Parmigianino : vie, œuvres, style, chefs-d'œuvre

Girolamo Francesco Maria Mazzola, plus connu sous le nom de Parmigianino (Parme, 1503 - Casalmaggiore, 1540) est l’une des personnalités les plus importantes et les plus influentes du XVIe siècle, ainsi que l’un des plus grands artistes apparus après la mort de Raphaël. Principal représentant de la manière émilienne, talent précoce, il séjourne brièvement à Rome juste avant le sac de 1527 et, à son retour, il est le protagoniste de certains des épisodes les plus significatifs de l’art de l’époque : sa carrière est cependant très brève, puisque Parmigianino disparaît alors qu’il n’a que trente-sept ans. Malgré cela, sa peinture a réussi à survivre, aussi bien dans les créations des artistes émiliens du XVIe siècle, qui n’ont pas manqué de se mesurer à lui, qu’en Vénétie avec Andrea Schiavone, et en France, où les indices du Parmigianino sont arrivés avec l’art du Primaticcio. Les éléments parmigianesques se retrouvent ensuite dans l’œuvre d’un grand nombre d’artistes postérieurs, de Véronèse à Ludovico Carracci, de Niccolò dell’Abate à Pellegrino Tibaldi, de Giulio Cesare Procaccini à la peinture véronaise de la seconde moitié du XVIe siècle.

L’un des principaux mérites de Parmigianino est d’avoir redéfini les canons de la beauté de l’époque, selon une image élégante et artificielle, atteignant des sommets d’extravagance, d’ambiguïté et d’hyperbole qui n’ont jamais perdu leur grande charge de raffinement. Ses idées ont été largement diffusées dans l’Italie et l’Europe de l’époque, non seulement par le biais des artistes qui venaient à Parme et dans les environs pour voir ses œuvres en personne(découvrez ici quelques lieux de la région de Parme où voir les œuvres de Parmigianino), mais aussi par le biais des dessins et des gravures qui ont été largement diffusés.

Artiste cultivé et raffiné, il jouit immédiatement d’une grande reconnaissance critique, en raison également de sa vie tourmentée, à la légende de laquelle Giorgio Vasari a largement contribué : selon l’artiste et historien d’Arezzo, Parmigianino, pris dans ses expériences alchimiques, aurait abandonné l’art, absorbé par l’alchimie jusqu’à l’autodestruction. Si l’on sait que Francesco Mazzola a nourri un intérêt pour ce sujet, on ne sait pas vraiment si son attachement était aussi morbide que la lecture des Vies de Vasari semble le suggérer. Ce qui compte vraiment, c’est que Vasari a loué et apprécié Parmigianino, lui accordant la fortune dont il a toujours bénéficié : “Parmi tous ceux qui ont été dotés en Lombardie de la vertu gracieuse du dessin et d’une certaine vivacité d’esprit dans les inventions, et d’une manière particulière de faire de beaux paysages en peinture, Francesco Mazzuoli de Parme ne doit être placé au-dessus de personne, ou plutôt doit être placé au-dessus de tous les autres, qui a été amplement doté par le ciel de toutes les parties qui sont requises d’un excellent peintre, puisqu’il a donné à ses figures, en plus de ce qui a été dit de beaucoup d’autres, une certaine vénusté, douceur et grâce dans leurs attitudes, qui lui était propre et particulière. Dans les têtes, on voit aussi qu’il avait toutes les préventions qu’on doit avoir, puisque sa manière a été admirée et observée par d’innombrables peintres, pour avoir donné à l’art une lumière de grâce si agréable, que ses œuvres seront toujours estimées, et qu’il sera honoré par tous les savants du dessin”.

Parmigianino, Autoportrait au miroir (vers 1524 ; huile sur panneau convexe, 24,4 x 24,4 cm ; Vienne, Kunsthistorisches Museum)

La vie de Parmigianino

Girolamo Francesco Maria Mazzola naît à Parme le 11 janvier, huitième de neuf enfants, de Filippo, peintre de profession, issu d’une famille de marchands et d’artisans originaire de Pontremoli en Lunigiane et installée à Parme depuis le XIVe siècle. On ne sait pas qui était sa mère, peut-être une certaine Donatella Abbati. La famille vivait à Parme dans le Vicolo delle Asse, aujourd’hui connu sous le nom de “Borgo del Parmigianino”. Son père mourut dès 1505 et le jeune Francesco fut confié aux soins de son oncle et de sa tante Michele et Pietro Ilario Mazzola, également peintres, auprès desquels le jeune homme effectua son apprentissage artistique. En 1519, à seulement seize ans, l’artiste exécute sa première œuvre connue, le Baptême du Christ destiné à l’église de l’Annunziata à Parme et aujourd’hui conservé aux Staatliche Museen de Berlin. Vers 1520, avec ses oncles et d’autres artistes, il commence à travailler sur les fresques de l’église San Giovanni Evangelista de Parme en tant que collaborateur du Corrège, se mettant ainsi sous les feux de la rampe et démontrant son talent précoce. L’année suivante, en 1521, Parmigianino s’installe à Viadana pour échapper à la guerre entre Charles Quint et François Ier qui allait toucher Parme : pour l’église franciscaine locale, le peintre exécute le Mariage mystique de sainte Catherine, aujourd’hui conservé dans l’église Santa Maria Addolorata de Bardi, dans la province de Parme. En revanche, l’une de ses œuvres les plus célèbres date de 1523, l’Autoportrait au miroir , aujourd’hui conservé au Kunsthistorisches Museum de Vienne.

