanc.L’œuvre est composée d’une série de tableaux aux couleurs moins contrastées, mais plus nuancées et jouées dans des tons verts, bleus, roses et blancs, comme Attesa (2013-14), où l’on voit un beau jeune homme assis sur un rocher, attendant quelqu’un, et derrière lui un paysage aux volumes arrondis et simplifiés, mais toujours plastiques. L’ensemble de la composition repose sur différentes nuances de bleu, de sarcelle et de gris, tandis que les contours sont bien délimités par d’épaisses lignes noires.

Où voir les œuvres de Sandro Chia

De nombreuses œuvres de l’artiste font partie de collections privées, et même aujourd’hui, beaucoup sont en vente dans des galeries italiennes et vendues aux enchères. Cependant, plusieurs œuvres de l’artiste sont conservées dans d’importants musées italiens et internationaux. Dans le nord de l’Italie, il est possible d’admirer les œuvres de Chia au Castello di Rivoli, où se trouvent les peintures Bruti protagonisti della fantasia erotica di una scimmia (1979-80), Sinfonia incompiuta (1980), Figure con bandiera e flauto (1983), Uomo in rosa (2001) et la sculpture Senza titolo (1984).

Un autre groupe important d’œuvres appartient à la Galleria Mazzoli de Modène, principalement des peintures réalisées récemment comme Discussion sur l’art et la peinture (1998-2000), Mélancolie du peintre (1999-2000), Gino immortal (2000), Portrait Enzo (2001), Sans titre 2 (2003), Sans titre 1 (2003), Waiting (2013-14), Posing (2013-14). Toujours en Émilie-Romagne, à la Collezione Maramotti de Reggio Emilia se trouve La cucina di Dionisio (1980). À Rome, les œuvres de Chia se trouvent dans la collection Giorgio Franchetti, qui comprend Bridge of Frogs without the Bridge (1979), The Lie (1979-80), et dans la collection D’Ercole, où sont conservés Excited Shepherd Boy (1980) et Leave the Artist Alone (1985).

En Europe, les œuvres de Chia sont présentes dans plusieurs pays. En Suisse, La mercante di scacchiere (1976) fait partie de la collection Gunti Brands, tandis qu’à Berlin, Zattera temeraria (1982) fait partie de la collection Marx et Rabbit for dinner (1982) se trouve au Stedelijk Museum d’Amsterdam. En Grande-Bretagne, on trouve deux œuvres datées de 1981, Courageous Boys at Work, à la Scottish National Gallery of Modern Art d’Édimbourg, et Water Bearer London, à la Tate Gallery de Londres. Enfin, The Idleness of Sisyphus (1981) peut être admirée au MoMA - Museum of Modern Art de New York.

Sandro Chia, la vie, le style et l'œuvre du représentant de la Transavanguardia

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