Pieter Paul Rubens, la vie et l'œuvre du précurseur du baroque

Pieter Paul Rubens (Siegen, 1577 - Anvers, 1640) est un peintre flamand, précurseur de certains traits caractéristiques de l’art baroque. La vie et la production picturale de Rubens sont étroitement liées aux cours européennes, qui font appel à lui pour réaliser de nombreuses œuvres, ainsi qu’à l’art italien, qu’il étudie en profondeur et qu’il met en valeur dans ses œuvres.

Artiste cultivé et d’une grande ouverture d’esprit(pour en savoir plus sur sa personnalité, cliquez ici), il a fait ses études en Italie où il a pu étudier nombre de ses modèles (de Raphaël à Michel-Ange, des peintres vénitiens au Caravage) et où il a travaillé pour d’importants mécènes. Sa manière très novatrice de concevoir l’espace, ses couleurs vives, son utilisation éblouissante de la lumière et ses compositions exubérantes anticipent de nombreux éléments de la culture baroque, dont il est considéré comme l’un des grands pionniers. Son art était alors connu pour la sensualité émanant de ses corps et la plénitude de ses figures, parmi les plus reconnaissables de l’histoire de l’art.

La vie de Rubens

Le peintre Pieter Paul Rubens est né le 28 juin 1577 en Allemagne, dans la ville de Siegen en Westphalie, et a passé son enfance à Cologne. La famille de Rubens, flamande, a été contrainte de s’y réfugier pour échapper aux persécutions des Espagnols contre les protestants, son père étant calviniste. En 1589, elle s’installe à Anvers, où elle achève ses études classiques, étudiant le latin et la littérature. À cette époque, il se convertit également au catholicisme. À l’âge de seize ans environ, en 1591, il commence sa formation artistique dans l’atelier de Tobias Verhaecht, un maître flamand spécialisé dans la peinture de paysages, dans la lignée de Pieter Bruegel l’Ancien. Il commence à se concentrer sur des œuvres aux thèmes épiques et religieux et collabore également avec d’autres peintres sur des tableaux de paysages avec des figures humaines, comme c’était la règle dans les ateliers anversois.

En 1598, il s’inscrit comme maître à la guilde de Saint-Luc d’Anvers. La guilde de Saint-Luc (du nom du saint patron des artistes) était un syndicat d’artistes, d’artisans, de marchands et d’amateurs d’art de plusieurs villes flamandes, dont Anvers, qui s’est vu attribuer au fil des ans divers pouvoirs par les autorités locales. La guilde pouvait par exemple réglementer le commerce de l’art. Pour les artistes, l’appartenance à une guilde donnait accès à divers privilèges, comme l’embauche d’apprentis dans leurs ateliers. Motivé par le désir d’approfondir ses connaissances artistiques, Rubens part pour l’Italie en 1600. Il s’installe d’abord à Venise, où il peut étudier les chefs-d’œuvre du Titien, du Tintoret et de Véronèse. Il s’installe ensuite à Mantoue, où il entre en contact avec le duc Vincenzo I Gonzague, qui souhaite l’engager comme peintre de la cour. Rubens resta à la cour des Gonzague pendant huit ans, c’est-à-dire pendant la quasi-totalité de son séjour en Italie, et eut accès à la vaste collection privée du duc, ce qui lui permit d’étudier l’art italien de manière encore plus approfondie.

En 1601, le duc envoie Rubens à Rome avec pour mission de reproduire certains tableaux, et c’est l’occasion pour l’artiste d’entrer en contact avec le cardinal Scipione Borghese. Rubens a ainsi pu admirer et étudier de près Michelangelo Buonarroti, Raphael Sanzio et l’art antique. Durant son séjour, il réalise également des œuvres pour la chapelle Sainte-Hélène de la basilique Santa Croce in Gerusalemme, ainsi que d’autres tableaux tels que la Lamentation sur le Christ mort et le Martyre de saint Sébastien, qui sont encore conservés à Rome aujourd’hui. Il quitte ensuite Rome pour se rendre, toujours pour le compte du duc de Mantoue, d’abord en Espagne, puis à Gênes, où il exécute plusieurs œuvres importantes pour le développement du baroque local(pour en savoir plus sur les œuvres de Rubens à Gênes, cliquez ici). De retour à Rome, il est chargé de décorer l’abside de l’église Santa Maria in Vallicella, une œuvre sur laquelle il intervient à deux reprises, remplaçant complètement ce qui avait été fait par de nouvelles peintures sur un fond d’ardoise, lorsqu’il devient évident que l’œuvre initiale n’est pas clairement visible à la lumière de l’église elle-même. De retour définitif à Anvers en 1609, Rubens obtient la protection du gouverneur des Pays-Bas méridionaux, l’archiduc Albert de Habsbourg.