En 1524, l’artiste entame l’une de ses plus grandes entreprises : il se trouve à la Rocca di Fontanellato, convoqué par le seigneur local, Galeazzo Sanvitale. L’artiste y exécute d’importants chefs-d’œuvre tels que les Histoires de Diane et d’Actéon (le cycle de fresques qui orne la “Stufetta” de la Rocca) et le portrait de Sanvitale, actuellement conservé au musée national de Capodimonte à Naples. Toujours en 1524, il séjourne avec Pietro Ilario à Rome, où il entre en contact avec l’art de Raphaël et de Michelangelo Buonarroti, et fait la connaissance de quelques-uns des plus grands artistes de l’époque comme Sebastiano del Piombo, Perin del Vaga, Polidoro da Caravaggio et Baldassarre Peruzzi. Selon la tradition, il réussit, vu son jeune âge (à peine vingt et un ans), à émerveiller le pape Clément VII en lui montrant certaines de ses œuvres. Toujours à Rome, il se lie d’amitié avec Pietro Aretino. En 1526, à Rome, il reçoit la commande de la Vision de saint Jérôme, aujourd’hui conservée à la National Gallery de Londres.

En 1527, pour éviter le sac de Rome, il quitte la ville, comme beaucoup d’autres artistes : il s’installe donc à Bologne où il exécute, entre autres, San Rocco avec un donateur de la basilique de San Petronio. 1529 est l’année de la visite du pape Clément VII à Bologne : Francesco Mazzola lui offre la Madone de la Rose qui se trouve aujourd’hui à Dresde. L’année suivante, l’artiste se voit confier la décoration à fresque de l’église Santa Maria della Steccata à Parme : c’est l’une de ses entreprises les plus connues et les plus importantes, mais aussi l’une des plus douloureuses. En effet, les travaux ne commenceront que cinq ans plus tard et se poursuivront de manière très perturbée : la lenteur de l’artiste lui causera de nombreux problèmes avec ses clients, même d’ordre juridique (par exemple, en 1538, la fabbriceria della Steccata le condamne à rembourser une somme importante, 225 scudi, pour rupture de contrat, et même en 1539, les fabriciens parviennent à faire emprisonner l’artiste, qui passe deux mois en prison). C’est en 1531 que l’artiste retourne dans sa ville natale. En 1534, il commence à peindre ce qui est peut-être son chef-d’œuvre le plus célèbre, la fameuse Madone au long cou, une œuvre restée inachevée et aujourd’hui conservée à la Galerie des Offices. En 1539, après avoir été libéré de prison à la suite des événements mentionnés ci-dessus (l’ordre d’emprisonnement a été transformé en un ordre de ne plus interférer avec le travail, et Giulio Romano a été choisi à sa place, qui a toutefois décliné l’invitation après l’avoir acceptée dans un premier temps), il a décidé de quitter sa ville natale et de se rendre à l’Italie, décide de quitter sa ville natale et de s’installer à Casalmaggiore, juste à l’extérieur des frontières du duché de Parme (l’artiste avait probablement l’intention de revenir dès que possible, peut-être pour terminer la commande de Steccata, comme on peut le supposer à la lecture de sa correspondance avec Giulio Romano). Mais Parmigianino meurt à Casalmaggiore le 24 août 1540, peut-être de la malaria, contractée le 5 août.

