Pop Art : histoire, styles, artistes

Le terme Pop Art dérive de la contraction du mot populaire et fait référence à un langage visuel que les artistes européens et américains ont pratiqué dans les années 1960. Comme le phénomène de la musique pop, le Pop Art s’est adressé à la nouvelle société de consommation, se répandant à un moment de l’histoire après les guerres mondiales, lorsque les pays occidentaux se sont retrouvés gravitant dans l’orbite des États-Unis, submergés par la poussée de la reprise économique, qui visait tous à l’abandon du protectionnisme et s’orientait vers la construction d’un système basé sur le libre-échange. C’est l’époque du développement des transports, du cinéma, de la télévision et de la bande dessinée.

Le monde de la communication connaît une croissance exponentielle qui crée les conditions de la naissance du Pop Art : les motifs et les registres utilisés pour la diffusion rapide et commerciale sont revisités sur le plan esthétique par des artistes qui les proposent à un nouveau public toujours plus large. En réponse à une demande toujours croissante, le langage des médias et celui de l’art s’expriment avec de nouveaux outils, dont la répétition et la sérialité. D’où la sérialisation de l’icône, des Cornflakes de Kellogg à Marilyn Monroe. En général, le Pop Art reprend l’opération de médiation linguistique et mentale qui caractérisait déjà le Nouveau Dada, mais il n’est pas né avec les connotations typiques de l’avant-garde, avec un manifeste et une agrégation d’artistes. Il s’agit plutôt d’un environnement, d’un climat dans lequel se rencontrent différentes voies de recherche: les Britanniques Eduardo Paolozzi (Leith, 1924 - Londres, 2005) et Richard Hamilton (Londres, 1924 -2011) ; les Américains Roy Lichtenstein (New York, 1923 - 1997), Andy Warhol (Andrew Warhola Jr.Pittsburgh, 1928 - New York, 1987), Claes Oldenburg (Stockholm, 1929 - New York, 2022), Robert Rauschenberg (Port Arthur, 1925 - Captiva, 2008), en partie Jasper Johns (Augsbourg, 1930), qui fut l’un des fondateurs de New Dada. La scène italienne n’est pas en reste : de Michelangelo Pistoletto (Biella, 1933) à Mario Schifano (Homs, 1934 - Rome, 1998), en passant par Franco Angeli (Rome, 1935 - 1988) et Tano Festa (Rome, 1938 - 1988), les artistes romains revisitent leur propre tradition artistique en la passant au crible de l’imaginaire populaire.

Origine et développement du pop art

Les années 1950 se caractérisent par une prospérité générale, une légèreté qui se répand après les tragédies de la guerre. Le taux de natalité augmente, la population s’accroît ; la nouvelle disponibilité de la force de travail permet aux industries de connaître un boom, car elles doivent répondre à une demande de plus en plus massive. Pour ce faire, elles ont recours à la production en série et à l’étude de la publicité, en vue de faciliter la vente commerciale : on vend un produit, mais avant tout son image.

Pour cela, la communication de masse revêt une grande importance, instantanée et rapide, capable de suivre le rythme de ce nouveau monde en plein essor. Disponibilité, immédiateté et rapidité sont les conditions qui prévalent dans de nombreux domaines, du commerce au transport. Ce monde dopé à l’adrénaline est une réponse aux événements plus tragiques de la première moitié du siècle : le regard constamment tourné vers le progrès et l’avenir est une façon de chasser le souvenir des obscénités des guerres qui viennent de s’achever.

Dans ce scénario d’après-guerre, si le “rêve” américain semble de plus en plus à portée de main, c’est en Grande-Bretagne que se manifestent les premières expériences pop. L’arrivée de nouveaux produits américains pendant la guerre avait suscité une grande curiosité. L’image des nouvelles offres et des produits en série a été reproposée esthétiquement au milieu des années 1950 par des artistes britanniques tels que Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi et Peter Blake (Dartford, 1932). Plusieurs expositions sont organisées : en 1955, Man, Machine & Motion est inaugurée à l’Institute of Contemporary Art de Londres, où des photographies, des montages et des installations examinent les derniers développements technologiques. L’année suivante, en août 1956, This is Tomorrow est inaugurée à la Whitechapel Art Gallery de Londres. Douze pièces créées en collaboration avec des artistes et des architectes y sont présentées. L’exposition marque la consécration du Pop art britannique et établit un point sur la situation de l’homme contemporain dans la société des médias de masse.