Une période intense et florissante de commandes s’ensuivit peu après, à tel point que Rubens, pour répondre à toutes les demandes, décida d’ouvrir un atelier pour se faire aider par des collaborateurs soigneusement choisis en fonction de leur spécialisation. Rubens a donc une approche quasi industrielle de son atelier, auquel il laisse la réalisation matérielle de ses idées qu’il couche sur des cartons préparatoires. Avec le temps, il abandonne cette division nette entre idée et réalisation. Parmi les commandes confiées à Rubens figure celle de Marie de Médicis, la mère du roi de France Louis XIII. Les tentatives de Médicis pour assurer la paix entre la France et l’empire des Habsbourg en déclarant publiquement le traité secret de Burzolo de 1610 au détriment de l’Espagne et en mariant ses enfants à des membres de la famille royale espagnole.

Vers 1624, Rubens entame une collaboration avec l’artiste Paulus Pontius et continue jusqu’aux dernières années de sa vie à produire des œuvres sur commande royale. Il peint plusieurs œuvres pour Isabelle de Habsbourg, quelques années plus tard, il travaille pour Charles Ier d’Angleterre, puis pour Philippe IV d’Espagne et Ferdinand d’Autriche. Il passe les dernières années de sa vie à travailler à un rythme soutenu pour les grands d’Europe et meurt à Anvers le 30 mai 1640.

Le style et l’œuvre de Pieter Paul Rubens

Les œuvres de Rubens se caractérisent par un mélange d’éléments classiques et baroques. On y reconnaît à la fois une grande magnificence typiquement baroque et des éléments tirés de statues antiques. Un regard rétrospectif sur sa production picturale permet de constater que les œuvres de jeunesse s’inscrivent dans la tradition flamande des peintures de paysage, réalisées en collaboration avec d’autres artistes et dans lesquelles il avait pour tâche d’insérer des figures humaines. Pendant son séjour en Italie, et plus particulièrement à Rome, Rubens réalise des œuvres de commande et des retables à thème religieux. La Déposition au Sépulcre est particulièrement remarquable. On peut y voir l’inspiration du tableau éponyme du Titien, que Rubens avait vu en Espagne lors d’une mission pour Vincenzo Gonzaga et dont il avait rapporté une esquisse dans ses notes. On peut également trouver de nombreux indices dans les œuvres d’art italiennes qu’il a étudiées pendant son séjour.

La Circoncision, peinte en 1605 à Gênes, est un prodige du baroque par le raccourci très audacieux de la représentation, où l’on voit des anges descendre d’en haut sur la petite foule qui suit l’acte de circoncision de Jésus, donnant à la composition un sentiment très impétueux certainement accentué par les tons sombres de l’arrière-plan et l’exaltation de la lumière divine qui vient d’en haut. Même dans les tableaux non religieux, comme le Portrait de Brigida Spinola Doria (1606), également peint à Gênes, la combinaison de tons sombres et clairs est très décisive. Lors de son second séjour à Rome, Rubens réalise, comme nous l’avons vu, des œuvres pour l’abside de l’église Santa Maria in Vallicella ou Chiesa Nuova, dont la célèbre Madone de la Vallicella, œuvre particulière puisqu’il s’agit d’une icône à fresque enchâssée dans un retable d’ardoise. Une autre particularité de ce retable est que l’icône représentant la Vierge et l’Enfant bénissant est protégée par une plaque de cuivre qui reproduit exactement la même image. Cette plaque peut en outre être soulevée. Autour d’elle, des figures d’anges et de chérubins adorateurs semblent descendre des nuages en portant et en soutenant l’icône elle-même. Au-dessous d’eux, une petite foule regarde la scène. Certains détails, comme les mains des spectateurs et les pieds des angelots, dépassent de la toile, suggérant que la scène continue de s’étendre à l’infini hors du cadre, et que ce cadrage sera entièrement repris par la peinture baroque. De chaque côté de la Madone se trouvent deux autres retables en ardoise formant un triptyque, représentant les saints dont les reliques sont conservées dans l’église, à savoir saint Grégoire le Grand, saint Papias et saint Maurus à gauche et les saints Flavia, Domitilla, Nereus et Achilleus à droite. Les retables latéraux sont disposés de telle sorte que les saints semblent regarder l’icône de la Vierge, suivant un exemple que Rubens avait vu dans l’église romaine de San Gregorio al Celio de Carracci. Ces œuvres sont les seules de Rubens qui se trouvent encore à leur emplacement d’origine.