Parmigianino, Retable Bardi (1521 ; tempera sur panneau, 203 x 130 cm ; Bardi, Santa Maria Addolorata)

Basilique de Santa Maria della Steccata, le sottoarco avec les trois vierges sages et les trois vierges folles

Fresques de Parmigianino à la Rocca Sanvitale di Fontanellato

L’œuvre, le style et l’importance de Parmigianino

Les premiers maîtres de Parmigianino sont ses oncles Pietro Ilario et Michele Mazzola, mais l’artiste s’est surtout formé en admirant les œuvres du Corrège, de Dosso Dossi et de Pordenone (il a probablement aussi vu l’Extase de sainte Cécile de Raphaël). En supposant qu’il ait séjourné à Crémone, on peut supposer que Francesco Mazzola connaissait également les œuvres de Romanino et d’Altobello Melone. Ses artistes de référence se retrouvent dans sa première œuvre attribuable, le Baptême du Christ des Staatliche Museen de Berlin, une œuvre très intéressante également parce qu’elle a été peinte par l’artiste à l’âge de seize ans. Le tableau donne presque l’impression d’être devant un enfant prodige: les anges suggèrent sa connaissance de l’art raphaélesque, tandis que la tête du Christ est clairement dérivée de Corrège, tandis que le paysage rappelle Dosso Dossi et la peinture vénitienne. L’artiste se distingue déjà par la finesse de la décoration de la plaque avec laquelle le Baptiste baptise Jésus, et le raffinement est l’une des caractéristiques de sa peinture. Mais le chef-d’œuvre précoce le plus connu, qui témoigne du goût de Parmigianino pour l’étrange, est l’Autoportrait du Kunsthistorisches Museum de Vienne, datant de 1523. Parmigianino, dans ce tableau, entend étonner l’observateur : le peintre a voulu se représenter en donnant l’illusion d’une image déformée par un miroir convexe. Pour s’en rendre compte, il suffit de regarder la main et le fond, car un miroir convexe reflète les bords de la figure de manière altérée et laisse le centre de la figure “intact”. Dans le cas de cet autoportrait, le centre de la figure coïncide avec le visage du peintre, qui se représente avec des traits très délicats (ceux qui lui ont valu le surnom de “Parmigianino”). En outre, avec cet autoportrait, l’artiste entend démontrer son habileté à représenter la réalité, même déformée par des artifices optiques, au point de susciter l’admiration de Vasari.

Immédiatement après, Parmigianino réalise l’une des œuvres qui nous offre le mieux la dimension de son art : le cycle de fresques commandé par Galeazzo Sanvitale pour la “Stufetta” (petit poêle) de la Rocca di Fontanellato. Les fresques, peintes vers 1524, racontent les histoires de Diane et d’Actéon et décorent la voûte de la pièce. Le mythe de Diane et Actéon (le chasseur transformé en cerf par Diane pour la punir de l’avoir vue nue dans le bain avec ses nymphes, puis déchiqueté par ses propres chiens) est raconté d’une manière qui fait clairement référence au Corrège, en particulier à la Camera di San Paolo, que Parmigianino reprend, mais avec des variations et en retravaillant de manière tout à fait personnelle le motif de la fausse pergola qui s’ouvre au-dessus des lunettes contenant la représentation des épisodes. Ce cycle de fresques présente de nombreux aspects inhabituels: il s’agit d’une salle obscure car elle n’avait pas de fenêtres à l’origine, elle est très petite, les sources contemporaines ne nous disent rien à son sujet, et enfin, nous ne savons pas exactement à quoi elle servait et les hypothèses les plus disparates ont donc été émises quant à la destination de la salle. Il ne manque pas non plus d’éléments permettant de constater le goût du bizarre qui imprègne l’art de Parmigianino, décliné toutefois avec beaucoup de raffinement : ainsi, certains spécialistes notent que le corps d’Actéon avec une tête de cerf ressemble presque à un corps de femme, ou que la scène où le chasseur est déchiqueté par ses chiens ne présente aucune violence (on dirait presque une danse plutôt qu’une fuite éperdue). Les fresques de la Madonna della Steccata méritent une mention spéciale : elles ont été commandées à l’artiste en 1531. Cependant, les travaux avancèrent très lentement jusqu’aux dernières années de la vie de l’artiste, qui mourut en 1540. Cette lenteur lui valut plusieurs problèmes avec les commanditaires, car l’œuvre devait être achevée en un an et demi (Parmigianino fut même emprisonné en 1539 pour rupture de contrat, Bien qu’il ait réussi à sortir après quelques mois, la poursuite des fresques, initialement confiée à Giulio Romano qui avait d’abord accepté puis décliné l’invitation, fut confiée à Michelangelo Anselmi). Les retards sont probablement dus à l’excès de zèle de Parmigianino, qui conçoit les fresques avec une grande lenteur (il reste un grand nombre de dessins relatifs à la conception de ce cycle). Les seules fresques que Parmigianino réussit à achever sont celles du sous-arche du maître-autel, décorées des Vierges sages et des Vierges folles entre 1535 et 1539. Entre deux rangées de rosaces dorées, on voit des décorations avec des motifs végétaux et animaux et, à l’arrière-plan, les vierges sages d’un côté et les vierges folles de l’autre, dans des poses similaires : seules les couleurs des robes et des lampes changent, allumées pour les vierges sages et éteintes pour les vierges folles. Les jeunes filles atteignent une monumentalité marquée qui rappelle les fresques de la voûte de la Chapelle Sixtine, le chef-d’œuvre de Michel-Ange que Parmigianino a certainement vu lors de son séjour à Rome, mais qui dénote aussi l’intérêt de Francesco Mazzola pour l’art de Raphaël (des points de contact avec les fresques des Stanze du Vatican ont été trouvés).