À cette occasion, un collage photographique de Richard Hamilton, qui contenait tous les éléments définissant le langage Pop, a été exposé avec grand succès. Une pièce remplie d’appareils électriques, l’affiche d’une bande dessinée. La fenêtre à l’arrière-plan fait référence au cinéma et aux affiches lumineuses qui clignotent. On peut même y lire le mot pop. Le nom du collage est " Qu’est-ce qui rend les maisons d’aujourd’hui si différentes, si attrayantes? Toujours dans la sphère anglaise, ce courant artistique s’est ensuite nourri de l’imagerie de Peter Blake, qui a réalisé la pochette de l’album Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band des Beatles, mais aussi du sculpteur Allen Jones (Southampton, 1937) et d’Eduardo Paolozzi avec ses matériaux industriels.

Cependant, le Pop Art britannique est toujours resté quelque peu nostalgique, ancré dans la tradition historique de la bonne peinture européenne, avec un résultat sobre, sophistiqué et formel : il suffit de penser au peintre et scénographe David Hockney (Bradford, 1937), avec ses paysages, où la peinture est sobre par rapport à la frénésie propre au Pop Art. Il manquait au Pop Art britannique l ’effet de scandale qui le rendrait définitivement apte à une réception de masse, cette même intentionnalité communicative que l’on retrouve dans les magazines.

Cette volonté artistique, qui consacrera plus tard ses artistes comme des personnages quasi hollywoodiens, explose avec le Pop Art américain: aux États-Unis, l’art populaire trouve un terrain fertile, où circulent déjà des produits prêts à être consommés à grande échelle. Les mass media et la publicité avaient habitué le public à une idée de prêt, de disponibilité immédiate. L’idée était séduisante et, entre-temps, une opération de persuasion pour une classe moyenne en pleine expansion. Cette dimension créée et préparée a attiré de larges pans de la population, favorisant, après des années d’art abstrait et informel, d’avant-garde, un retour à l’objet pratique, fonctionnel et concret à posséder, vendant non seulement l’objet mais aussi l’idée de stabilité et de sécurité matérielles.

Dans les années 1960, l’art américain répond à la nouvelle culture de masse en créant des biens, des images et des signes rassurants, capables de satisfaire les exigences d’un grand nombre de spectateurs et de consommateurs. Il veut satisfaire tous ceux qui font partie du grand public, promettant une idée d’enrichissement personnel et de réussite: on pense à l’artiste Andy Warhol, à la fameuse phrase qu’on lui attribue “Dans le futur, tout le monde sera célèbre dans le monde pendant un quart d’heure” (1968). 1962 est une année charnière pour le Pop Art américain : plusieurs expositions personnelles de ceux qui deviendront plus tard les grands artistes représentant le Pop Art ont lieu. Il y a eu l’exposition The New Realists organisée par Sidney Janis et le Pop Art Symposium, organisé par le Museum of Modern Art de New York. Ces événements indiquent un changement de direction dans les attitudes artistiques américaines, qui abandonnent l’expressionnisme abstrait de Jackson Pollock pour se tourner vers la masse et la monumentalisation de l’iconographie publicitaire. D’où les découpages de la vie domestique de Tom Wesselmann (Cincinnati, 1931 - New York, 2004) et l’univers comique de Roy Lichtenstein qui ont suscité un grand intérêt chez le marchand d’art italo-américain Leo Castelli.

L’Italie a également joué son rôle dans la constitution de ce mouvement artistique, représentant un cas spécifique pour plusieurs raisons. À l’époque de la diffusion du Pop Art, la péninsule connaît un boom économique et assiste à une croissance vertigineuse de la demande et de la consommation, entre la naissance de l’électroménager et la construction d’autoroutes. La scène artistique italienne s’ouvre pour accueillir les principaux protagonistes du Pop Art et du New Dada à la Biennale de Venise de 1964: cette année-là, Robert Rauschenberg remporte le Grand Prix international de peinture, confirmant le rôle du Pop Art américain en Europe et amenant ce type de recherche artistique en Italie également, puisque d’autres artistes italiens tels que Mario Schifano, Franco Angeli et Tano Festa y exposent également.

