Minimalisme, histoire et artistes du mouvement réductionniste

Le minimalisme, ou art minimal, a été l’une des expériences les plus importantes dans le monde de l’art au milieu des années 1960. On peut considérer ce courant comme la première déclaration d’une sculpture américaine composée d’objets muets, se présentant avec une idéologie neutre. L’impersonnalité de l’artiste minimal était identique à celle du peintre pop qui choisissait n’importe quel stéréotype de la civilisation qui l’entourait et l’exposait comme objet de son travail. Avec le pop art, en effet, le minimalisme est le courant artistique américain majeur des années 1960, consacré par l’exposition Primary Structures en 1966.

Les principaux protagonistes ont travaillé dans les premières années de la décennie : Donald Judd (Excelsior Springs, 1928 - Manhattan, 1994), Robert Morris (Kansas City, 1931 - Kingston, 2018), Carl Andre (Quincy, 1935 - Manhattan, 2024), Dan Flavin (Jamaica, 1933 - Riverhead, 1996) et Sol LeWitt (Hartford, 1928 - New York, 2007). Dans le domaine de la peinture, Frank Stella (Malden, 1936 - New York, 2024) s’est distingué en déclarant le sens de ses opérations picturales : “Ma peinture est basée sur le fait que seul ce qui peut être vu est là. C’est vraiment un objet. [...] Tout ce que je veux que les autres retiennent de mes peintures, et tout ce que j’en ai retenu, c’est le fait que l’on peut voir l’ensemble de l’idée de composition sans confusion [...] Ce que l’on voit est ce que l’on voit” (extrait de l’interview de Bruce Glaser, Questions to Stella and Judd, dans “Art News”, septembre 1966).

Histoire de l’art minimaliste

Le terme “minimalisme” définit les tendances artistiques caractérisées par une essence réductionniste. Il s’agit d’expériences radicales, visant à identifier la physicalité primaire pure et la basilarité des structures, des surfaces et des interventions colorées. Le groupe d’artistes minimalistes s’est formé autour des années 1960 et a été reconnu dans une exposition, Primary Structures, qui a eu lieu au Jewish Museum de New York en 1966. Les caractéristiques communes des membres de ce groupe sont l’intérêt pour l’objectivité, les structures fondamentales, plastiques et tridimensionnelles. Ces artistes recherchaient une forte simplification des formes, une rationalité solide et impersonnelle d’un langage artistique qui avait aussi pour fonction d’empêcher toute incursion dans la sphère émotionnelle de l’auteur.

Les œuvres minimalistes peuvent être des solides géométriques, des structures métalliques faites de matériaux industriels semi-finis ou préfabriqués ; ce sont des œuvres qui ont une forte connotation spatiale, une relation spécifique avec le lieu qui les contient. Souvent, les formes sont répétées en séries ou en modules, avec les couleurs des matériaux eux-mêmes ou réduites strictement à la gamme du noir et blanc.

La définition de l’art minimal a été donnée pour la première fois par le critique britannique Richard Wolheim(Minimal Art, “Art Magazine”, janvier 1965), qui a parlé d’une réduction minimale du contenu artistique en référence aux œuvres du XXe siècle, caractérisées par un abandon de plus en plus décisif du travail manuel traditionnel, comme par exemple dans le cas des ready-mades de Duchamp. Le minimalisme étant avant tout une expérience américaine, le philosophe a remis en question les œuvres d’Andy Warhol et de Roy Lichtenstein, mais il s’est également penché sur la page blanche du poète symboliste français Stéphane Mallarmé. Parmi les modèles et les maîtres que l’on peut identifier, il y a certainement la leçon de l’artiste Marcel Duchamp, mais aussi celle d’Ad Reinhardt qui, avec ses œuvres invisibles en noir et bleu, a été l’un des inspirateurs des artistes de la recherche minimaliste. Un précurseur fondamental a été l’œuvre de Kazimir Malevic, son Carré noir sur fond blanc à la simplification extrême, dès 1915.

Parmi les sources relatives à la sculpture, l’apport du constructivisme russe est incisif : les œuvres constructivistes étaient composées de matériaux choisis pour leurs qualités spécifiques et placées dans l’espace de la réalité quotidienne, comme les Reliefs de Vladimir Tatlin, auxquels l’artiste minimal Dan Flavin rendra plus tard hommage. Le peintre américain Frank Stella a été considéré comme l’initiateur du courant minimaliste avec ses Balck Paintings, des peintures totalement noires dont la physicalité est gravée par des lignes très fines qui animent leur surface, selon des mouvements géométriques qui annulent toute pulsation émotionnelle.