L’esthétique parmesane est peut-être la plus évidente dans sa Madone au long cou, le chef-d’œuvre inachevé conservé aux Offices. Cette peinture, réalisée entre 1534 et 1540 et conservée aux Offices, a été commandée par une noble parmesane, Elena Baiardi, pour la chapelle funéraire de son mari, Francesco Tagliaferri, à l’intérieur de l’église Santa Maria dei Servi de Parme. Il s’agit d’un des chefs-d’œuvre du maniérisme: extravagant, inhabituel, plein de références allégoriques. La distribution des personnages est fortement asymétrique: sur le côté gauche du tableau se trouve une foule d’anges, tandis que le côté droit est vide (la seule présence est celle de saint Jérôme, que l’on aperçoit au loin). La colonne d’ivoire que l’on voit à droite est peut-être à mettre en relation avec le cou de la V ierge (et en particulier avec le verset “collum tuum sicut turris eburnea” du Cantique des Cantiques). Ce même cou qui donne son nom au tableau est allongé, disproportionné par rapport au corps (volontairement : l’allongement des proportions du corps humain est un trait distinctif du langage maniériste qui rejette l’harmonie de la Renaissance). Le cou n’est pas le seul à s’éloigner des proportions naturelles : la main est également très allongée, l’Enfant Jésus est beaucoup plus grand qu’un nourrisson ne devrait l’être (et l’Enfant Jésus lui-même semble pouvoir tomber à tout moment), la jambe de l’ange que l’on voit à gauche est très allongée. À ces nombreuses excentricités s’ajoute cependant une élégance marquée, que l’on remarque à la délicatesse des visages des protagonistes : un effet d’éloignement, typique de l’art maniériste, est obtenu.

Parmigianino (attr.), Baptême du Christ (vers 1519 ; huile sur panneau, 197 x 137 cm ; Berlin, Staatliche Museen, Gemäldegalerie)

Parmigianino, Madone au long cou (1534-1540 ; huile sur panneau, 216 x 132 cm ; Florence, Galerie des Offices)

Où voir les œuvres de Parmigianino ?

Le point de départ pour découvrir les œuvres de Parmigianino est une visite de la région de Parme : ses œuvres sont conservées à la Galerie nationale dans le complexe de la Pilotta, puis les fresques de Santa Maria della Steccata (l’église conserve également les deux portes d’orgue peintes pour l’ancien oratoire de la Steccata vers 1523, avant que l’église ne soit reconstruite), celles de l’église San Giovanni Evangelista où l’artiste a travaillé en tant que collaborateur du Corrège, et juste à l’extérieur il est possible d’admirer les fresques de la Rocca Sanvitale à Fontanellato, ou une peinture fondamentale comme le Retable de Bardi dans l’église Santa Maria Addolorata à Bardi, dans les Apennins de Parme(découvrez ici les lieux de Parmigianino à Parme). À Rome, la galerie Doria Pamphilj conserve deux chefs-d’œuvre de l’époque romaine : la Nativité avec les anges et la Madone Doria. Une autre œuvre de l’époque romaine se trouve aux Offices : la Vierge à l’Enfant de 1525. Les Offices conservent également la Madone au long cou et une autre œuvre importante, le Retable de San Zaccaria. À Naples, le Museo Nazionale di Capodimonte abrite la célèbre Antea, le Portrait de Galeazzo Sanvitale, la Lucrezia Romana et la Sainte Famille avec saint Jean. Dans l’église de San Domenico di Taggia (Imperia), on peut voir une Adoration des Mages, tandis qu’un petit tour de Parme peut être fait à Bologne, où l’on peut admirer à San Petronio le San Rocco et un donateur, et à la Pinacoteca Nazionale di Bologna la Madonna di santa Margherita.

À l’étranger, on trouve des chefs-d’œuvre de Parmigianino à la Courtauld Gallery de Londres (la Nativité et la Madone de Vasari), au Prado (la Sainte Barbe, la Sainte Famille avec les anges, le Portrait de Pier Maria Rossi di San Secondo, le Portrait de Camilla Gonzaga), au Statens Museum for Kunst de Copenhague (le Portrait de Lorenzo Cybo), au Kunsthistorisches Museum de Vienne (la Conversion de saint Paul et l’Autoportrait, le Portrait de Costanza Rangoni), à la Gemäldegalerie de Dresde (la Madone à la rose, le Retable de Casalmaggiore).

Parmigianino : vie, œuvres, style, chefs-d'œuvre

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