Après son séjour italien, Rubens retourne à Anvers et les œuvres datées entre 1609 et 1611 sont pleinement influencées par les chefs-d’œuvre qu’il a admirés à Rome, voir notamment Samson et Dalila (1609) où des échos du Caravage sont évidents dans la théâtralité donnée à la scène et dans le contraste saisissant entre l’ombre et la lumière, tandis que les figures musclées et puissantes sont certainement dérivées des fresques de Michel-Ange. Cependant, un tournant dans le style de Rubens se produit en 1612, probablement sous l’effet de la Contre-Réforme, puisqu’à partir de cette période, on observe des œuvres aux couleurs plus claires, composées de figures disposées de manière plus équilibrée dans l’espace, rendues avec des poses plastiques qui font écho aux statues grecques (sûrement un héritage de la période italienne de l’artiste). En effet, le débat sur les images sacrées introduit par le protestantisme à la fin du XVIe siècle avait abouti au décret De invocatione, veneratione et reliquis sanctorum et sacris imaginibus, par lequel l’Église de Rome réglementait le contrôle du clergé local sur les œuvres d’art, qui devaient répondre à des exigences précises : elles devaient être claires, bien lisibles et respecter les écritures sacrées. Le climat créé par ces changements s’est traduit, dans la plupart des cas, par un changement stylistique autonome de la part des artistes, sans intervention extérieure. L’œuvre de Rubens qui exprime le mieux ce changement est le Triptyque de la Déposition de Croix (1611-1614), dans lequel, malgré le caractère hautement théâtral et dramatique de la scène représentée, confiée aux visages chargés d’émotion et aux poses certainement pas naturelles des personnages, les couleurs sont le plus souvent sourdes. Le pivot de la composition est le Saint-Suaire, qui semble émaner une lumière propre, éclairant l’ensemble du tableau, et en particulier la couleur rouge de la robe portée par le jeune apôtre Jean, plus adoucie vers l’orange que vers le rouge profond. Le corps du Christ, représenté dans une position contorsionnée, semble être une citation de la statue de Laocoon, conservée aux Musées du Vatican à Rome.

Entre la fin des années 1910 et le début des années 1920, Rubens est impliqué dans une série de commandes très exigeantes, des cycles de peintures. En effet, il réalise sept tapisseries représentant les Histoires de Decius Mure (1617-1618), le premier cas où Rubens se lance dans un projet d’une telle ampleur, dans lequel une série d’images allégoriques et de célébration racontent l’histoire du consul romain qui est allé se battre à la bataille du Vésuve, conscient qu’il faisait un sacrifice à part entière et qu’il devenait un symbole de patriotisme. Dans cette série de tapisseries, Rubens utilise le cadre historique pour reprendre et citer de nombreuses œuvres de l’Antiquité : on reconnaît notamment des portions de la colonne de Trajan, des éléments tirés des fresques de Raphaël et des images d’animaux vraisemblables tirées de tableaux de différents auteurs. La scène de la Mort de Decius Mure, en revanche, rend hommage à la Bataille d’Anghiari, la célèbre fresque inachevée de Léonard de Vinci connue par des copies, en particulier la scène de bataille équestre au centre de l’œuvre, que Rubens connaissait bien, puisqu’il l’avait tracée dans un dessin aujourd’hui conservé au Louvre à Paris.

Le Cycle de Marie de Médicis, deuxième grand projet pictural de Rubens, ne comporte pas moins de vingt-quatre toiles. Les épisodes plutôt récents, c’est-à-dire une série d’événements liés à la vie personnelle et politique de la femme, mère du roi de France Louis XIII, sont également présentés cette fois avec diverses références à l’antiquité, à travers la présence constante de personnages angéliques qui accompagnent les scènes de leur nudité classique, prenant des tonalités plus allégoriques que narratives. Par exemple, dans La naissance de la reine, on a l’impression d’assister à la naissance d’une divinité, étant donné la présence d’enfants et de femmes qui descendent du ciel pour rendre visite au nouveau-né, accompagnés de nuages tourbillonnants et de draperies d’étoffe qui tournoient dans l’air.