Dans les années 1960, le minimalisme s’oppose à la subjectivité de l’expressionnisme abstrait, dont il remplace l’élan par une attitude de vibration froide et d’essentialité rigoureuse. L’acte créatif, que l’artiste expressionniste concevait comme un exutoire libre de ses pulsions et de ses émotions, était alors voué à l’impersonnalité et à la physicalité sèche et immanente de l’œuvre. Néanmoins, les minimalistes considèrent la valeur des œuvres et des innovations introduites par Jackson Pollock et ses collègues. L’œuvre de grande dimension, conçue comme un ensemble de grand impact visuel, reste un élément reconnu et fondateur de ce qui est la vision artistique spécifiquement américaine, à opposer à la vision européenne plus traditionnelle, encore liée à l’aura de l’œuvre à contempler, cherchant à en approcher le sens au plus près en suivant un mouvement de profondeur.

Principaux artistes de l’art minimal

Les artistes minimalistes ont agi de manière compacte vers le milieu des années 1960. Ils ont commencé leurs recherches entre 1963 et 1964 en suivant des éléments communs et reconnaissables chez chaque artiste. En général, tous les minimalistes ont insisté sur les volumes géométriques et les formes élémentaires primaires, en essayant de réduire autant que possible la valeur accordée à l’intervention manuelle - à un minimum essentiel. Très souvent, c’est le moment du choix du matériau qui est d’une importance cruciale, tant pour l’organisation de la composition de l’œuvre que pour son développement. La couleur, dans les travaux de sculpture, est la couleur naturelle et originale du matériau utilisé. L’objet est un élément proposé en interaction avec l’espace environnant. Certains objets et installations ont dû être assemblés dans un lieu spécifique : lorsque l’œuvre est créée pour un espace spécifique, on utilise une formule qui est encore valable aujourd’hui, celle du site spécifique. Dans ce mode, les œuvres dialoguent davantage avec l’environnement qu’elles ne sont des œuvres en soi.

Donald Judd, diplômé en philosophie, a débuté comme peintre au milieu du 20e siècle et a ensuite collaboré avec plusieurs magazines en tant que critique d’art, “Art News” et “Arts Magazine”, de 1959 à 1965. Il a créé des œuvres composées de structures géométriques"empilées". Il s’agit d’objets réguliers et tranchants, exposés en relation stricte avec l’espace, qui peut être une galerie ou un musée. Par rapport aux autres minimalistes, Judd est le plus froid et le plus rigoureux. Il utilise des matériaux de type industriel comme l’acier inoxydable, l’aluminium anodisé et le plexiglas. Son choix s’est porté sur des structures tridimensionnelles et élémentaires, des matériaux liés à l’identité spécifique de l’œuvre : la couleur, la forme et la surface ont été conçues pour concentrer toute l’attention sur l’objectualité.

En raison du concept minimaliste selon lequel le travail manuel doit être éliminé, Judd a utilisé des techniques industrielles et des machines afin de garantir un maximum de précision et d’impersonnalité dans l’exécution.

Pour l’exposition de la Green Gallery à New York en 1963, il présente une série de reliefs et de structures en bois ou autres matériaux, tous colorés en rouge cadmium. Dans Untitled (1963), une légère peinture à l’huile rouge cadmium recouvre un parallélépipède en bois, qui a été usiné et mesuré selon le dessin de l’artiste. L’une des faces est percée d’une ouverture tubulaire, qui constitue une sorte de canal créant un passage ; avant d’être une sculpture, il s’agit chez Judd d’un objet. L’habileté manuelle est absolument niée: de l’application de la couleur aux coupes nettes dans le bois, l’objet garantit qu’il n’a pas été en contact physique avec l’artiste.

Dans les années qui suivent, l’artiste commence à travailler les métaux, produisant des boîtes en fer ou en aluminium, qu’il place soit comme des éléments isolés, soit dans ses formes empilées, des séries qui se développent comme un tout. Untitled (Stack) de 1968 est l’une de ces œuvres à l’exécution technique froide, une scansion rigoureuse et articulée de pleins et de vides mais constituant un tout unifié. Judd a mis de côté l’idée de sublimer le caractère objectif, physique et concret : celui-ci est resté la véritable essence esthétique et le seul contenu de ses œuvres.