L’esthétique de ces artistes s’inscrit parfaitement dans le registre du Pop Art, tout en étant imprégnée d’un goût local qui n’a jamais abandonné la tradition artistique italienne. Les références au futurisme, à la métaphysique et à la réflexion sur les œuvres passées sont toujours présentes dans La lupa di Roma (1961) de Franco Angeli, dans Futurismo rivisitato (1965) de Mario Schifano ou dans Michelangelo secondo Tano Festa (1966). Un regard sur les chefs-d’œuvre italiens est inévitable, comme le souligne Tano Festa lui-même : "Je plains les Américains qui ont si peu d’histoire derrière eux, mais pour un artiste romain, et qui plus est, qui a vécu à deux pas des murs du Vatican, populaire est la chapelle Sixtine, la véritable marque du Made in Italy". D’une manière générale, les artistes pop ont travaillé à la construction d’un système d’images et de signes codifiés au sein d’un imaginaire populaire. Dans leurs œuvres, ils n’ont pas adopté un sens polémique à l’égard de la société de consommation : le pop art s’est plutôt appuyé sur cette société, invitant ainsi à prendre conscience des changements radicaux qui se produisent dans la culture et la communication, et invitant à réfléchir à la manière dont ces développements influencent la vie de l’homme contemporain.

Les principaux représentants du Pop Art

Comme nous l’avons déjà mentionné, le Pop Art n’était pas un mouvement organisé, mais plutôt un climat artistique dans lequel des artistes très différents se sont retrouvés. Au printemps 1952, en Grande-Bretagne, Eduardo Paolozzi projette sescollages lors d’une conférence de l’Institute of Contemporary Art. Réalisés à partir de 1947, Paolozzi rassemble des coupures de journaux publicitaires, de magazines et de bandes dessinées, les présentant comme un répertoire de messages à analyser, principalement en provenance des États-Unis. Par exemple, dans I Was a Rich Man’s Plaything words, apparaissent des logos célèbres et des images de transport, des icônes qui constituent l’imagerie de ces années d’évolution. Dans ces œuvres, la séduction publicitaire des nouvelles images iconiques coexiste avec l’influence des avant-gardes : le collage est dada-surréaliste, comme l’est aussi l’insertion de mots dada.

Malgré son succès, la première œuvre pop reconnue comme telle est celle de l’artiste britannique Richard Hamilton (1922-2011) : Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing (“Qu’est-ce qui rend les maisons d’aujourd’hui si différentes, si attrayantes ?”) de 1956, présentée à l’exposition This is Tomorrow. Dans ce collage de papier, les citations de la culture populaire vont de Marilyn Monroe au juke-box. Une énorme sucette avec le mot "pop " bien en évidence apparaît également. Avec cette œuvre, destinée à définir le pop britannique, Hamilton a dressé un inventaire de la culture populaire britannique, une invitation à réfléchir sur la manière dont elle a quitté la rue pour s’installer dans les foyers les plus ordinaires, influençant le mode de vie de l’homme contemporain.

Dans le domaine de la peinture, David Hockney (1937) témoigne d’une résistance de l’art britannique à l’explosivité qui caractérisera plus tard le pop art américain. La peinture britannique se contient dans l’expression d’un attachement à la tradition picturale du passé. Avec A bigger splash, 1967, David Hockney raconte la vie riche et insouciante qu’il a vécue lors de son déménagement en Californie en utilisant des couleurs acryliques sur des fonds plats et précis, contenant les atmosphères dans un environnement géométrique et aseptisé. Parmi d’autres, Peter Blake (Dartford, 1932) a contribué à la formation de l’imagerie pop britannique. On se souvient qu’il est l’auteur de la pochette duSergent Pepper des Beatles, qui est devenue une icône de la pop londonienne en 1967. Le pop art britannique a également enregistré les nouveaux désirs exprimés par la culture de masse : Allen Jones a exploré le thème de l’érotisme avec une série de sculptures sur le thème de la femme-objet, comme Chair, de 1969, aujourd’hui exposée à Aix-la-Chapelle.