Les cycles de grandes œuvres se poursuivent dans les années suivantes : le peintre est en effet chargé par l’archiduchesse Isabelle de Habsbourg d’exécuter les esquisses de quinze grandes tapisseries avec le Triomphe de l’Eucharistie pour le couvent madrilène des Carmélites déchaussées. Entre 1627 et 163, il est à nouveau sollicité par Marie de Médicis pour commencer la décoration de la galerie d’Henri IV, mais le projet est abandonné. Toutefois, des traces de cette commande subsistent dans deux peintures encore sommaires de la Galerie des Offices. Entre 1629 et 1640, c’est-à-dire peu avant sa mort, Rubens exécute d’autres cycles picturaux entre l’Angleterre (neuf tableaux avec la Glorification de Jacques Ier commandés par Charles Ier pour la Banqueting House de Whitehall, Londres) et l’Italie (une série de huit tapisseries avec la Glorification de Jacques Ier commandées par Charles Ier pour la Banqueting House de Whitehall, Londres).Italie (une série de huit tapisseries avec l’Histoire d’Achille et quatre autres tapisseries à thème religieux pour une confrérie d’Ancône) et l’Espagne (peut-être son projet le plus ambitieux puisque plus de cinquante esquisses ont été retrouvées pour la décoration des vingt-cinq pièces du pavillon de chasse du roi Philippe IV, sur le thème des Métamorphoses d’Ovide).

Où voir les œuvres de Rubens

Certaines des œuvres de Rubens se trouvent à Anvers, ville de l’actuelle Belgique où il a vécu de nombreuses années de sa vie, notamment dans la cathédrale Notre-Dame(pour en savoir plus sur les œuvres de la cathédrale, cliquez ici). Dans l’abside, on peut admirer l’Élévation de la Croix (1610) et le Triptyque de la Déposition de Croix (1614), tandis que sur le maître-autel se trouve l’Assomption de la Vierge (1626) et dans une chapelle à déambulatoire se trouve la Résurrection du Christ (1612), ainsi que deux panneaux latéraux avec les commanditaires de l’œuvre Jan Moretus (mort en 1610) et son épouse. À Anvers, on peut également visiter la maison achetée par l’artiste, la Rubenshuis (“Maison de Rubens”).

En Italie, les œuvres de Rubens peuvent être admirées dans les musées et, dans certains cas, dans les églises. Par ordre chronologique, les tableaux les plus célèbres sont La Déposition du Christ (1602) dans la Galleria Borghese à Rome, La Circoncision (1605) dans l’église de Jésus, des Saints Ambroise et André à Rome. et des saints Ambroise et André à Gênes, La Madone de Vallicella (1608) dans l’église du même nom à Rome, Les quatre philosophes (1612), La Madone à la corbeille (1615) et La résurrection du Christ (1616) dans la Galerie Palatine de Florence, ainsi que les quatre tapisseries à thème religieux réalisées entre 1630 et 1640 pour la confrérie d’Ancône, aujourd’hui conservées au Museo Diocesano d’Ancône.

Un nombre important d’œuvres est visible à Vienne, au Kunsthistorisches Museum où sont conservés le Portrait d’Isabelle d’Este (vers 1605), Les Quatre Continents (1615), Deux Satyres (1618). En Allemagne, la Mort d’Argos (vers 1611) se trouve au Wallraf-Richartz Museum de Cologne et une série de tableaux moins connus entre Berlin et Munich. Un grand nombre d’œuvres sont conservées en Espagne, au musée du Prado à Madrid. On peut y voir au moins neuf tableaux, principalement de genre mythologique, comme Le viol de Ganymède (1636-38) ou Le jugement de Pâris (1638-39).

Quelques tableaux se trouvent également au Louvre à Paris(Hercule et Onphale de 1603 et Le Débarquement de Marie de Médicis à Marseille de 1622-25) et à la National Gallery de Londres(Samson et Dalila de 1609). Enfin, des œuvres de Rubens se trouvent au musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg(La Statue de Cérès de 1612-15) et aux États-Unis, notamment le Portrait de Brigida Spinola Doria (1606) à la National Gallery of Art de Washington et la première œuvre datée de Rubens, Portrait d’un jeune érudit (1597) au Metropolitan Museum of Art de New York.

Pieter Paul Rubens, la vie et l'œuvre du précurseur du baroque

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