Carl Andre s’est également engagé dans la voie du matérialisme intégral : l’identité formelle de ses œuvres coïncide avec celle des éléments industriels et préfabriqués utilisés, des matériaux communs. Andre a combiné ces formes de manière élémentaire, de façon à annuler toute distance entre l’œuvre artistique et l’intervention commune. L’objectif de ses créations était de créer les conditions d’une perception renouvelée des éléments primaires de la construction, en jouant sur leur présence physique et leur emplacement dans l’environnement. Ce faisant, il a redéfini le sens de la sculpture, en réfléchissant aux principes fondamentaux de la verticalité et de l’horizontalité, du poids et de l’espace. Hour Rose est un bois peint, très rigoureusement façonné et travaillé à l’aide d’une machine qui éloigne l’idée de l’intervention humaine, la spontanéité de l’artisanat. Andre a commencé à expérimenter l’extrême essentialité de la forme avec ses “sols-sculptures” à partir de 1968. L’année suivante, il réalise 144 Lead Square, une œuvre spécifique au site. Utilisant des dalles carrées, la sculpture se caractérise par sa planéité , comme un pur espace-lieu où le spectateur peut marcher et jouir d’une expérience sensorielle directe et sans précédent.

Dan Flavin a travaillé dans le domaine du minimalisme à partir des années 1960. Son œuvre se distingue par son intérêt pour la lumière et l’importance qu’elle revêt dans le minimalisme : tout d’abord avec l’œuvre Pink out of a corner en 1963, où un simple objet, un tube de néon rose, est placé dans le coin d’une pièce, devenant ainsi le module de base de toutes les œuvres fluorescentes de l’artiste. En allumant les tubes lumineux, Flavin donne un nouveau sens à l’espace, voyant d’abord une dimension spirituelle dans le rayonnement lumineux de ses œuvres. Progressivement, Flavin entre en contact avec le travail d’artistes tels que Vladimir Tatlin, Jasper Johns et Frank Stella, concevant et partageant la valeur accordée aux objets en tant que véritables phénomènes physiques. C’est précisément à Tatlin, et à son Monument au troisième projet international, que Flavin consacre un cycle d’œuvres, Monument for Tatlin (1964-1982), composé d’installations de combinaisons scalaires de néons de différentes tailles, qui répandent dans l’espace une froide luminosité blanche, jaune et rouge.

Robert Morris est le chef de file absolu de la sculpture minimaliste. L’artiste raisonne sur la problématique minimaliste centrée sur la relation entre l’objet, l’espace et le spectateur, mais la composante conceptuelle duchampienne et l’influence de Jasper Johns sont également importantes pour lui. Lors de l’exposition Primary Structures, il expose L-Beams (1965), de grandes structures en contreplaqué en forme de L, toutes identiques mais placées dans des positions différentes, permettant une fruition diversifiée ; ainsi, chaque élément s’impose au public comme une œuvre différente.

Parmi les minimalistes, Sol LeWitt est l’artiste qui a privilégié l’idée sur le matérialisme. Sa contribution à la théorisation de l’art conceptuel est bien connue. L’œuvre de LeWitt navigue simultanément entre les sphères minimaliste et conceptuelle, car il a pu s’exprimer à travers des structures visuelles à la fois mentales et concrètes. Tout en reconnaissant l’importance du moment de la réalisation, LeWitt a trouvé dans l’acte conceptuel un moment créatif supérieur. En 1966, il réalise Three Squares, des éléments placés à une distance parfaite des lignes de démarcation entre les murs et le sol. Le résultat est l’annulation de la tridimensionnalité au profit d’un effet d’expansion. Dans son œuvre, LeWitt exalte l’élément conceptuel en travaillant concrètement sur la donnée spatiale, sur l’action qui se produit et qui modifie l’espace.

Dans le domaine de la peinture minimaliste, on trouve Frank Stella. Le peintre américain s’est donné pour tâche d’élaborer une peinture radicale opposée à l’expressionnisme abstrait. Il cherche à remettre à zéro la signification de l’acte de peindre, à annuler tout instinct relationnel et toute préciosité de la peinture, en affirmant la valeur tautologique de l’objet artistique : “What you see is what you see” (ce que vous voyez est ce que vous voyez), dit-il en référence à ses peintures à rayures noires, réalisées entre 1959 et 1960. La configuration modulaire et répétitive vise à renforcer la physicalité de l’objet peinture.

Le peintre Robert Ryman (Nashville, 1930 - New York, 2019) a poussé à l’extrême le processus de réduction minimale de la création artistique. Il a proposé la toile comme support concret et la peinture dans sa physicalité incisive. Cependant, contrairement à Frank Stella, il n’a pas utilisé de configurations géométriques, mais s’est concentré sur l’essence matérielle de la peinture, accordant une importance infinie au processus de peinture, à la pose de la matière picturale. Dans Untitled, 1962, des coups de pinceau blancs pleins de corps s’élancent sur la surface, qui, en raison de la nature de la couleur, s’annulent les uns les autres, devenant minimalement reconnaissables dans les courbes des coups de pinceau, qui prennent un petit relief. Pour Ryman, l’action du peintre doit être mentalement valorisée et l’expressivité, l’implication physique réduite au minimum, l’idée de réduction et de concentration.

Minimalisme, histoire et artistes du mouvement réductionniste

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