Aux États-Unis, Roy Lichtenstein s’inspire de l’univers de la bande dessinée, en prenant une lumière froide et le filtre de la trame typographique. Dans Hopeless (1963), Lichtenstein reproduit un dessin animé en l’isolant de son contexte narratif. Le lettrage qui accompagne le protagoniste perd un sens et acquiert en même temps un sens universel, à la portée de l’interprétation de chacun. Lichtenstein travaille avec le filtre de la forme typique de la bande dessinée, en particulier l’effet de “grainage”, également pour reproduire des chefs-d’œuvre des grands maîtres du passé, comme il l’a fait en 1969 avec Rouen Cathedral (Seen at three Different Times of Day).

Andy Warhol est un artiste et une figure emblématique du Pop art américain. Figure emblématique du contexte américain des années 1960, il a changé l’idée même de l’artiste en introduisant la possibilité que l’artiste soit un entrepreneur de lui-même, un communicateur et un élément du système commercial et artistique. Warhol élabore un langage détaché, impassible dans son enregistrement de la réalité : c’est pourquoi il fonde la Factory, c’est-à-dire une entreprise de production d’œuvres, utilisant la sérigraphie pour une production industrielle sur toile, avec une équipe d’artistes travaillant sous la supervision de Warhol lui-même. C’est à partir de là qu’apparaît la réitération d’icônes telles que la boîte de soupe Campbell, la bouteille de Coca-Cola et la boîte de détergent Brillo, ou encore les Cornflakes de Kellog. Warhol illustre la sérialité de ces objets, mais aussi des personnes célèbres.

S’inspirant d’une célèbre photographie sortie après le film Niagara (1953), Warhol reproduit en série Marilyn Monroe : Shot Orange Marilyn, 1964, est une sérigraphie sur toile, aujourd’hui conservée à la Fondation Andy Warhol à New York. L’objet (ou même la célébrité, le fait divers) est retiré de la narration par le biais de la réitération. Le Pop Art étend ses possibilités de communication et les vend finalement aux mécanismes de la consommation.

Claes Oldenburg a créé des œuvres qui reproduisent à grande échelle des objets quotidiens et banals à l’aide de nouveaux matériaux synthétiques et colorés, comme Giant Fagends (“Fesses géantes”) datant de 1967. L’artiste George Segal (Great Neck, 1924 - Santa Rosa, 2000) est également américain : il se distingue des artistes précédents par une manière différente de revisiter la société contemporaine. L’artiste recrée des environnements en trois dimensions. Il y place des moulages en plâtre qui reproduisent des personnes saisies dans la simplicité d’un geste quotidien. Certains sont au travail, d’autres se reposent, d’autres encore sont au bar. Dans The Moviehouse, réalisé en 1966-67, une femme exerce son métier de billettiste derrière la cabine du cinéma. Ce que Segal a fait, c’est parler de figures anonymes qui renvoient à la poétique existentielle propre à l’artiste américain Edward Hopper, retraçant ainsi l’art du passé, une plongée dans le réalisme américain.

Penser à l’art de sa propre tradition était une pratique des artistes pop italiens des années 1960 : Mario Schifano s’est d’abord inspiré des artistes américains Johns et Warhol, avec lesquels il a exposé au sein du collectif The New Realists. Schifano utilise abondamment les éléments de l’urbanisme : enseignes publicitaires, images tirées des médias. Avec Futurism Revisited, réalisé entre 1965 et 1967, l’artiste récupère une photographie historique d’artistes futuristes prise à Paris en 1912, représentant Luigi Russolo, Carlo Carrà, Umberto Boccioni et Gino Severini. L’artiste a reproposé la photo avec des silhouettes colorées placées sur un échiquier.

Franco Angeli, à l’instar de Schifano, s’est également penché sur l’imagerie de masse, mais en se tournant vers la répétition en série d’icônes. Cette fois-ci, il ne s’agit pas de produits commerciaux ; il a préféré s’intéresser à une imagerie certes populaire, mais plus historique. Ses sujets sont la louve du Capitole et la faucille et le marteau. Angeli les a vigoureusement reproposés, “parce qu’à force de les voir, plus personne n’y prêtait attention”. Le début des années 1960 est également marqué par l’expérience de Tano Festa, qui récupère des fragments d’œuvres célèbres de maîtres tels que Michel-Ange, à partir desquels il réalise un cycle, Michelangelo secondo Tano Festa (1966), en utilisant la technique du calque à partir d’une image projetée. La bidimensionnalité qui en résulte sert de base à un dessin compact de couleurs vives et fortes qui rappellent le langage de la communication de masse, avec une légère suspension d’une saveur métaphysique.

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